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Die Künstler

A B C D E F G H I J K L M N O P Q R S T U V W X Y Z

Ignasi Aballi, Peterli Abbing, Berenice Abbott, Ebtisam Abdulaziz, Kim Abeles, Margitta Abels, Maike Abetz, Jochen Abraham, Ivor Abrahams, Jo Achermann, Rene Acht, Thomas Achter, Udo Achterholdt, Herbert Achternbusch, Franz Ackermann, Max Ackermann, Peter Ackermann, Susanne Ackermann, Thomas Ackermans, Norman Ackroyd, G. P. Adam, Valerio Adami, Norman Adams, Robert Adams, Hans Peter Adamski, Silja Addy, Karl-Heinz Adler, Leonore Adler, Adochi, Affandi, Shahin Afrassiabi, After Bowles, Lewis After Nash, Duamier After und Philpon Aubert, Yaakov Agam, Valerio Agnetti, Pep Agut, Nina Ahlers, Frank Ahlgrimm, Jörg Ahrnt, Christiane Ahrweiler, Craigie Aitchison, Genpei Akasegawa, Yuji Akatsuka, Murat Akay, Mehmet Aksoy, Jaber Al Azmeh, Jan Albers, Josef Albers, Hermann Albert, Uwe Albert, Petra Albrecht, Ursula Albrecht, Pierre Alechinsky, Ingmar Alge, Sonja Alhäuser, Shirin Aliabadi, Eckard Alker, Olga Allenstein, Edward Allington, Fabio Cardoso, de Almeida, Carolina Antich, Ron Aloni, Pablo Alonso, Kamrooz Aram, Murshida Arzu Alpana, Otmar Alt, Navjot Altaf, Gerhard Altenbourg, Ernest Altes, Kai Althoff, Heiner Altmeppen, Martina Alt-Schäfer, Tariq Alvi, Getulio Alviani, Francis Alÿs, Gregory Amenoff, Gesa Amfelde, Ponirin Amin, Vanessa Anastassopoulos, Juan Carlos Andereggen, Michael Andrews, Degenhard Andrulat, Peter Angermann, Thomas Ankum, Adam Antes, Horst Antes, Emanuel Anthropelos, Birgit Antoni, Annapia Antonini, Ian Anüll, Richard Anuszkiewicz, Karel Appel, Dieter Appelt, Josef Apportin, Filippow Andrej Apressowisch, Shusaku Arakawa, Nobuyoshi Araki, Yusuf Arakkal, Emanuel Araujo, Manezinho Araujo, Allan d' Arcangelo, Elsbeth Arlt, Arman, Kenneth Armitage, John M. Armleder, Bettina von Arnim, Leonie von Arnim, Ludwig Arnold, Ulrike Arnold, Hans Arp, Eduardo Arroyo, Art & Language, Isabelle Arthuis, Richard Artschwager, Ewgenij Asanov, Young Ash, Dan Asher, Dieter Asmus, Martin Assig, Christina Assmann, Mustafa Ata, Christian Ludwig Attersee, Pidder Auberger, Walter Aue, Frank Auerbach, Gabriele Aulehla, Gerhard Ausborn, David Austen, Charles Avery, Jim Avignon, Joannis Avramidis, Gillian Ayres

August Babberger, Elvira Bach, Michael Bach, Liz Bachhuber, Silvia Bächli, Hans Matthäus Bachmayer, Francis Bacon, Katarzyna Badach, Ulrike Bäder, Frank Badur, Donald Baechler, Ulrich Baehr, Monika Baer, Katrin Bahner, Gamma Bak, Ingenio Balderi, John Baldessari, Jan Balet, Stephan Balkenhol, Tobias Ballweg, Niel Bally, Charly Banana, Romen Banerjee, Sarnath Banerjee, Christoph Bannat, Heike Kati Barath, Luiz Paulo Baravelli, Wilfried Barber, Stephen Barclay, Herbert Bardenheuer, Carlos Barea, Ina Barfuss, Eduard Bargheer, Ernst Barlach, Wilhelmina Barns-Graham, Yto Barrada, Artur Barrio, Cristina Barroso, Robert Barry, Hercules Barsotti, Herman Bartels, Thom Barth, Uta Barth, Monika Bartholomé, Johanna Bartl, Horst Bartnig, Prabhakar Barwe, Antoine de Bary, Harald de Bary, Mathias Barz, Rainer Barzen, Ferruh Basaga, Hans Baschang, Irina Baschlakow, Georg Baselitz, Gerhard Bassler, Eugen Batz, Michael Bauch, Anke Bauer, Brigitte Bauer, Cecile Bauer, Frank Bauer, Gerhard Bauer, Karl Johann Bauer, Peter Bauer, Silvia Bauer, Johannes Bauersachs, Elke Baulig, Lydia Bauman, Anselm Baumann, Willi Baumeister, Tilo Baumgärtel, Bodo Baumgarten, Heinz Baumgarten, Lothar Baumgarten, Moritz Baumgartl, Elfi Baumgartner, Franz Baumgartner, Hans Baumhauer, Ludwig Bäuml, Arlyne Bayer, Heike Bayer, Knut Bayer, Thomas Bayrle, Basil Beattie, Catherine Beaugrand, German Becerra, Bernd und Hilla Bernd Becher,Bernd und Hilla Becher, Thomas Bechinger, Klaus Beck, Silvia Beck, Boris Becker, Hans-Bernhard Becker, Julie Becker, Klaus Becker, Peter Becker, Stefan Becker, Ulrich Becker, Horst Becking, Ericka Beckman, Ingrid Beckmann, Max Beckmann, Giulio Beda, Detlef Beer, Robin Beers, Annette Begerow, Rolf Behm, Falko Behrendt, Gunda Behrens, Bertold Beier, Maria Beine-Hager, Anne Rose Bekker, Anatolij Belkin, Trevor Bell, John Bellany, Hans Bellmer, Kate Belton, Uwe Bender, Kurt Benning, Volker Benninghoff, Zohra Bensemra, Lucie Beppler, Klaus Berends, Frank Berendt, Hella Berent, Joachim Bereuter, Adrian Berg, Peter-Paul Berg, Wolfgang Berger, Werner Berges, Alexandra Bergmann, Gerhart Bergmann, Ann Bergson, Hartmut R. Berlinicke, Eduard Berms-Batas, Bruce Bernard, Martina Bernasko, Christine Bernhard, Franz Bernhard, Anne Berning, H. Bernstädt, Thomas Bernstein, Carmen Berr, Sabine Berr, Dieter Otto Berschinski, Lore Bert, Joachim Berthold, Annette Besgen, Katja Bette, Michael Bette, Joseph Beuys, Tony Bevan, Burkhart Beyerle, Jyoti Bhatt, Wolfgang E. Biedermann, Zbigniew Biel, Heinz Bienefeld, Rolf Bier, Guillaume Biji, Jakob Bill, Max Bill, Richard Billingham, Reinhold Binder, Heiner Binding, Brigitte Binzer, Johannes Birkhölzer, Franz Birkner, Norbert Bisky, Julius Bissier, Caroline Bittermann, Bittermann & Duka, Franz Blaas, Elizabeth Blackadder, Otmar Blaeser, Dike Blair, Jean-Charles Blais, Peter Blake, Gabriele Blam, Jaques-Émile Blanche, Nikola Blaskovic, Louis Bleuler, Karl Blossfeldt, Sandra Blow, Heiner Blum, Anna Blume, Bernhard Johannes Blume, Martin Blume, Ami Blumenthal, Hermann Blumenthal, Oliver Boberg, Dieter Bock, Manfred Bockelmann, Karl Böcker, Nicholas Bodde, Wolfgang Bodien, Andrea von Boehm-Bezing, Jacob Bogdany, Dirk Bögert, Gleb Bogomolow, Erwin Bohatsch, Gottfried Böhm, Hartmut Böhm, Heinz Jürgen Böhme, Karl Böhmer, Michael Böhmer, Claus Böhmler, Nicole Bohnet, Christiane Böhringer, Karl Bohrmann, Sascha Boldt, Otto Boll, Lutz Bolldorf, Susanne Bollenhagen, Matthias Bolz, David Bomberg, Peter Bömmels, Aldo Bonadei, Victor Bonato, Roger Bonnard, Maria Bonomi, Monica Bonvicini, Pedro Barateiro, Rudolf Bonvie, Boonsuab, Zoltan Borbereki, Albert Borchardt, Roland Borchers, Jürgen Bordanowicz, Helga Borisch, Gerd Borkelmann, Christine Borland, Peter Bormann, Arno Boroevics, Jonathan Borofsky, Georg Wilhelm Borsche, Wolfgang Bosse, Eberhard Bosslet, Ulrich Bossmann, Hans Bötel, Joachim Böttcher, Eckhard Böttger, Zoulikha Bouabdellah, Dorothee Bouchard, Mike Bouchet, Martin Boukhalfa, Louise Bourgeois, Osman Bozkurt, Sonja Braas, Erdmut Bramke, Marc Brandenburg, Herbert Brandl, Monika Brandmeier, Andreas Brandt, Sheila Brannigan, Georges Braque, Jelena Brashnik, André Brasilier, Aric Brauer, Rainer Braxmaier, George Brecht, Barbara Bredow, C. C. Breeda, KP Brehmer, Piot Brehmer, Dorothea Breick, Urs Breitenstein, Herbert Breiter, Malte Brekenfeld, Uwe Bremer, Emy Brenneke, Birgit Brenner, Gert Brenner, Jane Brettle, Julius Bretz, Florian Breuer, Frank Breuer, Leo Breuer, Jürgen-A. Breun, Hans Jürgen Breuste, Tassow Brhanu, Alice Brill, Alke Brinkmann, Marta Britsch, Anna Maria Brocke-Bodemann, Gottfried Brockmann, Gerda Brodbeck, Jürgen Brodwolf, Merian Broebes, Joachim Brohm, Marcel Broodthaers, Ellen Brooks, Shobha Broota, Hans Brosch, Celia Brown, Don Brown, James Brown, Jo Brown, Klaus vom Bruch, Ina Bruchlos, Wolfgang Bruchwitz, Nikifor Brückner, Martin Brüger, Susanne Brügger, Will Brüll, Bernhard Brungs, Peter Brüning, Judith Brunner, Maria Brunner, W. Jo Brunner, Günter Brus, Johannes Brus, Walter Brusius, Mikolaj Brykalski, Iwan Brynjuk, Gernot Bubenik, Hugh Buchanan, Andre Bucher, AnnemarieEvaPipilo BucherKellerRistWals, Carl Buchheister, Johannes Buchholz, Karl Bernd Buchholz, Wolff Buchholz, Uwe Büchler, Sabine Buchmann-Dessart, Stephen Buckley, Christopher Bucklow, Rachel Budd, Graham Budgett, Rudolf Buhl, Hede Bühl, Albert Buikema, Emil Bulatow, Erik Bulatow, Gisela Bullacher, Duncan Bullen, Holger Bunk, Daniel Buren, Anton Burger, Felix Bürgers, Manuela Burkart, Balthasar Burkhard, Roberto Burle-Marx, Susanne Bürner, Claus Bury, Jost Münster, Dirk Busch, Gerd Buschendorf, Jean-Marc Bustamante, Michael Buthe, Katja Butt, Werner Büttner, Heinz Butz, Manfred Butzmann, James Lee Byars, Michael Byron
Rafael Cabella, Roberto Cabot, John Cage, Miriam Cahn, Guo-Qiang Cai, Alexander Calder, Antonio Calderara, Yane Calovski, Carmen Calvo, Mohamed Camara, Alexander Camaro, Jeffery Camp, Steven Campbell, Heinrich Campendonk, Ernst Caramelle, Gianni Caravaggio, Roland Carbot, René Carcan, Anthony Caro, Merlin Carpenter, Katherine Carter, Severino Castellano, Luciano Castelli, Jorge Castillo, Amilcar de Castro, Bernard Cathelin, Maurizio Cattelan, Patrick Caulfield, Arpana Caur, Rolf Cavael, Ion Ceausu, Robert Ceulemans, Francois Joseph Chabrillat, Lynn Chadwick, Marc Chagall, Jayashree Chakravarty, John Chamberlain, Stephen Chambers, Jagdish Chander, Kanya Chareonsupkul, Sarah Charlesworth, Jacques Charlier, Chainant Cha-umngern, Bhagwan Chavan, Wong Hoy Cheong, Peter Chevalier, Hiong San Chew, Bal Chhabda, Sandro Chia, Eduardo Chillida, Nils Chlupka, Seok Tin Chng, Dong Chool, Frederick George Cotman, Jogen Chowdhury, Somsak Chowtadapong, Chrido, Abraham David Christian, Henning Christiansen, Javacheff Christo, Jeanne-Claude Christo, Anne Chu, Sen Chung, Martin Churchill, Bärbel Cia-Europa, Heinz Cibulka, Tomasz Ciecierski, Nikolaus Cinetto, Yildiz Citci, Max Clarenbach, Carlfriedrich Claus, Clegg & Guttmann, 1 CleggGuttmann, Francesco Clemente, Prunella Clough, Shelagh Cluettv, Jock Clutterbuck, Ismenia Coaracy, Maurice Cockrill, Otto Coester, Larry Cohen, Adnan Coker, Hannah Collins, Mat Collishaw, Eamon Colman, Pere Colom, Calum Colvin, Robert Combas, Melanie Comber, Senta Connert, Martin Conrad, Doris Conrads, Stephen Conroy, Beryl Cook, Richard Cook, Barry Cooke, Nigel Cooke, Eileen Cooper, William N. Copley, Ania Corcilius, Lovis Corinth, Robert Corlin, Corneille, Elisabeth Corvey, Brigitte Coudrain, Stéphane Couturier, Stephen Cox, Tony Cragg, Michael Craig-Martin, Martin Creed, Michael Croissant, Colin Crumplin, Carlos Cruz-Diez, Enzo Cucchi, Mikey Cuddihy, Amy Cutler, Adriana Czernin, Joachim Czichon

Tang Da Wu, Reinhard Dachlauer, Ahmed Dahi, Isa Dahl, Karl Fred Dahmen, Walter Dahmen, Walter Dahn, Salvador Dalí, K. H. Dallinger, Arnold Mario Dall'O, Volker Damedde, Gunter Damisch, Bernd Damke, Klaus Däniker, Michael Danner, Anisio Dantas Filho, Hanne Darboven, Frank Darius, Volker Darnedde, Sunil Das, Gabriela Dauerer, Jiri David, Alan Davie, John Davies, Brad Davis, Ronald Davis, Verne Dawson, John Day, Biren De, Allan de Souza, Richard Deacon, Dead Chickens, Jacques Decaux, Christian Deckert, Dega-Komitowska, Anna Degenkolb, Helmut C. Degn, Michael Deistler, Jonathan Delafield Cook, Bruno Delahays, Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Dellbrügge & de Moll, Christiane Dellbrügge, Alberto Delmonte, Nancy Delouis, Hippolyte Camille Delpy, Thomas Demand, Elke Denda, Karl Heinz Denning, Brigitte Denninghoff, Daniel Depoutot, Susan Derges, Martin Dessecker, Daniel Dessent, Hilke Verena Dettmers, Regula Dettwiler, Ilka Deutesfeld, Johannes Deutsch, Walter Dexel, Albert Dharmasiri, Rini Dhumal, Jessica Diamond, Antonio Dias, Christa Dichgans, Georg Dick, Bernd Dicke, Reinhard Dickel, Philip-Lorca diCorcia, Bert Didillon, Hans-Jürgen Diehl, Dagmar Diekmann, Ulrich Diekmann, Rolf-Gunter Dienst, Burkhard Dierks, Gudrun Differenz, Renike Dijkstra, Sukriye Dikmen, Michael Dillmann, Braco Dimitrijevic, Jim Dine, Manfred Dinnes, Babette Dinstuhl, Wolfgang F. Dirtinger, Martin Disler, Thilo Distel, Hannelore Dittrich, Reinhard Dittrich, Otto Dix, Jan Dobkowski, Arpad Dobriban, Atul Dodiya, Boris Doempke, Walter Dohmen, Peter Doig, Jiri Georg Dokoupil, Christina Doll, Günter Dollhopf, Mirta Domacinovic, Gerald Domenig, Diego Donner, Piero Dorazio, Friedrich Dörffler, Johannes Dörflinger, Volker Dormann, Antje Dorn, Mortiz Dornauf, Helmut Dorner, Frank Dornseif, Sándor Dóró, Christiane Dörrich, Ugo Dossi, Stan Douglas, Ann Dowker, Tom Drake Bennett, Joseph Drapell, Marie Dréa, Klaus Drechsler, Margarete Dreher, Peter Dreher, Jürgen Drescher, Björn Dressler, Werner Drewes, Lynne Drexler, Paul Uwe Dreyer, Rowena Dring, Dr. Lakra, Felix Droese, Irmel Droese, Graziella Drößler, Blaise Drummond, Chris Drury, Anita Dube, Jean Dubuffet, Achim Duchow, Peter Duka, Ewald Dülberg, Marlene Dumas, Lesley Dumbrell, Brigitte Dümling, Carroll Dunham, Jimmie Durham, Karl Duschek, Georges Dussau, Edward Dwurnik, Marcel Dzama, Udo Dziersk

Heather Eastes, Ludwig Eben, Jörg Eberhard, Norbert Eberle, Hartwig Ebersbach, Klaus Ebert, Josef Eberz, Joseph Ebhöfner, Koichi Ebizuka, Bogomir Ecker, Borghild Eckerman, Karl-Heinz Eckert, Ruth Eckstein, Hajo Edelhausen, Martin Eder, Jeffery Edwards, Sylvia Edwards, Felim Egan, Joseph Egan, Franz Eggenschwiler, Herbert Egl, Otto Eglau, Jörg Eglinski, Ebrahim Ehrari, Barbara Ehrmann, Cornelia Eichacker, Erwin Eichbaum, Barbara Eichhorn, Maria Eichhorn, Henning Eichinger, Meret Eichler, Marianne Eigenheer, Lukas Einsele, Fritz Eisel, Jürgen Eisenacher, Stefan Eisermann, Frank Eissner, Tim Eitel, Jens Elgner, Olafur Eliasson, Elkita Lollipop EV, Wolfgang Ellenrieder, Tobias Ellmann, Artur Elmer, Michael Elsen, Irmgard Elsner, Max Elzholz, Tracey Emin, Hedwig Emmert, Bea Emsbach, Lisa Endriss, Peter Engel, Martin Engelmann, Ernst Moritz Engert, Barbara Englaender, Bernd Engler, Rigo Engler, Rudolf Englert, Leo Erb, Traudbert Erbe, Ulrich Erben, Wolfram Erber, Bruno Erdmann, Hans Martin Erhardt, Manfred Erjautz, Ayse Erkmen, Wladimir Erlebach, ERNA, Jupp Ernst, Max Ernst, Ero, Wolfgang Escher, Beate Esser, Elger Esser, Elke Esser, Thomas Essers, Richard Estes, Stefan Ettlinger, Elizabeth Etzel, Eun Nim Ro, Alexander Ewgenjewitsch Owsenjuk, Andreas Exner, Frank Eyre

Fraser Fair, Angus Fairhurst, Petra Falk, Friedhelm Falke, Monika Falke, Harald Falkenhagen, László Faller, Francisco Faria, Stephen Farthing, Joseph Fassbender, Larissa Fassler, Helmut Federle, Kurt Federlin, Friedrich Fehr, Karin Fehr, Cao Fei, Andreas Feininger, Lyonel Feininger, Gabriella Fekete, Gina Lee Felber, Hans Peter Feldmann, Antje Fels, Marina Ferretti, Rainer Fetting, Anke Feuchtenberger, Barbara Feuerbach, Feyyaz, Romulo Fialdini, Eberhard Fiebig, Michael Finch, Ossi Fink, Bernd Finkeldei, Bernd Fischer, Lothar Fischer, Ricarda Fischer, Steffen Fischer, Thomas Fischer, Peter Fischli, Fischli & Weiß, Birgit Fischötter, Christian Flamm, Barry Flanagan, Moyna Flannigan, Dan Flavin, Ralph Fleck, Lutz Fleischer, Helge Flemming, Sylvie Fleury, Jochen Flinzer, Thomas Florschuetz, Carsten Fock, Hermann Focke, Helga Föhl, Wolfgang Folmer, Andrés Fonseca, Lucio Fontana, Joan Fontcuberta, Günther Förg, Parastou Forouhar, Noel Forster, Karl Förster, Samuel Fosso, Harald Frackmann, Mark Francis, Sam Francis, Regina Frank, Robert Frank, Eberhard Franke, Jana Franke, Manuel Franke, Graham Fransella, Max Franz, Donald Hamilton Fraser, Till Freiwald, Norbert Frensch, Lucian Freud, Otto Freundlich, Lutz Freyer, Ulf Freyhoff, Gerd Frick, Helgi Thorgils Fridjonsson, Johnny Friedlaender, Gloria Friedmann, Hartmut Friedrich, Matthias Friedrich, Ute Friedrich, Milo Frielinghaus, Katharina Fritsch, Stefan Fritsch, Kunibert Fritz, Karl-Friedr Fritzsche, Dieter Froelich, Terry Frost, Tom Früchtl, Günter Fruhtrunk, Yang Fudong, Buckminster Richard Fuller, Emily Fuller, Hamish Fulton, Katsura Funakoshi, Sabine Funke, Albert Fürst, Martin F. Furtwängler, Klaus Fußmann, Futura 2000

Francesca Gabbiani, Amadeo Gabino, G. L. Gabriel, Ingeborg Gabriel, Twin Gabriel, Christoph M. Gais, Sally Gall, Anya Gallaccio, Anya Gallaccio, Ellen Gallagher, Harald Gallasch, Galli, Ulrich Gambke, Aurélien Gamboni, Gangart, Jaya Ganguly, Heinz Gappmayr, Charles Garabedian, Carlos Garaicoa, Petra Garbe, Bernhard Garbert, Wolodymyr Garbus, Hervé Garcia, Andreas Garn, Athos Garutti, Marcela Gasperi, Susann Gassen, Ottomar Gassenmeyer, Martin Gassner, Jakob Gasteiger, Sid Gastl, Thomas Gatzemeier, Karl Gaul, Winfred Gaul, Helmut Gebhardt, Marianne Gehrckens, Eckhard Gehrmann, Helmut Geier, Anna Bella Geiger, Max Meinrad Geiger, Rupprecht Geiger, Adda Geiling, Martina Geist, Dorothea Gelker, Adem Genc, Zafer Gencaydin, Isa Genzken, Nikolaus von Georgi, Tobias Gerber, Rose Gerbeth, Ludger Gerdes, Thomas Gerdesmann, Rudolf Gerke, Harrie Gerritz, Ori Gersht, Karl Gerstner, Martin Gerwers, Jochen Gerz, Richard Gessner, Jef Geys, Rafiee Ghani, Jean-Pierre Ghysels, Charlotte Gibson, Hubertus Giebe, Imi Giese, Jost Giese, Manfred Gieseler, Angelika Gilberg, Lionel Gilbert, Werner Gilles, Gaby Giordano, Juan Giralt, Raimund Girke, Bruno Gironcoli, Horst Gläsker, Jair Glass, Otto Gleichmann, Wolfgang Glöckler, Hermann Glöckner, Renate Göbel, Mehlli Gobhai, Jules de Goede, Claus Goedicke, Alfred Goehre, Reinhold A. Goelles, Hermann Goepfert, Bernd Goering, Ilona Goertz, Henri Goetz, K. P. Goetz, Beng Kwan Goh, Achim Gohla, Thorsten Goldberg, Nan Goldin, Andy Goldsworthy, Bruno Goller, Dieter Goltzsche, Dorothee Golz, Eugen Gomringer, Kuno Gonschior, Felix Gonzales-Torres, P. Gopinath, Douglas Gordon, Ulrich Görlich, Rainer Görß, Ludwig Gosewitz, Martin Gostner, John Goto, Udo W. Gottfried, Frank Gottsmann, Karl Otto Götz, Moritz Götze, Laxma Goud, Craig Gough, Andel Goy, Werner Graeff, Camille Graeser, Gerhard von Graevenitz, Franz Graf, Hanswalter Graf, Peter Graf, Friedrich Gräsel, Javier Grau, Gotthard Graubner, Tamara Grcic, Tue Greenfort, Carsten Greife, Otto Greis, Davey Grenville, Nathalie Grenzhaeuser, Ulrich Grenzheuser, Rainer Griese, HAP Grieshaber, Christiane Grimm, Wolfgang Grimm, Paul Bernhard Groll, Bolle Grölle, Joachim Grommek, Caroline von Grone, Jon Groom, Anette Groschopp, Carmela Gross, Erwin Gross, Gabriele Grosse, Hannes Grosse, Katharina Grosse, Silke Grossmann, George Grosz, Asta Gröting, Michael Growe, Ivan Grubanov, Otto Grübel, Hetum Gruber, Hans S. Grudzinsky, Ev Grüger, Gerlinde Grund, Andreas Grunert, Gruppe M, Andreas Gruschka, Ulrich Grüter, Johannes Grützke, Cordula Güdemann, Miguel Angel Guerra, Spera Miguel Guerra, Guiseppe Guidotti, Trude von Güldenstubbe, Mehmet Güler, Rose Gums, F. C. Gundlach, Irmgard von Gundlach, Josefine Günschel, Beate Günther, Willy Günther, Ingo Günthers, Frank Günzel, Andreas Gursky, Inge Gutbrod, Peter Guth, Martin Guttmann, Antonia Guzman, Alexander Györfi

Dieter Haack, Bettina van Haaren, Ernst Haas, Florian Haas, Stephen Haas, Willibrord Haas, Daniel Habegger, Armin Häberle, Ursula Habermacher, Eduard Habicher, Gisela Hachmann-Ruch, Stephan Hachtmann, Dieter Hacker, Doris Hadersdorfer, Zaha Hadid, Enne Hedwig Haehnle, Günter Haese, Jonas Hafner, Oskar Hagemann, Bruno Hagen, Helfried Hagenberg, Ruppert Hagn, Bernd Hahn, Friedemann Hahn, Margarete Hahner, Klaus Hähner-Springmühl, Robert Haiss, Otto-Herbert Hajek, Torben Bo Halbirk, Anna Gabr. v. Halem, Gerta Haller, Klaus Haller, Peter Halley, Blalla W. Hallmann, Ganesh Haloi, Barbara Hamann, Maggi Hambling, Wolfgang Hambrecht, Richard Hamilton, Susie Hamilton, Manfred Hamm, Robert F. Hammerstiel, Tom Hammick, Angela Hampel, Rolf Händler, Sigrid Handon, Nor Hanem, Martin Hanf, Alex Hanimann, Oliver Hanke, Hanoos, Karl H. Hansen-Bahia, Andreas Hanske, Christian Hanussek, Siobhán Hapaska, Rudolph Hardorff, Keith Haring, Bendix Harms, Fritz Harnest, Claus Harnischmacher, Steffi Hartel, Karl-Marti Hartmann, Klaus Hartmann, Thomas Hartmann, Bernhard Härtter, Hans S. Hartung, Karl Hartung, Erich Wolfgang Hartzsch, Bahaman Hashim, Tinka von Hasselbach, Ulrike Hasselbach, Naoya Hatakeyama, Jürgen Haufe, Ivo Hauptmann, Erich Hauser, Gerhard Hausmann, Heinz Hausmann, Rudolf Hausner, Eberhard Havekost, Rene Havekost, Werner Haypeter, Claude Heath, Manfred Hebenstreit, Peter Heber, Erich W. Heckel, Michael Heckert, Jockel Heenes, Erwin Heerich, Erwin Hegemann, Thomas Heger, Andreas Hegewald, Erika Hegewisch, Susanne Hegmann, Svenja Hehner, Stephanus Heidacker, Viola Heidelberg, Leo Heidkamp, Mathilde ter Heijne, Axel Heil, Bernhard Heiliger, Horst Heilmann, Otto Heilmeier, Brigitte Hein, Jeppe Hein, Wolf Heinecke, Ilja Heinig, Barbara Heinisch, Christian Heinrich, Mauritius Heintz, Frieder Heinze, Volker Heinze, Peter Heise, Bernhard Heisig, Claus Gero Heitmann, Michael Heizer, Al Held, Albert Held, Thomas Helmbold, Kai Helmstetter, Tim Hemington, Jochem Hendricks, Philipp Hennevogl, Eng Joo Heng, Wolfgang Henne, Anton Henning, Adrian Henri, Caspar Henselmann, Rita Hensen, Mike Hentz, Reinhard Hentze, Volker Henze, Anita Hepp, Barbara Hepworth, Erwin Herbst, Uta Herdemerten, Hermelinde Hergenhahn, Sabine Herke, Peter Herkenrath, Herkommer, Anneliese Hermes, Georg Herold, Jörg Herold, Patrick Heron, Oliver Herring, Frank Herrmann, Gunter Herrmann, Heidrun Herrmann, Holger Herrmann, Peter Herrmann, Sabine Herrmann, Uwe Herrmann, Albert Hertel, Eberhard Hertwig, Rudolf Herz, Petra Herzog, Nic Hess, Stephan Hess, Eva Hesse, Cordula Hesselbarth, Rosa Maria Hessling, Alfred Heth, Konrad Hetz, Iris Heueis, Ute Heuer, Heurtaux, Annabel Hewitt, Charline von Heyl, Kerstin Heymann, Albert Hien, Dieter Hiesserer, Suzann Hijab-Nasser, Annette Hilbrecht, Volker Hildebrandt, Claudia Hillemanns, Susanne Hillen, Heinz Hilmer, Georg Walter Hilss, Jochen Hiltmann, Gregor Hiltner, Roger Hilton, Rolf Hinse, Matthias Hintz, Chris Hinze, Goro Hirata, Dagmar Hirsch-Post, Thomas Hirschhorn, Hirschvogel, Stefan Hirsig, Damien Hirst, David Hiscock, Franz Hitzler, Maria Hobbing, Matthias Hoch, Hannah Höch, Antonius Höckelmann, David Hockney, Charlotte Hodes, Howard Hodgkin, Karl Horst Hödicke, Klaus Hoefs, Gerhard Hoehme, Heinrich Hoerle, Karin Hoerler, Christiane ten Hoevel, Lisa Hoever, Andreas Hofer, Karl Horst Hofer, Siegfried Hofer, Candida Höfer, Katrin Hoffert, Alfred Hoffmann, Bogdan Hoffmann, Gerhard Hoffmann, Leni Hoffmann, Udo Hoffmann, Kurt Hofmann, Sina Hofmann, Veit Hofmann, Edgar Hofschen, Alekos Hofstetter, Annelise Hoge, Christine Hohenbüchler, Irene Hohenbüchler, Gertraud Hohenfellner, Katsushika Hokusai, Dirk Holger, Peter Holl, Wolfgang Hollegha, Kim Holler, Stefan Höller, Manfred Hollmann, Manfred Holtfrerich, Hans-Jörg Holubitschka, Oskar Holweck, Adolf Hölzel, Jenny Holzer, B. Homann, Andreas Homberg, Friederike Homoth, Gottfried Honegger, Martin Honert, Achim Hoops, Klaus Hopf, Tilman T.M.E. Höpfel, Vollrath Hopp, Tom Hops, Axel Höptner, Elisabeth Horatz, Berthold Hörbelt, Somnath Hore, Ulla Horky, Ottmar Hörl, Andreas Horlitz, Rebecca Horn, Ulrich Horndash, Thomas Hornemann, Günther Hornig, Franka Hörnschemeyer, Alexander Hornung, Craigie Horsfield, Michael Horsky, Claude Horstmann, Stanislav Horváth, Hans-Dirk Hotzel, Shirazeh Houshiary, John Houston, John Hoyland, John Hubbard, Karl Hubbuch, Ika Huber, Jan Huber, Jürgen Huber, Monika Huber, Stephan Huber, Thomas Huber, Rudolf Huber-Wilkoff, Ben Hübsch, Horst Hübsch, Tim Hudson, Franziska Hufnagel, Patrick Hughes, Ulrike Hullmann, Gary Hume, Friedensreich Hundertwasser, Günther Huniat, Uta Hünninger, Bryan Hunt, Daniel Hunziker, Enrik Hüpeden, Andreas Hupperich, Alfonso Hüppi, Johannes Hüppi, Volker Huschitt, Shamshad Hussein, Michael Huth, Axel Hütte, Wolfgang Hutter, Florian Hüttner, Bethan Huws, Paul Huxley, Brad Hwang, Timothy Hyman

Alfred Ibach, Shoichi Ida, Karl-Ulrich Iden, Leiko Ikemura, W. Illner, Samuel Imbach, Karl Imhof, Jörg Immendorff, Bryan Ingham, Tham Siew Inn, Callum Innes, Michael Irmer, Albert Irvin, Günter Isleib, Tomoko Isoda, Teruo Isomi, Goncalo Ivo, Gwyther Irwin

Bill Jacklin, Andrzej Jackowski, Joan Jacob, Anna Jacquemard, Urs Jaeggi, Hans Jaenisch, Bert Jäger, Michael Jäger, Justus Jahn, Roskang Jailani, Dietmar Jäkel, Alica Jakirovic, Klaus Thejll Jakobsen, Vladimir Yakovets, Sigrun Jakubaschke, Alois Janak, Evelyn Jansen, Georg Jansen, Gerd Jansen, Inka Jansen, Jürgen Jansen, Joachim Jansong, Horst Janssen, Peter Janssen, Iti Janz, Alexej Jawlensky, Constantin Jaxy, Iska Jehl, Edgar Jené, Paul Jenkins, Alfred Jensen, Birgit Jensen, Olaf C. Jenssen, Olav Christopher Jenssen, Wolfgang Jerg, Magdalena Jetelová, Yang Jiechang, Antonio Jiménez, Raimer Jochims, Holger John, Joachim John, Jasper Johns, Ben Johnson, Glenys Johnson, Michael Johnson, Christo und Jeanne-Claude, Mark Johnston, Allen Jones, Lucy Jones, Trevor Jones, Annette de Jonquieres, Asger Jorn, Jochem Jourdan, György Jovanovicz, Anne Jud, Donald Judd, Franz Julien, Hermann Juncker, Stephan Jung, Walter Jung, Bernd Jünger, Birgit Jung-Schmitt, Tina Juretzek, Ferdinand Just

Tamara K., Emilia Kabakov, Ilya Kabakov, Siegfried Kaden, Jürgen Kadow, Holderried Romane Kaesdorf, Julius Kaesdorf, Thomas Kaeseberg, Thomas Kahl, Wolf Kahlen, Brad Kahlhamer, M. K. Kähne, Johannes Kahrs, Ernst Kaiser, Hans Kaiser, Helga Kaiser, Wolfgang Kaiser, Clemens Kaletsch, Horst Egon Kalinowski, Jitish Kallat, Siglinde Kallnbach, Michael Kalmbach, Max Kaminski, Anne-Birgitte Kaminsky, Anton Paul Kammerer, Peter Kampehl, Utz Kampmann, H. Kampmann-Herrest, Wassily Kandinsky, Sara Kane, Pichai Kankuksuntorn, Howard Kanovitz, Matthias Kanter, Maxim Kantor, Zvi Kantor, Özcan Kaplan, Anish Kapoor, Kathrin Kaps, Dani Karavan, Michaela Karch, Jürgen Karius, Jakob Karmi, Cary Kwok, Harald Karow, Katharina Karrenberg, Kerstin Kartscher, Emiko Kasahara, Rynji Kasaka, Kasimir, Axel Kasseböhmer, Petra Kasten, Bernd Kastner, Wolfram Kastner, Kazuo Katase, Masahito Katayama, Benjamin Katz, Renina Katz, Andreas M. Kaufmann, Norbert Kaufmann, Michael Kaul, Max Kaus, Seiko Kawachi, Tadashi Kawamata, John Keane, Helmut Kehlenbeck, Karel Keim, Mike Kelley, Ellsworth Kelly, Annette Kelm, Norbert Kempf, Chris Kenny, Paul Kenny, Eva-Maria Kentner, William Kentridge, Ralf Kerbach, Isabel Kerkermeier, Ida Kerkovius, Michaela Kern, Stefan Kern, Stephan Kern, Martin Kersels, Ulrike Kessl, Joachim Kettel, Gitta Kettner, Gerard Kever, Henri Chen KeZhan, Krishan Khanna, Norbert Kiby, Hubert Kiecol, Anselm Kiefer, Friedhard Kiekeben, Irene Kiele, Katja Kiesner, Dieter Kiessling, Ken Kiff, Laura Kikauka, Karen Kilimnik, Klaus Killisch, Hyon-Soo Kim, Gernot Kima, Phillip King, Klaus Kinter, Jeanette Kipka, Martin Kippenberger, Ernst Ludwig Kirchner, Ralf Kirchner, Per Kirkeby, Dietmar Kirres, Uwe Kirsch, Wulf Kirschner, Horst Kirstein, Christiane Kirsten, Siegfried Kischko, Rolf Kissel, Ronald B. Kitaj, Herbert Kitzel, Thomas Kitzinger, Uschi Klaas, Marita Klaerding, Gerhard Klampäckel, Konrad Klapheck, Peter Klasen, Jürgen Klauke, Eberhard Klauß, Paul Klee, Josef Kleihues, Astrid Klein, Rolf Klein, Peter Klein-Junggeburth, Gisela Kleinlein, Fritz Klemm, Michael Klenk, Udo Klenner, Carl-Heinz Kliemann, Erika Giovanna Klien, Karoly Klimó, Gustav Klimt, Fritz Klingbeil, Franz Klopietz, Doris v. Klopotek, Bernd Klötzer, Gustav Kluge, Georg Klusemann, Christof Klute, Jan Knap, Knap und Angermann, Werner Knaupp, Stefan Knaus, Karin Kneffel, Imi Knoebel, Karl-Heinz Knoedler, York der Knöfel, Paco Rainer Knöller, Sonia Knopp, Karen Knorr, Franz Rudolf Knubel, Friedhelm Kobecke, Bernd Koberling, Christoph Koch, Eleonore Koch, Friedrich Koch, Heinrich Koch, Holger Koch, Lewis Koch, Peter Koch, Udo Koch, Thomas Kocheisen, Kocheisen + Hullmann, Kurt Kocherscheidt, B. C. Koekkoek, Matthias Koeppel, Wolfgang Koethe, Erich Kofler Fuchsberg, Peter Kogler, Hannelore Köhler, Anton Kokl, Vladimir Kokolia, Oskar Kokoschka, Jiri Kolar, Jan Kolata, Kathrin Kolb, Jakob Kolding, Ola Kolehmainen, Nikolaus Koliusis, Herbert Koller, Oskar Koller, Käthe Kollwitz, Michael Kolod, Bernd Kommnick, Florin Kompatscher, Fritz König, Alice Könitz, Bruno Konrad, Nic. Konstantionovic, Jeff Koons, Köpcke, Karl Blossfeldt, Arthur Köpcke, Willi Kopf, Andreas Kopp, Franz Kops, Igor Kopystiansky, Svetlana Kopystiansky, Karl Korab, Rachid Koraichi, Claus Korch, Attila Kormos, Gottfried Körner, Andree Korpys, Korpys/Löffler, Bodo Korsig, Walter Koschwitz, Pete Kosowicz, Leon Kossoff, Winfried Kostka, Joseph Kosuth, Almuth Kothe, Fritz Köthe, Thavorn KO-Udomvit, Jannis Kounellis, Gerzson Kovács, Brigitte Kowanz, Thea Kowar, Uwe Kowski, Gregor-Torsten Kozik, Gunnar Krabbe, Bodo Kraft, Ingo Kraft, Thomas Kraft, Juul Kraijer, Karlheinz Kranskopf, Kurt Kranz, Walter Kranz, Lee Krasner, Norbert Kraus, Victor Kraus, Wolfgang Krause, Peter Krauskopf, Alexander Johannes Kraut, Michael Krebber, Oliver Krebs, Svenja Kreh, Fritz Kreidt, Marcus Kreiss, Eckhard Kremers, Diether Kressel, Sibylle Kretschmer, Heinz Kreutz, Roland Kreuzer, Erich Krian, Norbert Kricke, Dieter Krieg, Krift, David Krippendorf, Peter Krisan, Bose Krishnamachari, Ferdinand Kriwet, Michaela Krobs, Ewald Kroener, Pierre Kröger, Christian Kroll, Sven Kroner, Christian Kruck, Bernhard Krug, Roland Krüger, Cornelia Krug-Stührenberg, Volker Kruse, Elke Krystufek, Mischa Kuball, Alfred Kubin, Christina Kubisch, Rainer Küchenmeister, Andreas Küchler, Peter Kuckei, Martina Kügler, Reinhard Kühl, Andreas Kuhlmann, Hans Peter Kuhn, Volker Kuhn, Herbert-Josef Kuhna, Rolf Kuhrt, Guillermo Kuitca, Ruth Külby, Ram Kumar, Raimund Kummer, Klaus Kumrow, Milan Kunc, Christiane Kunert, Henne Kunert, Katrin Kunert, Michael Kunert, Diether Kunerth, Hermann Kunkler, Matthias Kunkler, Karl Kunz, Michael Kunze, Gero Künzel, Wolfgang Kupczyck, Yuri Kuper, Johannes Küpper, Vladimirr Kuprianov, Akira Kurosaki, Sascha Kürschner, Stefan Kürten, Yayoi Kusama, Marita Kusch, Sigurd Kuschnerus, Robert Kushner, Vicente Kutka, Vollrad Kutscher, Tadaaki Kuwayama, Thomas Kuzio

Dieter Ladewig, Roland Ladwig, Marie-Jo Lafontaine, Jean LaGac, Wolfgang Laib, László Lakner, Peter Lamb, Andreas Lambert, Theo Lambertin, I. B. Lambrechts, Mark Lammert, Kirsten Lampert, Stefanie Lampert, Sonja Landberg, Sean Landers, Hannelore Landrock-Schumann, Christian Lang, Nikolaus Lang, Ute Langanky, Elfriede Lohse-Wächtler, Arthur Lange, Julius Lange, Richard Lange, Thomas Lange, Ulrich Langenbach, Gabriele Langendorf, Rainer Langfeldt, Berthold Langnickel, Eric Lanz, Simone Lanzenstiel, Christine Laprell, Wilhelm Lehmbruck, Patricio Larrambebere, Claude Lasserre, Maria Lassnig, Rüdiger Last, Jaafar b. A. Latiff, Reinhard Lättgen, Andreas Lau, Alfred Lörcher,Susanne Lauer, Christiane Laun, Istvan Laurer, Stefan Lausch, Uwe Lausen, Joach. Lautenschläger, Matt Laver, Max Liebermann, Giovanni de Lazzari, Christopher Le Brun, Barry Le Va, Markus Lüpertz, Dirk Lebahn, Camill Leberer, Walter Leblanc, Alf Lechner, Adolf Lechtenberg, Mark Leckey, Noori Lee, Seung Jiu Lee, Soon Joo Lee, Young Hyang Lee, Marko Lehanka, Dieter Lehmann, Jörg Lehmann, Wolfgang Lehmann,

Maha Maamoun, Thilo Maatsch, Angus Macdonald, Patricia Macdonald, Tim Macguire, David Mach, Jorge Machold, Heinz Mack, August Macke, Gerd Mackensen, Ian Mackenzie Smith, Heinz Mader, Tomomi Maekawa, Christiane Maether, Tomoko Maezawa, Tim Maguire, Alice Maher, Max H. Mahlmann, Mohd Noor Mahmud, Inge Mahn, Ulla Maibaum, Frank Maibier, Andreas Maier, Herbert Maier, Maria Maier, Michel Majerus, Frank Majore, Nalini Malani, Bertold Malchow, Günter Malchow, Eduard Malinowski, Martin Maloney, Dieter Mammel, Jörg Mandernach, Rainer Mang, Madeleine Mangold, Robert Mangold, Günter Maniewski, Oskar Manigk, Natascha Mann, Diwan Manna, Matthias Mansen, Richard Mansfeld, Paul Mansouroff, Robert Mapplethorpe, Tim Mara, Franz Marc, Gerhard Marcks, Christoph Marek, Clara Marek, Nicola de Maria, Marino Marini, Wasa Marjanow, Thomas Markowic, Rémy Markowitsch, Sarah Marrs, Neil Marshall, Barry Martin, Bernhard Martin, Jason Martin, Josep Maria Martin, Manfred Martin, Naofumi Maruyama, Kassab-Bachi Marwan, Antonio Augusto Marx, Karl Marx, Frans Masareel, Cristiano Mascaro, Steven Maslin, Thomas Mass, Satoko Masuda, Ewald Mataré, Thomas Matauschek, Alex Mathew, Henri Matisse, Martin Matschinsky, Ken Matsubara, Taiji Matsue, Sergio Matta, Wolfgang Mattheuer, Birna Matthiasdottir, Rupprecht Matthies, Jakob Mattner, Leonel Mattos, Barbara Mauck, Bettina Mauel, Timm Maul, Ph. Maurus-Bujard, Dietrich Maus, Almir Mavignier, Hans-Jörg Mayer, Ilse Mayer, Katharina Mayer, Maix Mayer, Manfred Mayerle, Doris-Frances Mayr, Volker Mayr, Chittrovanu Mazumdar, Paul McCarthy, William McCartin, Peter McClennan, Linda McCue, Jock McFadyen, Keith McIntyre, John McKay, Ian McKeever, Stephen McKenna, Ian McKenzie Smith, Susan McKinley, Bruce McLean, Bernard Meadows, Jason Meadows, Friedrich Meckseper, Robert Medley, Viktor Medwedj, Peter Meesen, Christian Megert, Volker Mehner, Julie Mehretu, Klaus Karl Mehrkens, Tyeb Mehta, Hans Meid, Ludwig Meidner, Jürgen Meier, Uwe Meier-Weitmar, Willes Meinhardt, Gildo Meireles, Michaela Meise, Sandra Meisel, Barbara Meisner, Otto Meisnick, Ulrich Meister, Georg Meistermann, Katharina Meldner, Michaela Melian, Michaela Melián, Peter Mell, Isa Melsheimer, Stephan Melzl, Memory, Martin Mendizabel, Felizitas Mentel, Raphaela Menzinger, Marc Mer, Julian Meredith, Florian Merkel, Klaus Merkel, Thomas Merkel, Albert Merz, Gerhard Merz, Mario Merz, Gloria Mészáros, Klaus Mettig, Hans Metz, Manuela Metz, Olaf Metzel, Sabine Metzger, Harald Metzkes, Meuser, Anna Meyer, Christophe Meyer, Horst Peter Meyer, James Meyer, Jobst Meyer, Matthias Meyer, Nanne Meyer, Thomas Meyer, Otto Meyer-Amden, Willy Meyer-Osburg, Erwin Michalowski, Robert Michel, Ueli Michel, Barbara Michel-Jaegerhuber, Margot Middelhauve, Helmut Middendorf, Rune Mields, Fabio Migues, Boris Mikhailov, Josef Mikl, Beatriz Milhazes, Garry Fabian Miller, Gerold Miller, John Miller, Tracy Miller, Max Milligan, Keith Milow, Lisa Milroy, Elisabeth Minke, Bernd Minnich, Marilyn Minter, Jean Miotte, Victor Mira, Joan Miró, Hermann-Josef Mispelbaum, Mi-sun Kim, Joan Cameron Mitchell, Tatsuo Miyajima, Martin Mlecko, Jan Mlynarczyk, Jürgen Möbius, Jiri Mocek, Peter Mocha, Heinrich Modersohn, Paula Modersohn-Becker, Charlotte Moerker, Latiff Mohidin, László Moholy-Nagy, Max Mohr, Michael Mohr, Tanja Mohr, Gertraud Möhwald, Hermann Moll, Ralf de Moll, Klaus Mollenhauer, Volker Möllenhoff, Gesine Möller, Lutz Möller, Otto Möller, Karl Möllers, Franz Mon, Cathy de Monchaux, Piet Mondrian, Akim Monet, Andrea Monhof-Berger, Jonathan Monk, Tilopa Monk, Pentti Monkkonen, Burkhard Mönnich, Daro Montag, Paul Monteiro, Oleo Montoya, Pitt Moog, Mick Moon, Henry Moore, Peter Moors, Rainer Morawietz, Pit Morell, Francois Morellet, Petra Morenzi, Michael Morgner, Wilhelm Morgner, Brigitte Morhard-Ehrlicher, Mariko Mori, K. Moritz, Sabine Moritz, Daido Moriyama, Malcolm Morley, Mario Moronti, Paul Morrison, Alfred T. Mörstedt, Alois Mosbacher, Kirsten Mosel, Ingo Moser, Maria Moser, Nikolaus Moser, Kirsten Mosher, Anna Mossman, Uschi Motte, Michel Mouffé, Mouly, Paul Mount, Zwelethu Mthethwa, Christiana Mucha, Reinhard Mucha, Matthias Mücke, Otto Mueller, Johannes Muggenthaler, Steffen Mühle, Elisabeth Mühlen, Kurt Mühlenhaupt, Laszlo Mulasics, Christopher Muller, David Muller, Alfred Müller, Christian Müller, Claudia und Julia Müller, Frank Müller, Harald F. Müller, Heinz-Rudi Müller, Johannes Müller, Josef Felix Müller, Knut Müller, Manfred Müller, Michael Müller, Peter Müller, Rainer Müller, Ralph Müller, Thomas Müller, Wilhelm Müller, Wolfgang Müller, Willy Müller-Brittnau, H. O. Müller-Erbach, Uwe Müller-Fabian, Helmut Müller-Kühn, Matt Mullican, Anne Mulrooney, Ursula Mumenthaler, Horst Münch, Ulrike Münchhoff, Wilhelm Mundt, Horst A. Münscher, Gabriele Münter, Hannes Münz, Volkmar Münz, Rolf Münzner, Muott, Takashi Murakami, Tomoharu Murakami, Kyoko Murase, Vasile Muresan, Jeanete Musatti, Gabriele Muschel, Reinhard Musik, Carlos Musso, Ben Muthofer, Peter Mutschler, Benno S. Mutter, Wangechi Mutu



Jiri Naceradsky, Benjamin Nachtwey, Afrassiabi Nader, Kunito Nagaoka, Daniel Nagel, Hans Nagel, Peter Nagel, Peter Nagy, Christa Näher, Todor Naidenow, Yukio Nakagawa, Entalura Nangala, Janetta Napp, Juljusz Narzynski, Georg Naschberger, Gerhard Naschberger, David Nash, Emmanuel Nassar, Piotr Nathan, Natraj, Ulrike Nattermüller, Hajo Naujoks, Bruce Nauman, Hermann Naumann, John Nava, Ernst Wilhelm Nay, Mindermann Nay, Otto Nebel, Ingeborg Neef, Betriz Negrotto, Hanna Rut Neidhardt, Klaus Neizert, E. R. Nele Riele, Nikolett Nemes, Oskar Nerlinger, Nadja Nessl, Wolfgang Nestler, Ernesto Neto, Mario Cravo Neto, Rivane Neuenschwander, Ernst-Günther Neumann, Hartmut Neumann, Max Neumann, Thomas Neumann, Klaus Neuper, Floris M. Neusüss, Flora Neuwirth, Louise Nevelson, Ng Yak Whee, Fionnuala Ni Chiosáin, Don Nice, Ben Nicholson, Uwe Nickel, Norberto Nicola, Carsten Nicolai, Olaf Nicolai, Heinrich Nicolaus, Yoshitomo Nara, Roland Nicolaus, Jeanette Niebelschütz, Martina Nied, Walter Niedermayr, Hans Niehus, Knud Nielsen, Kerstin Niemann, Sigrid Nienstedt, Ansgar Nierhoff, Jochen Niessen, Marion Niessing, Christa Niestrath, Simone Nieweg, Anatoliy Jur Nikitsch, Katsuhito Nishikawa, Minako Nishiyama, Hermann Nitsch, Martin Noel, Udo Nöger, Rika Noguchi, Lucia Nogueira, Emil Nolde, Cecile Noldus, Norbert Nolte, Sakiko Nomura, Hans Nopper, Günter Nosch, Not Vital, Brigitte Nötzel, Vladimir Novak, Timur Novikov, Inka Nowoitnick, Guido Nussbaum

Jutta Obenhuber, Oswald Oberhuber, Walter Obholzer, Kevin O'Brien, Martin Obst, Rita Obstoj, Marcel Odenbach, Ralf R. Oderwald, Hughie O'Donoghue, Albert Oehlen, Markus Oehlen, Edith Oellers, Hartmann Oels, Kathrin Oelsner, Richard Oelze, Michael van Ofen, Chris Ofili, Hilke Ohlhorst, Mario Ohmes, Shinro Ohtake, Tomie Ohtake, Yumiko Okui, Claes Oldenburg, Uwe Oldenburg, Dina Oliveira, Tessa de Oliveira Pinto, Paulina Olowska, Dietrich Oltmanns, Hikmet Onat, Jimmy Ong, Lucia Onzain, Willem Oorebeek, Julian Opie, Dennis Oppenheim, Meret Oppenheim, Anna Oppermann, Karl Oppermann, Tom Ormond, Gabriel Orozco,Chris Orr, Rudolf Ortner, Kirsten Ortwed, P.P.L. Osewald, Ernst-Egon Oslender, Ali Osman Gencer, Osmar Osten, Carl Ostendarp, Willy Oster, Andrea Ostermeyer, Christiane Ostertag, Fayga Ostrower, Aribert von Ostrowski, Jiro Osuga, Saburo Ota, Willi Otremba, Herbert Ott, Maja Ott, Heribert C. Ottersbach, Frei Otto, M. F. Otto, Michael Otto, Thomas Otto, Therese Oulton, Laura Owens, Vijay Ozo

Jürgen Paatz, PABU, Ana Maria Pacheco, Adrian Paci, Akbar Padamsee, C. O. Paeffgen, Susanne Paesler, Renate Pahlers, Nicolas Pahlisch, Nam June Paik, Suhaimi Pa'La, Mimmo Paladino, Blinky Palermo, Heike Pallanca, Mario Palm, Pipi Paloma, Liria Palombini, Panamarenko, Fritz Panzer, Klaus Panzner, Guilo Paolini, Eduardo Paolozzi, Bert Papenfuß, Jorge Pardo, Manu Parekh, Ronald Paris, Jai Young Park, Andy Parker, Cornelia Parker, Jürgen Partenheimer, Antonius von der Pas, Simon Pasieka, Victor Pasmore, Gieve Patel, Simon Patterson, Sybille Pattscheck, Celia Paul, Eva Paul, Peter Paul, Christine de Pauli-Bärenthaler, Bert Paulsen, Pavlos, Max Pechstein, Finn Pedersen, Claudia Pegel, Yan Pei-Ming, Max Peintner, Heinz Pelz, Werner Pelzer, A. R. Penck, Irving Penn, Pavel Pepperstein, Perejaume, Simon Periton, Thomas Perl, Manfred Pernice, Irene Peschick, Alessandro Pessoli, Bernhard Peters, Ralf Peters, Ricarda Peters, Oswald Petersen, Wolfgang Petrick, Wolfgang Petrovsky, Raymond Pettibon, Elizabeth Peyton, Jean Pfaff, Judy Pfaff, Karl Georg Pfahler, Erwin Pfefferle, Helmut Pfeuffer, V. Pflaumann, Erwin Pfrang, F. A. Pfuhle, Jens Pfuhler, Christine Philipp, Tom Philips, Peter Phillips, Frank Piasta, Pablo Picasso, Andrea Pichl, Walter Pichler, Otto Piene, Janet Pierce, Kirsten Pieroth, Stefan Pietryga, Monika Pietsch, Hadrian Pigott, Joan Hernandez Pijoan, Hernandez Pijuan, Hubertus von Pilgrim, Tobias Raphael Pils, Ascan Pinckernelle, Jerry Pine, Hartmut Piniek, Erna Pinner, Susana Piosco, Gudrun Piper, John Piper, O. Pippel, Giovanni Battista Piranesi, Ma. Olga Piria, Cornelius Pirino, Entscho Pironkov, Evangelia Pitsou, Moses Pitt, Hermann Pitz, Nicole van den Plas, Platino, Hans Platschek, Amos Plaut, Borys Plaxij, Julio Plaza, Stefan Plenkers, Jaume Plensa, Fabrizio Plessi, E. Pleuger, Ute Pleuger, Beate von Ploetz, Rainer Plum, Reinhard Pods, Marianne Pohl, Pascal-Henri Poirot, Rudolf Polanszky, Serge Poliakoff, Annedore Policek, Sigmar Polke, Armando Pomina, Lorenzo Pompa, Susi Pop, Johann Poppel, Boris Pöppl, Brigitte Porsch, Michael Porter, Dieter Portugall, Charlotte Posenenske, Markus Prachensky, Wolfgang Prachensky, Heinz-Günter Prager, Om Prakash, Indra Pramit Roy, Norbert Prangenberg, Heimrad Prem, Umberto Prencipe, Inge Pries, Monique Prieto, Mojkin Prigge, Dmitrii Prigov, Helga Primbnow, Richard Prince, Bernhard Prinz, Walter Prinz, G. B. Probst, Gesine Probst, Patrick Procktor, Jane Prophet, Stephanie Pryor, Ulf Puder, Gesa Puell, Franklin Pühn, Albert Pümpel

Udo Quade, Domenico Quaglio, Sylvia Quandt, Bernard Quesniaux, Marc Quinn, Lothar Quinte, Imran Qureshi

Joachim Raab, Raabenstein, David Rabinowitch, Uwe Rachow, Thomas Radeloff, Norbert Radermacher, Anton Radl, Karin Radoy, Franz Radziwill, Markus Raetz, Ingrid Rafael, Kerim Ragimov, Michael Perera Rahju, Olaf Rahlwes, Susanne Rahmig, Arnulf Rainer, L. Rampaso, Luise Ramsauer, Peter Randall-Page, Thomas Ranft, Dagmar Ranft-Schinke, Roland Ranz, Gerd Rappenecker, Thomas Raschke, Olga Rastrosta, Matthias Rataiczyk, Hans-Helmuth von Rath, Udo Rathke, Neo Rauch, Renate Rauleder, Walter Raum, Robert Rauschenberg, Paul von Ravenstein, Man Ray, Libby Raynham, S. H. Raza, Anja Rechenbach, Joachim Reck, Wilfried Reckewitz, Jörg Reckhenrich, G. Ravinder Reddy, Peter Redeker, Ann Reder, June Redfern, Sigrid Redhardt, David Regehr, Ingo Regel, Paula Rego, Tobias Rehberger, Ulrich Reichelt, Hubertus Reichert, Christine Reifenberger, Erich Reiling, Christliebe Reinecke, Wulf Reinshagen, Jürgen Reipka, Cabrita Reis, Mario Reis, Michael Reisdörfer, Peter Reitberger, Michael Reiter, Norbert Reitz, Albert Renger-Patzsch, Karl Manfred Rennertz, Peter Repp, Lothar Rericha, Marco Tulio Resende, Gunter Reski, Erich Reusch, Hans Peter Reuter, Peter Reuter, Paul Revellio, Teresa Reyes-Lorca, Arne-Bernd Rhaue, Fritz Rhein, Dagmar Rhodius, Moira Ricci, Cery Richards, Olivier Richon, Christiane Richter, Daniel Richter, Gerhard Richter, Heinrich Richter, Klaus Richter, Ute Richter, Eva Richter-Paul, Christian Rickert, Karl-Heinz Rieck, Eberhard Riedel, Tilo Riedel, Tomas Riehle, Jürgen Riehm, James Rielly, Volker Ries, Christoph Rihs, Bridget Riley, N.N. Rimzon, Petra Rinck, Klaus Rinke, Jose Rios Pinto, Simon Ripley, Susanne Ristow, Matthew Ritchie, Thomas Ritter, Jorge Rivero, Larry Rivers, Carol Robertson, Dorothea Rockburne, Dorothee Rocke, Gerwald Rockenschaub, Peter Rode, Frank Rödel, Karl Rödel, Inacio Rodrigues, Rekha Rodwittiya, Peter Roehr, Jaroslav Rössler, Louise Roesler, Dieter Rogge, Sebastian Rogler, Ludwig Rohbock, Jochen Rohde, Wolfgang Rohde, Rita Rohlfing, Christian Rohlfs, Wolfgang Rohloff, Vera Röhm, Armin Rohr, Brigitta Rohrbach, Monika Rohrmus, Anke Röhrscheid, Andrej Roiter, Guy Rombouts, Lothar Römer, Ugo Rondinone, Julio Rondo, Ingo Ronkholz, Alexander Roob, Maya Roos, Julia Roppel, Bella Rosa, Herve di Rosa, Michael Rösch, Ingrid Roscheck, Julian Rosefeldt, Peter Rösel, Jenny Rosemeyer, Johann G. Rosenberg, James Rosenquist, Andreas Rosenthal, Bernadette Ross, Monika Rossow, Andreas Rost, Corinna Rosteck, Martin Rosz, Mimmo Rotella, Gaby Roter, Daniel Roth, Dieter Roth, Susanne Roth, Gabriele Rothemann, Beate Rothensee, Michael Rothenstein, J. Rother, Thomas Rother, Martin Rothweiler, Jan A. Rotius, Bernadette Rottler, J. Roux, Gautam Roy, Peter Royen, Ulrich Rückriem, Stefan Rueff, Thomas Ruff, Pietro Ruffo, Laura Ruggeri, Vera Rühle, Gerhard Rühm, Hans Christian Rüngeler, Thorsten Ruperti, Viola Rusche, Reiner Ruthenbeck, Andreas Rüthi, Christoph Rütimann, Ulrike Rutschmann, Paul Ryan

Jackie Saccoccio, Igor Sacharow-Ross, Masoud Sadedin, Hermanus Saftleben, Hirotoshi Sakaguchi, Achim Sakic, Anri Sala, Vera Salamanca, Hans Salentin, Cristian Salineros, R. Salmon, Salomé, Andrea Salvino, Gottfried Salzmann, Lukas Salzmann, Andreas Samaras, Judith Samen, Gilvan Samico, Rolf Samuel, Fred Sandback, Brigitte Sander, Karin Sander, Otto Sander-Tischbein, Willi Sandforth, Armin Sandig, Claude Sandoz, Victor Sanovec, Guiseppe Santomaso, Miguel Dos Santos, Santosh, Andrzej Sapija, Anton Stankowski, Sapone, Juliao Sarmento, Monica Sartori, Malte Sartorius, Makoto Sasaki, Yehudit Sasportas, Valeria Sass, Jörg Sasse, Ado Sato, Tokihiro Sato, Birgit Sauer, Cordula Sauer, Karl-Ludwig Sauer, Michael Sauer, Peter Sauerer, Matt Saunders, Robert Savoie, Hasim Saydan, Antonio Scaccabarozzi, Cornelia Schabak, Philipp Schack, Christian Schad, Robert Schad, Frank Schaefer, Christoph Schäfer, Heinz Schanz, Silke Schatz, Ralf Schauff, Konrad Balder Schäuffelen, Matthias Schaufler, Michael Scheffer, Wolfram A. Scheffler, Thomas Scheibitz, Hubert Scheibl, Doris Scheiding, Thitz M. Schemel, Karlheinz Scherer, Katie v. Scherpenberg, Ralf Scherrer, Friedrich G. Scheuer, Hans Scheuerecker, Rudolf Scheurer, Sigrid Schewior, Harald Schiel, Egon Schiele, Luciano Schifano, Diamantis Sotiropoulos, Klaudia Schifferle, Martin Schilken, Dietmut Schilling, Heiner Schilling, Hanns Schimansky, Ali Schindehütte, Thomas Schindler, Paul Schinner, Christine Schlegel, Eva Schlegel, Wolfgang Schlegel, Eduard Schleich, Cornelia Schleime, Friedrich-Daniel Schlemme, Oskar Schlemmer, John Schlesinger, Rudolf Schlichter, Thomas Schliesser, Manfred Schling, Jörg Schlinke, Christiane Schlosser, Chr. Schlosser-März, Eberhard Schlotter, Gotthelf Schlotter, Eva Schlutius, Hubert Schmalix, Louise Schmid, Martin Schmidl, Anne-Katrin Schmidt, Christian Schmidt, Enno Schmidt, Erik Schmidt, Jürgen Schmidt, Leonhard Schmidt, Michael Schmidt, Susanne Schmidt, Ursula Schmidt, Barbara Schmidt-Heins, Karl Schmidt-Rottluff, Michael Schmidt-Stein, Alexander Schmitt, Klaus Schmitt, Ludolf Schmitz, Nina-Barbara Schmitz, Wolfgang Schmitz, Margund Schmolka, Miron Schmückle, Carolin Schneider, Christoph Schneider, Gregor Schneider, Herbert Schneider, Jürgen Schneider, Klaus Schneider, Magdalena Schneider, Margit Schneider, Rolf Schneider, Klaus Schneider-Grimm, Christa von Schnitzler, Peter Schnürpel, Henry Schoebel, Michael Schoenholtz, Jan Schoenmakers, Frances Scholz, Günter Scholz, Roland Scholz, Andreas Schön, Eva-Maria Schön, Eugen Schönebeck, Bianca Schönig, Erich Schönig, Rudolf Schoofs, Jan Schoonhoven, Terry Schoonhoven, Renée Sintenis, Karlheinz Schrader, Henrik Schrat, Hiroshi Sugimoto, Ingrid Schreiber, Michael Schreiber, Johannes Schreiter, Adolf Schreyer, Bernhard Schrock, Hans Gottfried Schubert, Peter Schubert, Julius Wolfgang Schülein, Alf Schuler, Saskia Schüler, Annette Schultze, Bernard Schultze, Ursula Schultze-Bluhm, Christina Annemone Schulz, Gabriele Schulz, Jeanette Schulz, Kathleen Schulz, Tilo Schulz, Andreas Schulze, Volkmar Schulz-Rumpold, Emil Schumacher, Rainer G. Schumacher, Mira Schumann, Wilhelm Schürmann, Richard Schur, Helmut Schuster, Woldan Schuster, Petra Schütte, Thomas Schütte, Martin Schütze, Peter Schuyff, Linda Schwarz, R. Schwarz-Ehinger, Rudolf Schwarzkogler, Angelika Schwedes, Fritz Schwegler, Vroni Schwegler, Detlef Schweiger, Martin Schwenk, Paul Schwer, Stefan Schwerdtfeger, Bernd Schwering, Michael Schwill, Karl-Heinz Schwind, Kurt Schwitters, Norbert Schwontkowski, Edi Schwyn, Carlos Scliar, Tim Scott, William Scott, Sean Scully, Paul Seawright, Arthur Secunda, Peter Sedgley, Zineb Sedira, Daglef Seeger, Dag Seemann, Wolf-J. Seeselberg, Detlef Segebrecht, Francis Segond, Stefan Sehler, Peter Sehringer, Jochen Seidel, August Seidl, Ulrike Seilacher, Yoshiko Seino, Fatima Seitowa, Gustav Seitz, Roger Selden, Colin Self, Renate Sellesnick, Mariano Sellin, Beate Selzer, H. N. Semjon, Laki Senanayake, Ash Yeo Yeok Seng, Adrian Arthur Senger, Daniel Senise, Wil Sensen, Gio Di Sera, Jaroslaw Serpan, Richard Serra, Denis Serre, Christian Sery, Conrad Sevens, Wolfgang Severin-Iben, Hans-Martin Sewcz, Wu Shan Zhuan, Johnnie Shand Kydd, Joel Shapiro, R. Binod Sharma, George Shaw, Gulam Sheikh, Nilima Sheikh, Cindy Sherman, Sudarshan Shetty, Shibu N., Flavio Shiro, Carvien Shiu, Sumiko Shoji, Laxman Shreshtha, Willi Siber, Antje Siebrecht, Andreas Siekmann, Wiebke Siem, Hans Sieverding, Katharina Sieverding, Anne Sievert, Constanze Sigel, Roman Signer, Shahzia Sikander, Galina Silajewa, Bernhard Siller, Daniel Silver, Christine-Elke Siml, Francine

Mitra Tabrizian, René Tachmassebi, Norbert Tadeusz, Alberto Tadiello, Tomoko Takahashi, Yoshi Takahashi, Michio Takehara, Yuji Takeoka, Dafina Talmor, Rüdiger Tamschick, Alvin Tan, Fiona Tan, Swie Hian Tan, Atsuko Tanaka, Da Wu Tang, Mun Kit Tang, Volker Tannert, Antoni Tapies, Leon Tarasewicz, Jan Tarasin, Toeko Tatsuno, Gerhard Taubert, Vincent Tavenne, Sam Taylor-Wood, Matko Tebotic, Kai Teichert, Juergen Teller, Peter Telljohann, Susa Templin, Fei Teng, ter Hell, Maike Tersch, Hiroshi Teshima, Heinz Tetzner, Dieter Teusch, Niko Teuten, George Tgangala, Thalmann, Ithipol Thangchalok, The Ramin, Andreas Thein, Klaus Theuerkauf, Heidrun Thiede, Frank Thiel, Heiner Thiel, Fred Thieler, Cerstin Thiemann Takvorian, Ekkehard Thieme, Inge Thiess-Böttner, Peter Thol, Hans Thoma, Florian Thomas, Hans Peter Thomas, Norbert Thomas, André Thomkins, Estelle Thompson, Charles Thomson, Ann Thornycroft, Wolfgang Tietze, Jobst Tillmann, Harry Tilman, Joe Tilson, Reinhold W. Timm, Jean Tinguely, Dagmar Tinschmann, Rirkrit Tiravanija, Reinhard Tischler, Vasundra Tiwari, Gert Tobias, Imelda Többen, Michael Toenges, Mitsue Togawa, Wawrzyniec Tokarski, Sato Tokihiro, Peter Tomschiczek, Angela Tonner, Torrilhon, Pedro Tort, Eng Tow, Shigeo Toya, Claudio Tozzi, Tim Trantenroth, Barbara Trautmann, Ernst Trawöger, Matko Trebotic, Su Trembath, Petra Trenkel, Leif Trenkler, Elmar Trenkwalder, Anna Tretter, Gerhard Trieb, Hann Trier, Wolfgang Tritt, Rosemarie Trockel, Rudi Tröger, Luigi Troia, Heinz Trökes, Wolfgang Troschke, Heinrich Trost, Alberto Trucco, Florian Trümbach, Peter Tschan, Norbert Tschirpke, Igor Tschurilow, Werner Tübke, Barbara Camilla Tucholski, Richard Tuff, Peter Tuma, Selim Turan, Gavin Turk, Alison Turnbull, William Turnbull, Günter Tuzina, Ian Tweedy, Jochen Twelker, Cy Twombly, Dieter Tyspe

Raoul Ubac, Karl H. Ueberholz, Günther Uecker, Lee U-Fan, Max Uhlig, Piotr Uklanski, Hans Uhlmann, Micha Ullmann, Elke Ulmer, Dieter Ulrich, Heiner Ulrich, Kjeld Ulrich, Timm Ulrichs, Omer Uluc, Yu Mo Hung Umbach, Julie Umerle, Christoph Unger, Tomi Ungerer, Oswald Mathias Ungers, Sibylle Ungers, Karl Unverzagt, Hermann Urban, Rolf Urban, Ulrike Urban, Alba D' Urbano, Lesser Ury

VA Wölfl, Meyer Vaisman, Eulalia Valldosera, J-JVV Fils Van Verden, Franz Vana, Matyas Varga, Patrizia Varga, Paloma Varga Weisz, Victor Vasarely, S. G. Vasudev, Markus Vater, Ben Vautier, Mark Dean Veca, Stella Veciana, Emilio Vedova, Vega Bermejo, Klaus-Peter Vellguth, Stefan Velten, Hans Vent, Jan Verbeek, Daniel Verbis, Till Verclas, Carlos Vergara, Jef Verheyen, Charlotte Verity, Walter Verwoert, Amanda Vesey, Thomas Virnich, Visscher, Luca Vitone, Antonio Vitor, Rolf Viva, Bertrand Vivin, Simon de Vlieger, Jacob van der Vlies, Sandra Voets, Andreas Vogel, Harald Vogel, Matten Vogel, Heinz Vogelgesang, Richard Vogl, Alexandra Vogt, Andrzej Vogtt, Stefan Voigt, Marjan Vojska, Mathias Völcker, Bernhard Volk, Cornelius Völker, Otto Völker, Bernd Völkle, Hans Richard von Volkmann, Steffen Volmer, Alfredo Volpi, Herbert Volz, Wilhelm Volz, Friedrich Vordemberge, Gabriel Vormstein, Kerstin Vorwerk, Jan Voss, Bernd Vossmerbäumer, Wolf Vostell, Hansjörg Voth, Martin van Vreden

Thorsten Waak, Bärbel Wächter, Thomas Wachweger, Elke Judith Wagner, Jörg Wagner, Reiner Wagner, Rolf Wagner, Silke Wagner, Stefan Thomas Wagner, Hildegard Wagner-Harms, Anita Wahl, Frank Wahle, Sirko Wahsner, Martin Walde, John Walker, Kara E. Walker, Jeff Wall, Benno Walldorf, Jürgen Waller, Hans-Albert Walter, Jess Walter, Karoline Walter, Franz Erhard Walther, Johann F. Walther, Jutta Walther-Schönherr, Rolf Walz, Gerd Wandrer, Ernst Wanner, Ullrich Wannhoff, Andy Warhol, Herbert Warmuth, Viktor Warnetzky, Uli Wascher-Gutzer, Corinne Wasmuht, Sabine Wassermann, Etsuko Watanabe, Richard Watkinson, Alison Watt, Jean-Antoine Watteau, Isolde Wawrin, Raymond Waydelich, Gillian Wearing, Mary Webb, Ina Weber, Konstantin Weber, Susanna Iris Weber, Wolfgang Weber, Bürgel von Wecus, Christoph Wedding, Carrie Weems, Jagath Weerasinghe, Werner Wefers, Markus Weggenmann, William Wegman, Jürgen Wegner, Hinrich Weidemann, Claus Weidensdorfer, Seff Weidl, Horst Weidt, Cornelia Weihe, Caroline Weihrauch, Max Weiler, Lois Weinberger, Armin Weinbrenner, Lawrence Weiner, Willi Weiner, Felix Weinold, Matthias Weischer, Jochen Weise, Andreas Weishaupt, Clemens Weiss, David Weiss, Ian Welsh, Andreas Welzenbach, Trak Wendisch, Tilman Wendland, Ulrich Wendland, Karla Weniger, Jürgen Wenzel, Karlheinz Wenzel, Saskia Wenzel, Frank Werneke, Peter Werner, Theodor Werner, Thomas Werner, Martin Wernert, Birgit Werres, Katharina von Werz, Eckhard Wesche, Anna Wesek, Tom Wesselmann, Wilhlem Wessels, Franz West, Simone Westerwinter, Giso Westing, Olav Westphalen, Stefan Wewerka, Wilhelm Weygandt, Anthony Whishaw, Pae White, Rachel Whiteread, Wilhelm Wiacker, Sylvia Wieczorek, Gottfried Wiegand, Herbert Wiegand, Martel Wiegand, Suse Wiegand, Stefan Wieland, Daniel Wiener, Anna B. Wiesendanger, Solomon Wija, Ina Wilczek, Volker Wilczek, Albrecht Wild, Max Wild, Eva Maria Wilde, Frank Wildenhahn, Ludwig Wilding, Harry Wilks, Stephen Wilks, Matthias Will, Cory Wille, Ommo Wille, Ursula Willeke, Karl Willems, Victor Willing, Eduard E. Willke, Thomas Th. Willmann, Joan Willsher-Martel, Richard Wilson, Robert Wilson, A. Wimalasara, Gerhard Wind, Dorothee von Windheim, Ryszard Winiarski, Andreas Winkler, Gerhard Winkler, Hans Winkler, Gerd Winner, Rolf Winnewisser, Fritz Winter, Georg Winter, Gerd Winter, Konrad Winter, Wolfgang Winter, Lambert Maria Wintersberger, Icke Winzer, Jost Wischnewski, Adrian Wiszniewski, F. d. Wit, Walter Wittek, Josef Wittlich, Peter Klaus Wittmann, Heinz Woelcke, Claus Wohlgemuth, Johannes Wohnseifer, Thomas Wojciechowicz, Bernd Wolf, Daniela Wolfer, Barbara Wolff, Carl Emanuel Wolff, Ulrich J. Wolff, Wilfried Wolff, Deva Wolfram, Winfried Wolk, Ute Wöllmann, Wols, Sandy Wong Shin, Bill Woodrow, Valentin Wormbs, Walter Wörn, Troels Wörsel, Manuela Wossowski, Woyozudehot, Mark Wright, Fritz Wucherer, Wuerbs, Oleg Alexandrowitsch Wukolow, Inge Wulff, Katharina Wulff, Amelie von Wulffen, Mira Wunderer, Paul Wunderlich, Petra Wunderlich, Erwin Wurm, Sabine Wurst

Manijeh Xanegar

Yaacob, Miwa Yanagi, Manijeh Yanegar, Toshihiro Yashiro, Catherine Yass, Gideon Yates, Iskender Yediler, Adam Yilmas, Yoshikawa, Mika Yoshizawa, Ahmad Khalid Yusof, Alias Yusof

Margitta Zachert, Ossip Zadkine, Raja Zahabudd, Margarete Zahn, Miro Zahra, Mike Zaidel, Ismail Zain, Phillip Zaiser, Yngve Zakarias, Herbert Zangs, Horst Zank, Rémy Zaugg, Andrea Zaumseil, Joseph Zehrer, Frank M. Zeidler, Simone Zeidler, Martin Zeller, Jürgen Zellerhoff, Jochen Zellmann, Jerry Zeniuk, Barbara Zenner, David Zepter, Maria Zerres, Horst Zickelbein, Brigitte Zieger, Thomas Ziegler, Robert Zielasco, Tomasz Zielinski, Heinrich Zille, Rainer Zille, Bernd Zimmer, Hans Peter Zimmer, Elisabeth Zimmerer, Dieter Zimmermann, Mike Zimmermann, Paul Zimmermann, Peter Zimmermann, Rolf Zimmermann, Sabine Zimmermann, Tanja Zimmermann, Matthias Zinn, Jakub Julian Ziolkowski, Friedrich Zirm, Otto Zitko, Andrea Zittel, Peter Zizka, Heimo Zobernig, Beat Zoderer, Leo Zogmayer, Heinz Zolper, Sharifah F. S. Zubir, A. Zucker, Joe Zucker, Klara Zwick, Klaus Zwick
2011
Yto Barrada (*1971), Tectonic Plate, 2010

2006 hat Yto Barrada ein Modell aus Holz entworfen und fotografiert. Es veranschaulicht Kindern, dass die Landmassen unserer Erde vor Millionen von Jahren einen einzigen „Superkontinent“ gebildet haben. Auf der Landkarte der in Marokko lebenden Künstlerin kann man die Kontinentalplatten wieder zusammenschieben. Dieser Blick in die Vergangenheit verbindet sich zugleich mit einem utopischen Versprechen – der Vision einer Welt, in der geographische und politische Grenzen nicht mehr über das Schicksal von Menschen entscheiden. Dass sich Barrada als "Künstlerin des Jahres“ 2011 der Deutschen Bank für eine Überwindung dieser Grenzen einsetzt, hängt auch mit der Lage in ihrer Heimatstadt Tanger zusammen, die sie in ihren Arbeiten immer wieder thematisiert. Für Tausende Flüchtlinge aus den Ländern Afrikas erscheint Tanger als ein Ort der Hoffnung – und des Wartens. Denn Europa, ihr Ziel, ist hier nur noch wenige Kilometer entfernt, an klaren Tagen sogar in Sichtweite. Doch die streng kontrollierte Meerenge von Gibraltar bleibt für die meisten unüberwindlich und das Versprechen eines besseren Lebens unerfüllt.


2010
Wangechi Mutu (*1972), The Bride Who Married a Camel's Head, 2009

Aus ihrem mit Baumpilzen, Muscheln und Perlen geschmückten Medusenhaupt winden sich Schlangen. In der Hand hält sie das zum Schrei geöffnete Maul eines Kamels. Wangechi Mutus The Bride Who Married a Camel's Head ist typisch für das Werk der in New York lebenden Kenianerin. Denn tatsächlich geht es um merkwürdige Vermählungen: Mutus Collagen, für die sie Bilder aus Mode-, Sport-, und Sex-Magazinen verarbeitet, sind von hybriden, „exotischen“ Kreaturen bevölkert - zugleich Mensch und Tier, Monster und Maschine. Mutu, die 2010 erste „Künstlerin des Jahres“ der Deutschen Bank war, thematisiert Fragen weiblicher Identität im Spannungsfeld zwischen westlicher Kultur und postkolonialer Geschichte. Zugleich untersuchen ihre Collagen die Träume und Begierden, die in der globalen Konsumgesellschaft geschürt werden und deren Auswirkungen: die gnadenlose Ausbeutung von natürlichen Ressourcen – eine Welt, in der der Körper zur Ware geworden ist.


2009
Paulina Olowska (*1976), Car Mobile Collage, 2009

Ein stylisches, junges Paar im Cabriolet. Der überdimensionale Regenschirm schützt sie vor den Zumutungen des Alltags – symbolisiert durch das kryptische Kürzel „PIT – 53“. Die Abkürzung steht für ein polnisches Steuerformular, das alle, die es auszufüllen haben, regelmäßig zur Verzweiflung treibt. Staatliche Repression deuten auch die Bilder von polnischen Punkbands an. Sie wurden in den 1980er Jahren häufig mit Auftrittsverboten belegt. „Car Mobile Collage” ist ein typisches Beispiel für Paulina Olowskas künstlerische Strategie. Für diese Arbeit hat sie Zeitungsbilder reproduziert, um sie zu collagieren und in Siebdrucke zu verwandeln. Diese großformatigen Grafiken bearbeitete sie dann mit Folien und Buntstiften. Nur wenige zeitgenössische Künstler bedienen sich so virtuos am Bilderfundus von Kunstgeschichte und Pop-Kultur wie die junge Polin. Sozialistischer Chic trifft dabei auf westliche Moderne, Propaganda auf Reklame. Was alle Arbeiten Olowskas verbindet, ist das Prinzip der Montage, das einen neuen Blick auf vertraute Bilder ermöglicht.


2008
Pedro Barateiro (*1979), Escultura de Casa, 2008
Fotografie

Stammeskunst im Schleiflackschrank: Mit seiner übermalten Fotografie aus einem glamourösen deutschen Einrichtungsmagazin führt der junge portugiesische Künstler Pedro Barateiro geradewegs ins Wohnzimmer eines kulturbeflissenen Bürgers. Neben Bildbänden und Büchern bevölkern vor allem afrikanische Skulpturen seinen Wandschrank im kühl-eleganten Look der 1970er Jahre. Schon die Protagonisten der Moderne, wie etwa Picasso oder Braque begeisterten sich für die so genannte „primitive“ Kunst und nutzten deren kraftvolle Formensprache als Quelle für postimpressionistische und kubistische Malerei. Mit der exotischen Vorstellung des „edlen Wilden“, der ursprüngliche Kunstwerke produziert, erhielt allerdings auch eine romantisierte Form von Kolonialismus Einzug in die bürgerlichen Wohnungen. Barateiro zeigt, wie sich diese Sicht in unserer heutigen Auffassung von Modernität unterschwellig fortsetzt: Hinter der schnörkellosen Retro-Ästhetik des Wohndekors, die als Lifestyle vermarktet wird, verbirgt sich auch ein Stück kultureller Ideologie und das unbewältigte Erbe des Kolonialismus.


2007
Cary Kwok (*1975), Plumage - Nigerian, Fulani, 2007
Tinte auf Papier

Die Dauerwelle einer amerikanischen Disco-Queen, ein helmartiges Geflecht auf dem Haupt einer Römerin der Antike oder die skulpturale Haartracht einer Nigerianerin – auf Cary Kwoks minutiösen Zeichnungen aus der Serie Plumage erscheinen die Frisuren seiner Protagonistinnen stets bigger than life. Es sind ebenso extravagante wie identitätsstiftende Haarmoden, die der in Hong Kong geborene Künstler verewigt. Das ist kein Zufall. Hat der Fan der britischen Kultband The Smiths und ihres charismatischen Sängers Morrissey doch in London, wo er jetzt lebt, Fashion Design studiert. Mit seiner Hommage an weibliche Schönheit und die Moden vergangener Jahrhunderte entwirft Kwok eine alternative, glamouröse Form von Geschichtsschreibung. In Plumage vereint er die unterschiedlichsten Stile und Looks – zu einer multikulturellen Gesellschaft des Haars.


2006
Diamantis Sotiropoulos (*1978), The strong did what they could and the weak suffered what they must, 2006
Gouache, Tusche, Gold- und Silberfarbe auf Papier 139 x 221 cm K20060710 © Diamantis Sotiropoulos

Man muss kein Anhänger der philosophischen Schriften Foucaults sein, um zu wissen, dass Machtstrukturen bzw. Hierarchien für jeden von uns im Alltag eine signifikante Rolle spielen, sei es im beruflichen oder im familiären Kontext und so ist es auch kein Geheimnis, dass das opportunistische Ausleben von Dominanz verführerisch ist.
Sotiropoulos narratives Leitmotiv ist die Herrschsucht sowie die Nebenwirkungen dieser, wie etwa machiavellistische Winkelzüge, skrupellose Intrigen und narzisstische Begierden. »Die hat es natürlich immer gegeben«, versichert der Künstler, »aber heute geschieht das ohne die geringsten Gewissensbisse, mit atemberaubender Geschwindigkeit, überall, in jedem Bereich des Lebens«.
Dieser Pessimismus durchzieht das gesamte symbol- und assoziationsreiche Schaffen des 1978 in Athen geborenen Heavy Metal und Punk-Fans Diamantis Sotiropoulos. In seiner Arbeit „The strong did what they could and the weak suffered what they must“ zitiert er leicht verändert einen Satz des griechischen Geschichtsschreibers Thukydides, der die Ursache der Kriegslust nüchtern in der Unvernunft und Machtfülle der Stärkeren lokalisiert. Nur bei einem Gleichgewicht der Kräfte könne Gerechtigkeit herrschen, sagen bei Thukydides die siegreichen Athener zu den unterworfenen Meliern, andernfalls gelte die Regel, dass »diejenigen, die die Macht haben, auflegen, so viel sie können, und die Schwachen ihnen gehorchen müssen«.


2005
Isa Genzken (*1948), Kinder filmen XV, 2005
Collage Acrylic, wood hologram foil on fabric 64 9/16 x 46 7/8" K20060864 © Galerie Daniel Buchholz, Köln

Ausgehend vom Kanon der Minimal Art hat Isa Genzken seit den siebziger Jahren ein sich immer wieder selbst erneuerndes bildhauerisches Oeuvre entwickelt. Sie kombiniert Dinge und Materialien „as a matter of fact“ und zeigt auf, was es bedeutet, in einer modernen Gesellschaft zu leben. Während sich die mehrfache documenta-Teilnehmerin in ihrer Arbeit immer wieder radikal neu erfindet, definiert sie mit ihren Skulpturen den Raum in Bezug auf seine physische und gesellschaftliche Kondition. Hierbei korrespondiert Genzken mit Zeitgenossen wie Bruce Nauman oder Lawrence Weiner, später dann mit Freunden wie Wolfgang Tillmans und Kai Althoff. Dass Genzken in ihren jüngeren Arbeiten, wie etwa Oil (2007) für den Deutschen Pavillon der Venedig-Biennale oder der Installation Kinder filmen (2005) – zu der auch die Collage aus der Sammlung Deutsche Bank gehört – Luxusgüter, Trash, Spielzeug zu fragilen Assemblagen kombiniert, wirkt im Hinblick auf ihre früheren, reduzierten Arbeiten irritierend. Doch wer ihr Werk verstehen will, sollte aufhören, nach Bedeutungen zu fragen und einfach nur sehen. Ihr Collage-Poster zeigt, was man dann erlebt: gnadenlos zeitgemäßes Kopfkino.


2004
Yoshitomo Nara (*1959), Ohne Titel, 2004
Crayon and pencil on paper 9 1/16 x 12 5/8" K20060251 © Yoshitomo Nara/Courtesy Johnen und Schöttle, Köln

Kinder stehen im Mittelpunkt von Yoshitomo Naras Werk. Mit viel zu großen Köpfen und verschmitztem, trotzigem oder sogar hinterhältigem Blick bevölkern vor allem kleine Mädchen seinen Bilderkosmos. Lieb sind sie selten, gerne hantieren sie mit Messern oder Feuer – Figuren zwischen harmlosen Bilderbuchillustrationen, Comics und Gruselfilmen. Schon als Kind hat sich der in Tokio lebende Künstler, der von 1988 bis 1993 an der Kunstakademie Düsseldorf studiert hat, für Mangas und Märchen begeistert. Heile Welt und Abgrund liegen bei Nara dicht nebeneinander, auch auf seiner Zeichnung aus der Sammlung Deutsche Bank. Hier schwebt ein geschlechtsloses Fantasiewesen über einer Landschaft. Wie ein Komet zieht es einen mit wenigen Strichen angedeuteten Feuerschweif hinter sich her, aus seinen Händen fallen dichte Tropfen. Ob der Himmelsbote mit dem seltsam unbeteiligten Gesichtsausdruck allerdings für einen sanften Frühlingsregen oder für ein Unwetter sorgt, das muss jeder Betrachter selbst entscheiden.


2003
Julie Mehretu (*1970), Drawings (new constructions) # 11, 2003
Graphit auf Papier 66 x 101,5 cm K19990888

Taucht man in die schwarz-weißen Strudel und den Sog der explodierenden, sanft auslaufenden Grafit-Felder der Mental Map von Julie Mehretu, so findet man sich in einer vitalen Beschreibung aktuellen Lebens wieder: Landschafts- wie Gesellschaftsfragmente und abstrakte Versatzstücke, die in einem präzise kalkulierten Spannungsfeld zueinander stehen, entziehen sich zwar der eindeutigen Interpretation, beschreiben jedoch auf der anderen Seite das nicht immer eindeutig zu interpretierende Wunder des Lebens.
Die Gesten, Figuren und Formen in Mehretus Arbeiten sind in sich geschlossene Konstruktionen. Als Zeichen entwickeln sie sich intuitiv, aus einer psycho-geographischen Erfahrung heraus, so dass jede kleinste gestische Veränderung zugleich auch unmittelbare Auswirkung auf das hat, was sie repräsentieren sollen.
Entstehen einerseits räumliche Tiefe und Komplexität, verweigern die Werke der in New York lebenden Äthiopierin andererseits das progressiv Narrative sowie der Bestimmung eines Fluchtpunkts beziehungsweise einer Perspektive.
Inspiriert von Ahnenforschungen in der eigenen Familie, Dokumenten und archivierten Zeitungsmeldungen, die kulturelle Vermischung, Migration und Krieg thematisieren, wirft Mehretu einen Blick in die Zukunft, welchen sie in neue Strukturen übersetzt. Auf diese Weise versucht sie, unterschiedliche Erfahrungen kultureller Aneignung und Ermächtigung zu vermitteln, die - teils als Fakt, teils als Fiktion - ebenso von Geschichte wie auch von kollektiven und persönlichen Träumen geprägt sind. Zu Recht gelten ihre Bilderfindungen als Grat zwischen surrealistischer „Ecriture automatique“ und einem barockem „Horror vacui“.


2002
Francis Alÿs (*1970), Ohne Titel (From When Faith Moves Mountains), 2002
Öl und Bleistift auf Pergamin 31,6 x 35,4 cm K20050281

Ob Alÿs in einem Waffengeschäft eine Beretta kauft und sich mit dieser durch seine Wahlheimat Mexiko bewegt oder ob er einen Eisblock durch die Stadt schiebt, stets fordert der gebürtige Belgier seine Zuschauer bis zum Äußersten. Während er mit der Waffe in der Hand die Zeit stoppte, bis seine Aktion öffentlich wahrgenommen wurde (Re-enactments, 2000) oder das Eis schmelzen ließ, bis sich als einziges Relikt eine Verdunstungsspur bildete, immer parodiert er das westliche Verständnis von Effizienz. Ohne erhobenen Zeigefinger führt der 1959 geborene Künstler vorherrschende Diskrepanzen der Lebensbedingungen vor Augen, wie sie heute zwischen den Industriestaaten und den so genannten Schwellenländern existieren.
Zeichnerisch und filmisch dokumentiert, legt Alÿs - teils ironisch – und mittels immerwährender Wiederholungen den Finger in die Wunde aktueller Lebensbedingungen.
Auch mit seinem Blatt zum gleichnamigen Projekts From When Faith Moves Mountains (Wenn Glaube Berge versetzt) erregte Alÿs Aufmerksamkeit: So ließ der Künstler 2002 in Lima 500 Freiwillige einen Sandberg mit Handschippen um ein Stück versetzen. Die Mitwirkenden, lieferten somit nicht nur ein Plädoyer für das kollektive Miteinander, sondern zugleich – und das vielleicht sogar unbewusst - gegen allgemeine Verdrossenheit und die Akzeptanz des Status Quo.


2001
Neo Rauch (*1960), Das geht alles von ihrer Zeit ab, 2001
33,46 x 116,93" K20010024

Neo Rauch gilt nicht nur als bedeutender Protagonist der jungen deutschen figurativen Malerei, sondern als der erste wirkliche Ost-West-Maler. Wie kaum ein anderer trifft der Meisterschüler von Bernhard Heisig an der Leipziger Hochschule für Grafik und Buchkunst die Stimmung der Nachwendezeit im wiedervereinten Deutschland. Seine Einzelausstellung im Deutsche Guggenheim mit Arbeiten aus der Sammlung Deutsche Bank legt 2001 den Grundstein zu Rauchs internationaler Karriere. Mit Virtuosität vollbringt es der Künstler, die modernen Mythen des Warschauer Paktes und der westlichen Welt in surrealen Traumszenen zu verschmelzen. Amerikanische Comic-Ästhetik und sozialistischer Realismus begegnen sich in einem Konglomerat aufgeladener Zeichen aus der Geschichte des Wiederaufbaus nach 1945. Auf seinem Gemälde Das geht alles von ihrer Zeit ab (2001) rast ein Zug an einer rationalisierten Spielzeuglandschaft vorbei. Doch im Inneren des Abteils sehen wir zwei Reisende: den einen träumend, den anderen mit einer Stange zum Schlag ausholend. Rauchs mysteriöse Allegorie auf die Hochgeschwindigkeit, mit der Geschichte gemacht wird, lässt an Goya denken: Der Schlaf der Vernunft gebiert Ungeheuer.


2000
Werner Büttner (*1954), Ohne Titel, 2000
Collage pen and pencil on board 12,60 x 9,45" K20000100

Aus einem Hahn sprudelt Wasser direkt auf eine Holzkommode. Trulli, italienische Rundhäuser mit zipfelmützenartigen Dächern, schweben vor einer roten geometrischen Form, die an Kompositionen der Konstruktivisten erinnert. Seit den 1990er Jahren kombiniert Werner Büttner Bildmaterial aus Magazinen oder Prospekten zu absurden Collagen. Dabei formieren sich banale Motive zu respektlosen Kommentaren zur Kunstgeschichte. Angefangen hat der in Jena geborene Künstler Ende der 1970er Jahre in der Hamburger Punkszene. Wie seine Freunde Martin Kippenberger oder Albert Oehlen schuf er figurative, neo-expressive Gemälde. Anders als den Berliner „Jungen Wilden“ ging es den Hamburger Künstlern allerdings nicht darum, das damals als reaktionär abqualifizierte Genre der Malerei zu rehabilitieren. Ihre schnell gemalten Leinwände mit den schmutzigen Braun- und Grüntönen dienten vielmehr dazu, künstlerische wie gesellschaftliche Konventionen zu unterlaufen. Dieser subversiven Strategie bleibt Büttner auch mit seinen Collagen treu.


1999
Christina Assmann (*1965), Marlboro girl, 1999
Aquarell und Bleistift auf Papier 150,2 x 298,3 cm K19990888 © Christina Assmann, Düsseldorf

Kein Kinoabend ohne die harten Typen auf ihren wilden Pferden. Die Zigarette im Mund scheint nicht mehr vonnöten – ein stilisierter Käuzchenruf im Hintergrund genügt, um ihre Identität als „Marlboro guys” zu entlarven. Ein moderner Mythos, den Christina Assmann feinsinnig ironisiert: Das überdimensionale und dennoch zarte Aquarell zeigt ein als „Marlboro girl” betiteltes Selbstporträt. Die Künstlerin als toughe Heldin? Ganz im Gegenteil erscheint sie verletzlich, fragil und kaum greifbar. Die Aquarellfarbe rinnt über das Blatt und lässt die Konturen der Figur verschwimmen, auch das Gesicht wird – wie unter Tränen – unkenntlich. Einzig die ovale rote Umrandung verleiht der Arbeit einen emblematischen Charakter. Anders der „Marlboroaltar I”– in den Fotografien tritt die Künstlerin nun tatsächlich als Cowgirl mit Karobluse und Colt auf. Bei einer Tasse Kaffee lädt sie kokett unter ihrem Hut hervorschauend ins „Marlboro Country” ein – ein ganz anderer Wilder Westen, in dem die Männerwelt der Werbung nun endlich weibliche Gesellschaft findet. Dass Assmann auch in der Realität reitet, wird angesichts dieser imaginären Bildwelt zur netten Anekdote.


1998
James Rosenquist (*1933), The Swimmer in the Econo-mist, 1997/98
Öl auf Leinwand (Detail) 3,5 x 14,6 m K19980049 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Aripeka in Florida: eine kleine Poststation, ein winziger Hafen, ein Tante-Emma-Laden, der Milch verkauft und auch Postkarten mit Krokodilen. Hier hat James Rosenquist sein Atelier. Als junger Mann verdiente der Künstler seinen Lebensunterhalt als Reklamemaler und bemalte hoch über dem New Yorker Times Square riesige Werbeflächen. Heute ist er weltberühmt und einer der Ersten, die um ein Auftragswerk für das Deutsche Guggenheim Berlin gebeten wurden. Die gemeinsam mit der Guggenheim Stiftung von der Deutschen Bank in Berlin betriebene Ausstellungshalle zeigt seit 1997 Auftragswerke zeitgenössischer Künstler. Rosenquists Monumentalgemälde „The Swimmer in the Econo-mist“ nimmt darin den Platz einer raumumgreifenden Installation ein, die farbgewaltig die deutsche Wiedervereinigung ins Bild setzt. Zur Schau im Deutsche Guggenheim Berlin entwarf Rosenquist außerdem die exklusive Edition des „Paper Suit“, einem in zwei Farben erhältlichen Papier-Anzug, der 1998 nach aktuellen Vorgaben der „Three-Pocket“- Boss-Frühjahrskollektion gefertigt wurde. Der Anzug und Rosenquists persönliches Engagement waren schließlich auch Auslöser für eine Modenschau im Deutsche Guggenheim Berlin: „Kunst und Papier auf dem Laufsteg“ zeigte keine Textilien, sondern Mode aus Papier – von Künstlern gestaltete Haute Couture und Rosenquist selbst saß anlässlich der Aufführung stolz in der ersten Reihe der prominenten Gäste.


1997
Olaf Nicolai (*1962), Nach der Natur I, 1997
Diakasten (documenta X) 100 x 154 cm K19980336 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Jeden Abend begibt sich ein Mitarbeiter vom Erdgeschoss in die erste Etage des großen Frankfurter Händlerraums der Deutschen Bank, um einen Stecker zu ziehen. Mit Computern, Schalttafeln und anderen elektronischen Medien hat dies jedoch nichts gemein. Es ist ein schlichter Diakasten – „Nach der Natur I” –, der über Nacht zur Ruhe kommt. Erst am nächsten Morgen erstrahlt er wieder im hellen Licht.
Unerwartet und fremd rückt das Leuchtfenster Olaf Nicolais so Natur und Künstlichkeit in den Mittelpunkt seiner Arbeit. Inmitten wirtschaftlicher Betriebsamkeit erscheint die Miniflora als fotografische Fiktion und scheinbare Versicherung der Natur per Simulation. Zwischen hektischen Handelsgeschäften wird der konzeptionelle Charakter im Werk Nicolais unverkennbar. Seine Arbeiten sind die Ergebnisse sorgfältiger Planung, die sich weniger intuitiv als analytisch erschließen. Worte, Zeichen und Symbole sind neben malerischen Elementen tragende Bildteile in der Ästhetik ihrer Präsentation. Erstmals auf der documenta X in Kassel präsentiert, wo der Leuchtkasten Nicolais neben begrünten Lavasteinen und dazugehöriger Tapete zur Geltung kam, hat er im Investmentbanking-Center einen Standort gefunden, der das romantische Versprechen „nach der Natur“ nur scheinbar erfüllt.


1996
Andreas Gursky (*1955), Atlanta, 1996
Fotografie 186 x 256 cm K19970001 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Georgias Hauptstadt Atlanta hat sich mit Einkaufszentren, dem Sitz des Nachrichtensenders CNN, der World of Coca-Cola und den Wolkenkratzern zur Metropole gemausert. Heute rufen Spitznamen wie „Hotlanta”, „The big A”, „Hauptstadt des neuen Südens” oder „Tor zur Welt” Bilder einer progressiven Stadt hervor. Doch gleichzeitig erinnert die zu zwei Dritteln aus Farbigen bestehende Bevölkerung an das alte Südstaaten-Flair, an den Jazz, das scharfe Essen und die großen Tabakplantagen in der Umgebung. Als Atlanta 1996 Austragungsort der Olympischen Spiele wurde, veränderte es erneut sein international expandierendes Profil. Ob der Sport auch Andreas Gursky 1996 nach Atlanta führte, ist nicht bekannt. Wo er nächtigte, auch nicht. Doch verzeichnete damals kaum einer der aktuellen Führer das Hotel der gehobenen Klasse, das er in seiner Aufnahme dokumentierte. Die meisten der Luxushotels Atlantas befinden sich in der Innenstadt und im Ortsteil Buckhead. Einige andere sind in Midtown oder am nördlichen Stadtrand. Alle gelten sie als modern, doch ist das 1967 eröffnete Hyatt Regency Atlanta das älteste unter ihnen. Gurskys Blickwinkel fokussierte darin die symmetrischen Galerien, die Entwicklung des klassischen Fluchtpunktes und seiner Subversion im flachen Bild. Ob er Individualität in Frage stellt oder durch die gigantisch geometrische Komposition Stärke und Ausgewogenheit schildert, wird anlässlich der formalen Finesse, mit der Gursky die Geschichte malerischer Tradition fortsetzt, zweitrangig. Vielmehr verdeutlicht er eine neue abstrakte Realität im Bild hinter dem Bild.


1995
Damien Hirst (*1965), Biotin-Maleimide, 1995
Lack auf Leinwand 432 x 317 cm K20000088 © Damien Hirst, London

Wann haben Sie schon einmal Bilder gesehen, auf denen tote Schmetterlinge, Käfer und andere Insekten befestigt waren? Oder sonderbare „Tank pieces”, die in Formaldehyd eingelegte, aufgeschlitzte Kälber oder Haifische präsentieren? Zu entdecken gibt es all dies bei Damien Hirst. Der britische Künstler experimentiert mit skurrilen Mitteln und versuchte durch den Einsatz chemischer Substanzen die Vergänglichkeit aufzuhalten. Gleichzeitig thematisierte er natürliche, technisierte und moderne Formen. Doch über der künstlerischen Bearbeitung dieser Extreme blieb die Erkenntnis bestehen, dass der Tod Teil und Ende des Lebens ist. Hirsts „Spot-Paintings” entstanden seit Anfang der neunziger Jahre. Zunächst malte der Künstler ein scheinbar willkürliches Muster von grauen und farbigen Punkten direkt auf weiße Wände, übertrug sie aber später auch auf großformatige weiß grundierte Leinwände. „Biotin-Maleimide” wirkt auf den ersten Blick vielleicht wie eine minimalistische Abstraktion. Doch sowohl das farbige Muster als auch der Titel des Gemäldes offenbaren gegenständliche Assoziationen, denn „Biotin-Maleimide” wurde von Hirst nach einem pharmazeutischen Präparat benannt. Die Serie der Bonbons und Smarties ähnelnden Pillenstücke formuliert gesellschaftliche Praktiken im Umgang mit der Medizin wie auch der Kunst, denn, so der Künstler: „Ich kann nicht verstehen, weshalb einige Leute an Medizin, aber nicht an Kunst glauben, ohne beides zu hinterfragen.”


1994
Martin Honert (*1953), Kinderkreuzzug (Relief), 1994
Laserkopie auf Papier 29,5 x 21 cm A19941372 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Glaube kann Berge versetzen – dies gilt besonders für den unerschütterlichen Glauben eines Kindes. Ein tragisches Zeugnis der Kraft jugendlicher Überzeugung stellt der mittelalterliche Kinderkreuzzug dar. Nach dem Zug gegen Byzanz rief die Kirche 1212 zur Befreiung der heiligen Stätten in Jerusalem auf und richtete ihren Appell an das gesamte Volk. Vor allem Kinder und Jugendliche folgten dem Kreuz. Ihr Weg endete jedoch größtenteils bereits in Genua und Marseille: Betrügerische Reeder verschifften hier Tausende von Kindern nach Alexandrien, um sie dort als Sklaven zu verkaufen. Diese schicksalhafte historische Episode bearbeitete der Düsseldorfer Künstler Martin Honert 1997 in einem monumentalen Raumbild: Lebensgroße Figuren schreiten aus einer illusionistischen Landschaft heraus in den Raum, um diesen zu erobern. Doch sind es Schritte ins Leere, ist doch aus unserer Sicht heraus der fatale Ausgang dieses visionären Auftritts bereits präsent. Honerts künstlerische Arbeit dreht sich um das Thema der Erinnerung, die ihren Ausgangspunkt in der Kindheit und den aus dieser Zeit aufflackernden und wieder verschwindenden Bildern findet. Der „Kinderkreuzzug“ bezieht sich auf Geschichte als kollektive Erinnerung, weist jedoch zugleich in die Vergangenheit des Künstlers: Inspiriert wurde das Werk nämlich von einer Illustration in einem Schulbuch aus seiner Jugendzeit. Den dreidimensionalen Bildern legt Honert Aquarelle zugrunde, die er mit dem Laserkopierer vervielfältigt. Diese Entwurfszeichnungen lassen die Tableaus bereits auf dem Papier lebendig werden.


1993
Hiroshi Sugimoto (*1948), Rosecrans Drive-In, Paramount, 1993
Fotografie 42 x 54 cm K19972269 © Hiroshi Sugimoto, New York

Magisch strahlt das Weiß der leeren Leinwand, flankiert von zwei hochgeschossenen Palmen an jeder Seite, die die gespenstische Szene zu bewachen scheinen. Wie ein surrealer Moment wirkt diese Aufnahme und doch dokumentiert sie einen ganzen Spielfilm. Der japanische Künstler Hiroshi Sugimoto platzierte seine großformatige Kamera in einem ganz gewöhnlichen, amerikanischen Drive-in-Kino und belichtete das Negativ über die gesamte Dauer des präsentierten Films. Und so blieb von „Last Action Hero“ oder „Sister Act Il“ nur eine überbelichtete Leinwand, in die sich nun alles und nichts hineinprojizieren lässt. 1994 wurden erstmals Fotografien von Sugimoto für die Sammlung Deutsche Bank angekauft, als es galt, die Niederlassung in Tokio auszustatten. So fanden die Aufnahmen eines der wichtigsten japanischen Gegenwartskünstler ihren Weg in die Sammlung Deutsche Bank im Jahre 1997: Damals wurde das neue Investment Banking Center in Frankfurt bezogen. So jung wie die Investmentbanker sollte auch die hier präsentierte Kunst sein – der Schwerpunkt Fotografie lag somit nah. Ein drittes Mal kreuzten sich die Wege mit Hiroshi Sugimotos Werk und nun auch mit ihm selbst im Frühjahr 2000 im Deutsche Guggenheim Berlin. Für die Ausstellungshalle Unter den Linden schuf er ein Auftragswerk: Mit seinen faszinierenden überdimensionalen Porträts erweckte er die Wachsfiguren wie Heinrich VIII. und seine sechs Frauen wieder zum Leben und verlieh dem Raum die Grandeur einer klassischen Gemäldegalerie.


1992
Wawrzyniec Tokarski (*1968), Ohne Titel, 1992
Aquarell auf Bütten 43 x 61 cm A19950325 © Wawrzyniec Tokarski, Berlin

Jeder kennt sie, die Bilder aus den Bögen der theoretischen Führerscheinprüfung. Der Pole Wawrzyniec Tokarski hat diese Prüfbilder zur Vorlage seiner 1992 entstandenen Aquarelle gemacht. Nach dem Studium an der Akademie der Bildenden Künste in Gda´nsk (Polen), in Stuttgart und in Karlsruhe bildete Tokarski die vorgegebenen Situationen beinahe exakt ab: Voller Ironie dokumentierte er das Regelwerk, ohne das der alltägliche Straßenverkehr nie funktionieren würde. Spricht es nicht für sich, dass die Menschen meist ohne zu klagen und nachzudenken Nor-men annehmen? Oft ist es, so Tokarski, nur eine kleine Gruppe Intellektueller, die eine andere Richtung einschlägt. Nur selten strebt die Masse nach Veränderung; vor allem im politischen Alltag, der seit den achtziger Jahren sowohl in Polen als auch in Deutschland von maßgeblichen Umbrüchen gekennzeichnet war. Tokarski, der 1996 Künstler des Geschäftsberichts der Deutsche Bank-Filiale in Warschau war, transportierte also vornehmlich die inhaltliche Funktion der Prüfungsbilder auf eine neue Ebene, weniger ihre formale Darstellungsweise. Doch sind bereits in diesen Aquarellen die ersten, kaum wahrnehmbaren Anzeichen für ein neues Stilmittel Tokarskis späterer Bilder, Filme und Installationen zu erkennen: absichtlich oder zufällig erscheinende Verfälschungen, die Einarbeitung kleiner Fehler und Missverständnisse.


1991
Fischli & Weiss (*1952 / *1946), Ohne Titel, 1991
C-Print auf Aluminium, zwölfteilig je 16 x 24 cm K19972312-23 © Galerie Sprüth, Köln

Kurz nach der Hängung fehlte eines der zwölf Fotos. Was glauben Sie, welche Aufnahme die Betrachter im Investmentbereich am meisten interessierte? Richtig! Der gelbe Ferrari war verschwunden. Zum Glück nur kurzfristig, da sich die beiden Schweizer Peter Fischli und David Weiss bereit erklärten, die fehlende Arbeit zu ersetzen. Seit ihrem ersten gemeinsamen Projekt, 1978, arbeiten sie im Team. Als sich die ungleichen Charaktere 1977 kennen lernten, hatten Skepsis gegenüber künstlerischem Pathos und Zweifel an Erhabenem die Künstler zusammengeführt. Bis heute verbindet sie die Absicht, das wirklich Erhabene im Banalen aufzuspüren. Das gelingt Fischli & Weiss meist über vergleichende, private Welterklärungsmodelle und individuelle Typologien. Ihre Strategie, die Dinge in den Vergleich zu zwingen, offenbart auch das zwölfteilige Kalenderblatt, das die ungleichen Monatsmotive kreuz und quer in Beziehung setzt. Bunt und ironisch entwickelt das Künstlerpaar damit ein Bewertungsmodell zur persönlichen Erforschung komplexer Regeln und allgemeiner Geschmacks-Normen.


1990
Arpana Caur (*1954), Time Image, 1990
Öl auf Leinwand 243 x 175 cm K19951213 © Arpana Caur, Neu-Delhi

1993 startete mit dem Bezug neuer Gebäude in Nordindien ein umfangreiches Ausstattungsprojekt. Ausgewählt worden waren für die indischen Deutsche Bank-Filialen Werke, die über den Bezug zur regionalen Kunstszene hinaus in Dialog mit Arbeiten aus dem deutschsprachigen Raum traten. Die internationale Allianz führte so weit, dass die damals beratende indische Kunsthistorikerin und der deutsche Filalleiter nach Abschluss des erfolgreichen Ausstattungsprogrammes heirateten. So finden sich heute, etwa in Bombay, im aufwendig renovierten „Tata-House“, Gemälde der Künstlerin Arpana Caur aus New Delhi Werke der „Neuen Wilden“ gegenübergestellt. In ihrem „Time Image“ ist die Künstlerin gar selbst zu entdecken: Über den treppenförmig aufsteigenden Köpfen schwebt sie über der unfassbar vielfältigen und traditionsreichen indischen Geschichte. Steht sie über den Dingen? Wohl kaum, denn auch Caur beschäftigen immer währende Fragen zu Zeit und Raum. Vor rot leuchtendem Himmel zeigt sie fragil und zart die Verkörperung weiblicher Identität, die nicht nur in Indien vielfältig zusammengesetzt erscheint. Auch der transparente Sari und die weiße, mit herzförmig geometrisierten Ornamenten versehene Bluse zeugen von unterschiedlichsten Einflüssen. Halt findet Caur im Bild an einem Baum. Und doch scheint alles im Fluss – alles in Bewegung. Selbst die Reihe der Köpfe und das heilige, rituell reinigende Wasser dokumentieren, dass nichts so bleibt wie es ist.


1989
Thomas Florschuetz (*1957), Die Verschwörung, 1989
C-Print, dreiteilig je 45,5 x 33,8 cm K19931734-36 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Immer wieder bot er Anlass zu teils heftigen und kontrovers geführten Diskussionen. In der Bank führte dies sogar so weit, dass die Bilder von Thomas Florschuetz auf ihrer Frankfurter Etage abgehängt werden sollten. Fotografie derart „hautnah“ präsentiert, empfanden die Mitarbeiter, die sich ihren Arbeitsplatz mit Florschuetz‘ Arbeiten teilten, als zu provozierend. Das direkte Gespräch mit dem Künstler schuf jedoch schnell eine entspannte Atmosphäre und brachte einmal mehr den Beweis, dass Vermittlung rund um die junge Kunst auf beiden Seiten allzu statische persönliche Sichtweisen zu lockern vermag und im besten Fall Raum für neue Wahrnehmungen bietet. In Zwickau geboren und seit 1981 in Ostberlin lebend, zog Thomas Florschuetz 1988 nach Westberlin. Seine „Verschwörung” entstand im Jahr darauf, doch trotzdem schilderte die dreiteilige Arbeit nicht die gleichzeitigen politischen und gesellschaftlichen Missstände. In Zeiten des politischen Drucks und des Chaos diente die künstlerische Arbeit Florschuetz vielmehr als Existenzversicherung. Von den Ritualen eines Körperkults, wie ihn etwa Jürgen Klauke betrieb, war Florschuetz weit entfernt. Sein Blick auf den Körper sezierte einzelne Teile aus dem vertrauten anatomischen Zusammenhang, kombiniert sie mit ähnlichen Ausschnitten, um sie dann stark vergrößert als Reihung oder Gegenüberstellung zu präsentieren. Die Aufnahmen von Fingern, Händen, Füßen oder der behaarten Brust verloren ihren Abbildcharakter und lieferten dem Künstler die gewünschte Wahrnehmung im Blick auf den Körper.


1988
Rosemarie Trockel (*1952), Who will be in in ´99?, 1988
Strickgewebe auf Leinwand 210 x 160 cm K19913447 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

„Das Peinliche oder Tragische ist, dass Frauen die angebliche Minderwertigkeit des ‚typisch Weiblichen‘ verinnerlicht haben. Kunst über Frauenkunst ist genauso langweilig wie Kunst von Männern über Männerkunst.” Langweilig wird die Begegnung mit Rosemarie Trockels Werken nie, denn das Etikett „geschlechter-spezifische Kunst” – wie es die Künstlerin hier beschreibt – greift so einfach nicht. Vielmehr bestätigt sie Vorurteile gegenüber weiblicher Schaffenskraft nur vordergründig, um sie im nächsten Moment effektvoll zu demaskieren. Dabei bleibt die ironische Distanz gewahrt. Bereits Mitte der achtziger Jahre begann Rosemarie Trockel, mit ihren subversiven Strickbildern den Kunstbetrieb zu verunsichern. Anstatt mit Farbe auf Leinwand zu arbeiten, präsentierte sie großformatige „Tafelbilder” aus Strickgewebe. Diese Textilien widersprachen allen gängigen, männlich geprägten Kategorien von Qualität in der Kunst und setzten sich subtil mit Kritik an so genannter „Frauenkunst” auseinander. Mit computergenerierten, maschinell erzeugten „knitted pictures” begegnet die Künstlerin Stereotypen von Kunsthandwerk, biederem Hausfrauenfleiß und tradierten Konstrukten von Weiblichkeit. In dem hier präsentierten Strickbild, das heute in der Deutschen Bank in Köln – seit vielen Jahren die Wahlheimat der Künstlerin – platziert ist, setzt Rosemarie Trockel mit dem Kreuz ein klares optisches Signal mit vielerlei kultureller Konnotation. Gleichzeitig fragt sie lapidar nach dem Trend der Jahrtausendwende: „Who will be in in ’99?”


1987
Günther Förg (*1952), Cité Radieuse I, 1987
Fotografie 70 x 53 cm K19871216 © Günther Förg, Colombier

Noch zu Beginn seiner Laufbahn malte Günther Förg an der Münchner Akademie jeden Tag ein graues Bild, quasi ein freies Feld, eine von alten und neuen Lehrmeinungen und Vorstellungen in der Kunst gereinigte Fläche. Sie eröffnete ihm den Freiraum, durch den sein Schaffen letztlich charakterisiert ist. Heute geht ihm sein Tagwerk schnell von der Hand, denn die mühsame Frühschicht haben Vorarbeiter wie die Konstruktivisten, der Architekt Ludwig Mies van der Rohe, der Maler Blinky Palermo oder der Filmregisseur Jean-Luc Godard erledigt. Förg glaubt weniger an Originalität als an Generationen übergreifende Teamarbeit: „Ich arbeite an Problemen weiter. Die Probleme bleiben dieselben“, und vereint Malerei, Fotografie und Architektur in seinem Konzept. Er wählt Orte, die Geschichte haben, und Ausschnitte, die eine Fortsetzung nahe legen. So auch für seine Fotografie auf dem Dach der Cité Radieuse, die Le Corbusier im achten Arrondissement in Marseille erbaute. 1952 eingeweiht, galt der Bau als „soziales Laboratorium”, in dem 900 Bewohner in 337 Appartements lebten. Den Abmessungen zugrunde lag ein von Le Corbusier entwickeltes Proportionssystem, ein Modul, das von einer Körpergröße von 1,75 Meter, beziehungsweise 2,16 Metern mit erhobener Hand ausging und auf dem goldenen Schnitt beruhte. Die Formen und Proportionen nutzte Förg 1987 erneut, um sich dem Anspruch der Moderne zu stellen, neue Maßstäbe zu gewinnen und den eigenen Spielraum zu definieren.


1986
Max Bill (1908-1994), Kontinuität, 1986
Granit 465 x 464 x 414 cm K19860752 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

In den frühen Morgenstunden des 7. September 1986 rollte ein Tieflader vom Frankfurter Osthafen auf die Zwillingstürme der Deutschen Bank zu, um sich dort bei anbrechendem Tageslicht mit Hilfe eines überdimensionalen Krans seiner 66 Tonnen schweren Last zu entledigen. Über die Bäume hinweg wurde die 4,50 Meter hohe Granit-Skulptur auf den Sockel gehoben. Nach über dreieinhalb Jahren Vorbereitungszeit war die „Kontinuität“ von Max Bill am Ziel. Der einzige Wermutstropfen ergab sich aus einem banalen Sachzwang: Da elektrische Überspannleitungen das letzte Stück des Transportwegs in Frankfurt blockierten, musste die Höhe der Skulptur reduziert werden. Heute hätte die „Kontinuität” womöglich in ihren ursprünglich geplanten 6 Metern realisiert werden können – an ihren Standort wäre sie dann mittels eines modernen Zeppelins gelangt. Aus einem Steinbruch in Sardinien herausgesprengt, wurde der größte existierende Granit-Monolith zunächst per Schwertransport und Schiff nach Carrara transportiert. Dort begann die bildhauerische Gestaltung unter der Ägide von Max Bill. Im Spätsommer 1986 beendet, ging die Skulptur in Form des doppelseitig gedrehten Endlosbandes nun auf große Fahrt: Die Reise führte auf dem Seeweg über Gibraltar, Portugal, durch die Biskaya und den Ärmelkanal bis nach Rotterdam und von dort via Rhein und Main nach Frankfurt.
Die gesamte Historie dokumentiert in Text und Bild ein Katalog, der über Deutsche Bank Kunst zu bestellen ist.


1985
Inge Mahn (*1943), Entwurfszeichnung, 1985
Bleistift auf Papier 60,8 x 86,5 cm K19900881 © Inge Mahn, Berlin

Zwei einsturzgefährdete Säulen, zwei labile Architekturen – jede Regelmäßigkeit scheint außer Kraft gesetzt. Den Architekturen fehlen die Dächer, doch sind nicht gerade sie die wichtigsten Gebäudeteile, die den Bewohnern Schutz bieten? Wieder einmal nahm Inge Mahn anlässlich ihrer Ausstellung 1985 im Berliner Künstlerhaus Bethanien dem architektonischen Raum die klassische Funktion. Sie hatte einen rechteckigen Raum vorgefunden, der durch zwei tragende korinthische Säulen in der Mitte traditionelle Tektonik demonstrierte. Den vorhandenen Säulen fügte sie drei neue aus Gips mit Palmenkapitellen hinzu. Leicht diagonal zueinandergestellt zu einem Strauß gebunden, wirkten die fünf Säulen plötzlich nicht mehr tragend, sondern leicht und anmutig. „Sie sind nicht mehr Stützen, sie sind Pflanzen, ein Gebinde, ein Blumenstrauß“, bestätigte Mahn. Auch ihre Zeichnung zeigt die Auflösung klassischer Architektur: Arkaden und Säulen werden zu im Wind bewegten pflanzlichen Elementen und erscheinen sinnlich und spröde, komplex und einfach zugleich. Ihrer stabilen und schützenden Funktion enthoben, erhielt die Architektur ungeahnt freie und dynamische Qualität, denn „Architekturteile aus dem Zusammenhang genommen, verlieren ihre Funktion, bekommen neue Zuordnung im Raum, andere Inhalte, neue Form, werden selbstständige Plastik.“


1984
Thomas Schütte (*1954), Monument, 1984
Aquarell und Gouache auf Papier 130 x 110 cm K19840630 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Ist es wirklich ein Lippenstift? Meint Thomas Schütte tatsächlich das berühmte, gleichermaßen weibliche wie erotische Attribut? Der Vergleich trifft ins Schwarze, denn Schütte thematisiert in seinen Werken den Maßstab eines Objekts oder einer Architektur. Gegen alle Sehgewohnheiten ruft der ehemalige Gerhard Richter - Schüler verblüffende Wahrnehmungen hervor und erhebt wie im vorliegenden Aquarell einen Lippenstift zum Monument. Kulissenhaft aus architektonischen Details inszeniert, entstand so eine Mischung aus Gegenständlichem und Abstraktem, Ironie und Humor. Zugleich erzeugte das Zusammenspiel von Element und Raum auch andere Assoziationen, denn Reduktion und Isolation aus ihrem Kontext verlieh der Architektur Anonymität. Manipulierte Maßstäbe erinnerten an die Pop-Art der sechziger Jahre und besonders an die überdimensionalen Werke des Amerikaners Claes Oldenburg. Seit Mitte der achtziger Jahre realisiert Schütte viele seiner Zeichnungen auch als große Skulpturen, als harsche Kritik am zunehmend konsumorientierten Kunstmarkt.


1983
Christo und Jeanne-Claude (*1935/*1935), Wrapped Reichstag - Project for Berlin, 1983
Pastell, Kohle, Kreide auf Papier, zweiteilig 39,5 x 165 cm, 108,5 x 165 cm B19830159 © Christo und Jeanne-Claude, New York

Die Verhüllung des Berliner Reichstags durch Christo und Jeanne-Claude im Sommer 1995 war zweifelsohne ein Ereignis von internationaler Bedeutung: Für den Zeitraum von zwei Wochen verschwand die Architektur des Gebäudes unter 100.000 Quadratmetern verschnürten Stoffbahnen. Erste „Verhüllungspläne” für ein öffentliches Gebäude hatten die Künstler bereits 1961 geschmiedet. Und nachdem sie den am Schnittpunkt von Ost und West gelegenen Berliner Reichstag zum ersten Mal auf einer Postkarte gesehen hatten, verknüpften sie die Idee mit der Architektur des geschichtsträchtigen Gebäudes. Bis zur tatsächlichen Verhüllung des Reichstages sollten jedoch mehr als zwanzig Jahre vergehen. In dieser Zeit besuchten Christo und Jeanne-Claude Deutschland 54-mal und führten mit 352 Bundestagsabgeordneten Gespräche, um für ihr „Project for Berlin” zu werben. Am 25. Februar 1995 war es endlich so weit: Der Bundestag stimmte den Plänen des „Verhüllten Reichstags” zu. Die zweiteilige Zeichnung von 1983 zählt zu den seit 1971 entstandenen Entwürfen, deren Vermarktung das Projekt finanzierte. Sie dokumentiert detailgetreu die Vorbereitung auf das temporäre Ereignis. Mit Grund- und Aufrissen liefert Christo eine exakte Topografie. Ausgearbeitet sind auch der Faltenwurf, die Verknüpfung der Stricke und die Drapierung der Stoffbahnen, die das historische Bauwerk auf ein minimalistisch wirkendes Objekt reduzierten.


1982
Richard Artschwager (*1924), Volcano VI, 1982
Kohle auf Bütten 64,1 x 48,3 cm K20000156 © Richard Artschwager, New York

Der Boden bebt, ein Vulkan spuckt, die Welt ist aus den Fugen. Schon Richard Artschwagers erste Ausstellung, 1959 in New York, zeigte Natur als Alphabet ironischer Distanz und Maßstäblichkeit. Einem der Kritiker gefiel die Ausstellung besonders: Donald Judd, damals beim Kunstmagazin „Art News“, beeindruckten die Aquarelle und Bilder nach Landschaften des amerikanischen Südwestens durch ihre scheinbare Auflösung von Sujet und Raum. Die Wahrnehmung aus ihrer Alltagsroutine zu locken ist bis heute das Ziel Artschwagers.
Der Zufall führte ihn zur Kunst. Er begann als rasender Babyfotograf in New York und studierte später in der Klasse Amadée Ozenfants. Seitdem entstanden sorgsam kalkulierte Arrangements und Möbel-Objekte, die sowohl den Gegenstand und seine Bedeutung, als auch die Freiheit der Kunst analysierten. Als Meister der visuellen Täuschung überraschte Artschwager aber auch die Kollegen im Bekanntenkreis, wenn er etwa bei Ausstellungseröffnungen im dunklen Anzug den unscheinbaren Banker spielte, den niemand kannte. Auch hier erfuhr der Betrachter den Raum als ein Gewebe aus schnell wechselnden Distanzen und Maßstäben, den er jedoch wie im abgebildeten Vulkan schnell zu einem Raummodell konzeptueller Provokation zu verbinden vermag.


1981
Felix Droese (*1950), Ohne Titel, 1981
Lackfarbe und Tusche auf Papier 41 x 36 cm K19840634 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Bis heute ist er sozial engagiert und auch politisch aktiv. Der Künster Felix Droese entwickelte früh Papierschnitte und Collagen. 1981 gab er die langjährige Nebentätigkeit als Landschafts- und Friedhofsgärtner auf, um ganz als freischaffender Künstler zu arbeiten. Malend und zeichnend begann er, sowohl thematisch als auch mit dem Bildgrund zu experimentieren: Schreib- und Zeichenblätter, Packpapier und Kalenderblätter dienten ihm als Material. Droese sammelte Eindrücke aus seiner unmittelbaren Umgebung, aus seinem gesellschaftlichen Alltag und aus der Tagespolitik. Viele seiner Arbeiten erinnern an Beuys. Und auch er selbst wich diesem Vergleich nie aus, hatten ihn doch der Düsseldorfer und sein Umfeld stark beeindruckt. Später fiel die Auseinandersetzung mit religiöser Ikonografie bei Droese auf fruchtbaren Boden. Der Sohn eines altkatholischen Pfarrers nutzte die expressive, christliche Symbolik, um, wie in den achtziger Jahren wieder aktuell, Kulthaftes darzustellen. Himmel und Erde, Wasser und Feuer sind so Bestandteile der Natur, in die der Mensch stark verwoben erscheint.


1980
Rainer Fetting (*1949), Van Gogh - Rückkehr der Giganten, 1980
Acryl und Kohle auf Papier 79,6 x 59,8 cm K19891207 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Acryl und Schon als Schüler hatten Rainer Fetting die Maler des deutschen Expressionismus und der „Brücke“ fasziniert. Abbildungen von Gemälden fand er in der Bibliothek seines Vaters. Doch erst Vincent van Gogh sollte Auslöser seines ersten Schlüsselwerks werden: „Damals wollte ich eine Figur in Bewegung malen. Und da fiel mir die Mauer, Starre vom Inhaltlichen her ein und dazu eine bewegte Figur. Zu der Zeit habe ich gerade diese Briefe von van Gogh an den Bruder gelesen und saß so da, mit einer Flasche Rotwein. Und dann kommen einem so Assoziationen. Und dann habe ich gesehen: Das könnte van Gogh sein!“ 1978 entsteht auf dem Papier erstmals der Vater der Moderne. Ihm folgte die umfangreiche Serie, die unter anderem die künstlerischen Giganten Vincent van Gogh und Paul Gauguin verband. Auf der Suche nach der größtmöglichen emotionalen Energie eines Bildes, versetzte auch Fetting selbst sich in die Rolle der Helden und griff auf expressive Tradition, besonders in der Farbigkeit, zurück. Dennoch wirkten seine Bilder nicht wie das bemühte Verlängern einer vorgegebenen Malereigeschichte, sondern eher wie ein Leermalen expressiver Haltung. Und so erscheinen die Giganten wie frisch aus dem Westernsaloon, sind nur noch ironische Anspielung auf den nachhaltigen Einfluss, den sie als „Vollblutkünstler“ auf die nachfolgende Künstlergeneration ausübten, und stehen für ein Engagement, das es in der heutigen Kunstszene, so Fetting, längst nicht mehr gibt.


1979
Dieter Krieg (*1937), Ohne Titel, aus Reihe ´Fritten´, 1979
Acryl auf Papier 44 x 112 cm K19880108 © Dieter Krieg, Bergheim

Ein Museumsaufseher erhält den Deutschen Kunstpreis der Jugend. So könnte die Geschichte beginnen, die sich 1966 in der Kunsthalle Baden-Baden zutrug. Dort jobbte der Maler Dieter Krieg, meist mit einem Buch in der Hand, und studierte gleichzeitig bei HAP Grieshaber und Herbert Kitzel an der Karlsruher Akademie. Gut zehn Jahre später erweisen sich die ungestümen, farbgewaltigen und pastosen Bilder als die eines Einzelgängers. Krieg zählt nicht zur Szene der „Heftigen Malerei“, seine Bilder lassen sich nicht für einen bestimmten Kontext vereinnahmen, die eher zurückhaltende und verschlossene Person des Malers auch nicht. Eigentlich kein guter Einstieg, um ins Gespräch zu kommen. Doch als sich 1999 Krieg und der langjährig die Bank in Kunstdingen beratende Klaus Gallwitz zum Künstlergespräch in der Frankfurter Bank-Etage des Künstlers treffen, ist der Andrang groß: Bei einem Schluck Wein und Brezeln lässt sich leichter nach Fritten, alten Matratzen, Fleischklumpen und anderem Unverständlichen fragen. Wieso und warum fühle ich mich nur so auf den Arm genommen, lauten die Fragen. Doch Krieg beweist auch hier überzeugend die Auffassung, dass der Maler weniger gehört und gesehen als vielmehr durch seine Bilder erlebt werden sollte. Und so besteht am Ende des Treffens Einigkeit über die sinnliche und herausfordernde Präsenz seiner Werke, deren berauschte Eruptionen sie einmalig und unwiederholbar erscheinen lässt.


1978
Anselm Kiefer (*1945), Wege der Weltweisheit: die Hermanns-Schlacht, 1978
Collage; Holzschnitt; Acryl und Schellack auf Papier 215 x 340 cm K19850801 © Anselm Kiefer, Barjac

Hermann der Cherusker, Carl Maria von Weber, Alfred Krupp und Martin Heidegger – vier historische Figuren, wie sie unterschiedlicher kaum sein könnten. Vereint mit dem Cheruskerfürsten, dem Komponisten, dem Industriellen und dem Philosophen erscheinen in der düsteren Porträtgalerie Kiefers deutsche Dichter wie Heinrich von Kleist aber auch Militaristen wie Albrecht von Roon. Mit den Holzschnitt-Porträts, die rund um ein loderndes Feuer gruppiert und von einem Netz aus schwarzer Farbe überzogen sind, zeichnet Kiefer eine seiner „deutschen Landschaften“ und setzt sich hier nicht topografisch, sondern historisch mit deutschen Mythen und Symbolen und deren Geschichte auseinander.
Die zentrale Gestalt ist der Cheruskerfürst Arminius, der in einer sagenumwobenen Schlacht im Jahre 9 n. Chr. im Teutoburger Wald die römischen Armeen besiegte und schließlich seit dem 18. Jahrhundert als Hermann der Cherusker zum deutschen Identitätsstifter avancierte. Gemeinsam ist allen versammelten Figuren ihr Bezug zur Ideologie des Dritten Reichs: Sie wurden von der nationalsozialistischen Propaganda vereinnahmt, missbraucht oder aber dienten ihr bewusst. Der Hermann-Mythos erweist sich hier als prototypisches Beispiel der Dienstbarmachung eines nationalen Mythos zur Legitimation politischer Herrschaft. In der Zusammenführung der unterschiedlichen Figuren veranschaulicht Kiefer eine Genealogie des deutschen Dichtens und Denkens, der Wege und Abwege der Weltweisheit.


1977
Entalura Nangala (*1929), Ohne Titel, um 1977
Acryl auf Leinwand 150 x 185 cm K19871124 © Künstler und berechtigte Erben

Versetzen Sie sich in einen Walkabout. Finden Sie im Land der Aborigines Ihren Weg ohne Kompass und Karte. Vielleicht hilft Ihnen das komplexe Bezugssystem des Australiers Entalura Nangala, das zunächst wie ein kostbares aus Perlen zusammengesetztes Kunsthandwerk erscheint. Erst auf den zweiten Blick offenbart es sich als ein Tjukurrpa, ein „Dreaming”. Vermutlich in der australischen Papunya-Wüste entstanden, verbindet das Acrylgemälde reale und geistige Landschaften. Sein Inhalt ist sakral und geheim und nur Initiierten und Wissenden bekannt. Tjukurrpas, das soll hier nicht verheimlicht werden, sind eine ökonomische Ressource für die Künstlerinnen und Künstler – oft die Einzige. Sie verzeichnen Ereignisse aus Vergangenheit und Gegenwart. Ihre Formen und Muster sind nicht lexigrafisch aufzählbar oder zu erklären. Ein und derselbe konzentrische Kreis kann eine Quelle, ein Felsloch, oder ein Lager, aber auch Spirituelles bedeuten. Dabei mischt sich die Geschichte, die das Ahnenwesen überlieferte, mit der realen Situation. In religiösen Zeremonien werden die Handlungen und Wanderungen der Ahnen durch Gesänge, Tänze, Bodeninstallationen oder Sandbilder belebt. Diese Geschichten und Liedzyklen enthalten all das Wissen über Tiere, Pflanzen und Nahrung, über Medizin und über die Moral. Sie dienen der Wissensvermittlung wie auch der Geschichtsschreibung und besitzen bis heute praktische Bedeutung, zum Beispiel für die Suche nach Wasser oder die Orientierung in der Wüste. Auch Nangalas Tjukurrpa verknüpft auf diese Weise Erkenntnis und Sein.


1976
Jörg Immendorff (*1945), Roter Raum I, 1976
Aquarell und Bleistift auf Papier 22,2 x 32,6 cm K19860790 © Jörg Immendorff, Düsseldorf

„Wer nicht denkt, fliegt raus”, warnte Joseph Beuys seine Düsseldorfer Studenten in den sechziger Jahren. Student Jörg Immendorff zählte zu denen, die sich das zu Herzen nahmen, und entwickelte einen Stil, der Kunst als aktiven Beitrag zur Gesellschaftsgestaltung begriff.
Stets vertrat er dabei lautstark eine revolutionäre, linksradikale Haltung, die 1976 durch die Begegnung mit dem damaligen DDR-Künstler A. R. Penck entscheidende Bestätigung erfuhr: Immendorff widmete sich nun politischen und menschlichen Fragen des geteilten Deutschlands, die Darstellung des Raums erhielt neue Bedeutung. Immendorff schilderte gesellschaftliche Zustände und Phänomene sowie soziale Dimensionen. Traditionelle Symbole und Metaphern erweiterte er durch neue, politisch orientierte Sinnzusammenhänge. Mit dem Fall der Mauer sah der Künstler sich nur kuzzeitig ohne Motiv. Heute bestimmen keine kommunistischen Ikonen wie etwa Mao-Tse-Tung seine Werke mehr. Denn Immendorffs Kritik an Politik und Gesellschaft wich einer gemäßigten Betrachtung der Umgebung und Pragmatik, die bis zur Werbung in eigener Person für eine große Modemarke führte.


1975
Rebecca Horn (*1944), Paradieswitwe, 1975
Blei- und Farbstift auf Papier 59,5 x 84 cm K19910106 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Als Vorzeichnung zur Installation „Paradieswitwe” skizzierte Rebecca Horn 1975 gleichnamige Dame auch auf dem Papier: Zur Komposition zählten außerdem ein 16-mm-Farbfilm und eine Videoinstallation, die die flügelartig ausspreizenden Bewegungen des Federmantels und den im Off-Ton gesprochenen Tagebuchtext dokumentierten. Fünf weitere Vorzeichnungen befinden sich heute im Besitz der Künstlerin und auch sie berichten von der Suche nach verborgenen Energien, dem Reiz der Erotik, ihrer Flüchtigkeit und ihrer Gefahr. Seit über fünfundzwanzig Jahren sind Horns geheime Wünsche, ihre Widersprüche und persönlichen Erlebnisse Motiv und Motor ihrer Arbeit: „Um die Menschen aus ihrer Lethargie aufzuwecken, muss man sie schütteln”, beschrieb die Künstlerin den Antrieb für ihre kinetischen Skulpturen. Großen Erfolg hatte sie früh in den USA. Dort herrschte „eine ungeheure Aufbruchstimmung”, Body-Art und Performance waren viel weiter entwickelt als in Europa, Künstler eroberten neue Medien und entdeckten die Natur als Kunstraum. Rebecca Horn genoss den regen Austausch: „SoHo war wie eine Familie.” Neun Jahre lebte sie dort, heute ist sie längst zurück, im Berliner Charlottenburg, im abgelegenen Odenwälder Atelier, in der Pariser Wohnung oder auf Reisen. Auch in der New Yorker Zeit half nur Reisen gegen das Heimweh, und so entstand in Berlin 1975 das zwei Meter hohe, einer Frau Schutz bietende, Gestell der „Paradieswitwe” mit seinen schwarzen Hahnenfedern, begleitet von den Gedanken an einen Freund im fernen Manhattan.


1974
Markus Lüpertz (*1941), Drei Eicheln und Schaufel, 1974
Pastellkreide auf Packpapier 60 x 80 cm K19870937 © Markus Lüpertz, Düsseldorf

Umgeben von schönen Frauen, edlen Stoffen, extravaganter Kleidung und schnellen Autos – so könnte man sich einen modernen Dionysos vorstellen. In Wirklichkeit handelt es sich aber um Markus Lüpertz. Der griechische Gott und der in Böhmen geborene Künstler haben einiges gemein. So veröffentlichte Lüpertz, der nach seinem Studium an der Werkkunstschule in Krefeld auch durch die berühmte Düsseldorfer Schule ging, 1966 das Manifest der „dithyrambischen Malerei”. Dithyrambe wiederum ist die Bezeichnung für das kultische Weihelied, für den Lobgesang der Bacchantinnen an ihren Gott Dionysos. Hinter dieser Metapher steckte aber auch die Anspielung auf ausschweifende Lebenslust und figurative Bildzeichen. Und so erlebten Motive, die der Maler aus ihrem Bedeutungszusammenhang isolierte, neue Präsenz und künstlerische Wiedergeburt, die der mystischen Doppelgeburt des Weingottes nicht unähnlich waren. Die von Lüpertz gewählten Objekte, wie Schaufel, Eichel, Helm oder Ähre waren kulturgeschichtlich nicht unbelastet, und dass er die inhaltliche Demontage deutscher Symbole in einer Zeit wählte, in der Deutschland von terroristischen Anschlägen erschüttert wurde, war mehr als provokativ. Die Anregung für das stilllebenhafte Arrangement kam jedoch durch einen längeren Italienaufenthalt, während dessen sich der Maler intensiv mit der deutschen Vergangenheit auseinandersetzte. Die suggestive Gestaltung der emotional belasteten Symbolik erreichte ihr Ziel: Lüpertz machte sich – stark umstritten – einen Namen.


1973
Jürgen Klauke (*1943), Eine Ewigkeit ein Lächeln
Fotografie, neunteilig je 34 x 50 cm K19860884 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Jürgen Klauke inszeniert sich selbst. Sein künstlerisches Material ist die eigene Person, der eigene Körper. In den frühen siebziger Jahren, bevor „Selbsterfahrung“ zum Allgemeinplatz wurde, begann er sich als Individuum in den Mittelpunkt und wie kaum ein anderer Künstler zur Schau zu stellen. Hatte er zunächst tägliche Beobachtungen und Fantasien – wie zur Selbstvergewisserung – akribisch in Tagebuchzeichnungen und -notizen festgehalten, wurde er nun vor der Kamera und auf der Bühne zum androgynen Performer, der vor allem Klischees der Sexualität auf drastische Weise demontierte.
In der Fotoserie „Eine Ewigkeit ein Lächeln“ bewegt sich Klauke als grell geschminkte Diva in der Grauzone zwischen den Geschlechtern und durchspielt gleichzeitig einen Bilderbogen der Emotionen: vom lasziven Lächeln über einen angewiderten Ausdruck zum ekstatischen Schrei und zurück zum gelösten Grinsen. Klaukes exaltierte Selbstdarstellungen funktionieren wie ein Zerrspiegel: Durch die Übertreibung gewinnen die anhand der Künstlerperson präsentierten Gefühle, Rituale und Klischees eine Deutlichkeit, die beunruhigt und verstört. Dass Klauke nicht verlernt hat, ein Publikum in seinen Bann zu ziehen, bewies er während eines Künstlergesprächs in der Deutschen Bank: Fast zwei Stunden lang faszinierte er seine Zuhörer vor seinen in Frankfurt platzierten Werken.


1972
Carlfriedrich Claus (1930-1998), Ohne Titel, 1972
Tusche und Farbstift auf beidseitig bezeichnetem Transparentpapier 10,5 x 13,2 cm K19920009 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

In der Kunstlandschaft der ehemaligen DDR nahm Carlfriedrich Claus, 1940 in Annaberg geboren, eine Sonderposition ein. Im Gegensatz zu den meisten seiner Zeitgenossen gelang es ihm, unbeeinflusst vom Sozialistischen Realismus seine eigenwillige künstlerische Produktion im Grenzbereich zwischen bildender Kunst und Dichtung anzusiedeln. 1951 begann Claus seine künstlerische Entwicklung mit Versuchen zur experimentellen Poesie. Nebenbei schrieb er Theater- und Kunstkritiken. Mit seinen Lautgedichten, Sprachblättern und Klang-Gebilden knüpfte Claus Kontakte zu anderen „Visuellen Poeten“ und fand so Anschluss an die internationale Avantgarde.
Dem westdeutschen Publikum wurden einzelne Werke des Künstlers erstmals im Rahmen der 1960 von dem Literaten Franz Mon in Frankfurt am Main realisierten Dokumentation „Movens” und der 1961 in Wuppertal präsentierten Schau „Konkrete Poesie” zugänglich. Der regen Beteiligung an Gruppenausstellungen im Ausland stand jedoch die verhaltene Rezeption im eigenen Land gegenüber. Bis weit in die siebziger Jahre hinein blieb sein Werk in der ehemaligen DDR nur einem kleinen Kreis von Freunden vorbehalten: Die erste Einzelausstellung fand im Hause des befreundeten Musikwissenschaftlers Dr. Hans Grüß statt, dem Claus auch die abgebildete Zeichnung widmete.


1971
Robert Rauschenberg (*1925), Star Quarters, Panel no. III, 1971
Siebdruck auf spiegelbeschichtetem Plexiglas 121,5 x 121,5 cm K19790008 © Robert Rauschenberg / VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Mit dem tragischen Tod dreier Kosmonauten endete im Juni 1971 das sowjetische Raumfahrtunternehmen „Sojus 11“. Nur zwei Jahre zuvor waren die Amerikaner mit der berühmten „Apollo 11“ glücklich auf dem Mond gelandet. Die Sterne bewegten die Menschheit wie selten zuvor. „Star Quarters“ nannte Robert Rauschenberg ein vierteiliges Multiple, zu dem das hier gezeigte Werk zählt. Neben den bekannten Sternzeichen tummeln sich am Himmelskreis der Dürerhase, eine Turmspringerin, ein Hund oder auch Muhammad Ali, der am 9. März im „Kampf des Jahrhunderts“ dem zukünftigen Boxweltmeister Joe Frazier unterlag. „Malerei hängt mit Kunst ebenso wie mit dem Leben zusammen. Weder das eine noch das andere ist fabrizierbar. Ich versuche mich im Zwischenraum zwischen beiden zu betätigen“, erklärte der Pop-Art-Künstler solche ironisch-aktuellen Überschneidungen in seinem Schaffen. Die Sternenbilder sind als Fortführung von Rauschenbergs „Combine-Paintings“, in denen er reale Objekte mit malerischen Motiven kombinierte, zu sehen. In den „Star Quarters“ verfolgte der Amerikaner aber nicht nur die Zusammenführung von Kunst und Realität. Rauschenberg erzeugte mit der hier angewandten Technik – per Siebdruck trug er Fotovorlagen auf Tafeln aus verspiegeltem Plexiglas auf – einen Effekt, der ihn schon lange faszinierte und für den sich wohl kaum ein besseres Motiv als das leuchtende Firmament finden lässt.


1970
Blinky Palermo (1943-1977), 4 Prototypen, 1970
Siebdruck auf Karton, vierteilig je 65 x 65 cm K19870686 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Zwei Dreiecke, Oval und Quadrat – als Prototypen oder, im technischen Sinne, Muster bezeichnete Blinky Palermo diese geometrischen Grundformen, die sein Werk von Ende der sechziger bis Mitte der siebziger Jahre wesentlich bestimmten. Jeder Form schien eine Farbe zugeordnet, für deren druckgrafische Wiedergabe Palermo den Siebdruck wählte, da jener die Gestaltung einer absolut homogenen, geschlossenen Farbfläche ermöglicht.
In der 1970 entstandenen Grafik-Mappe fasste Palermo dieses Formenvokabular zusammen und setzte es in Beziehung. Wie in den Ausstellungen, die der Künstler selbst einrichtete, ist nicht nur die Wirkung der einzelnen Arbeit von Bedeutung, sondern diese korrespondiert auch mit den anderen Werken und dem Raum selbst. Als Ganzes bilden die „4 Prototypen“ wiederum, trotz ihrer jeweiligen Autonomie, eine harmonische Einheit, eine poetische Zeile aus geheimnisvollen Metaphern.


1969
Georg Baselitz (*1938), Der Hochstein, 1969
Tusche, Ölkreide und Bleistift auf Papier 57 x 43 cm K19920822 © 2000 Georg Baselitz

Figurativ oder abstrakt? Dazwischen schien es nichts zu geben, nur Schwarz oder Weiß – keine Grautöne. Trotzig war der unter dem Künstlernamen Georg Baselitz arbeitende Maler Hans Georg Kern von Ost nach West gewechselt und hatte in Berlin eine gegenständliche Figuration entwickelt. Die Frakturen und Deformationen seiner Motive führten schließlich bis zum „Kopfstand”, der die Bildinhalte als belanglos relativierte. Baselitz versuchte sich auf die Bedeutung des Malprozesses zu konzentrieren und nicht in der aktuellen „nebulösen Emotionalität tachistischer Manier” zu verlieren. 1969, im Jahr als die Motive erstmals Kopf standen, zeichnete er auch den Hügel des Hochsteins. Nordöstlich von Dresden, nicht weit von seinem Geburtsort Deutschbaselitz gelegen, dokumentierte das Sujet noch immer Interesse für die heimatliche Landschaft. Die Auseinandersetzung mit der vertrauten Umgebung geschah jedoch aus Distanz: Nicht nur, dass der Maler die Natur auf den Kopf stellte, er leitete sie zudem von der Reproduktion einer Heimatzeitschrift ab, denn „niemals hat das Naturstudium oder das Schönschreiben wirklich neue Ergebnisse gebracht. Ich glaube nicht, dass man durch besseres Hinsehen noch bessere Bilder malen kann, als die, die es schon gibt.” So ist auch „Der Hochstein” kein Ausdruck eines persönlichen Seherlebnisses, sondern vielmehr – inhaltlich unerheblich – Auslöser von Malerei und Zeichnung an sich.


1968
Sigmar Polke (*1941), Ohne Titel, 1968
Aquarell auf Papier 70,3 x 100,2 cm K19910254 © Sigmar Polke, Köln

1968 – ein Jahr, das legendär werden sollte. Im Rückblick steht es für eine ganze Generation, die gegen eine verkrustete Gesellschaft rebellierte. Experimente sollten das Leben in allen Bereichen – von der Politik bis hinein in die Keimzelle der Gesellschaft: die Familie – auf den Kopf stellen. Viele dieser Experimente haben das Versuchsstadium überlebt und zählen inzwischen zum Selbstverständnis der heutigen Gesellschaft. 1968 – Sigmar Polke zeichnet mit Aquarell ein schwarzes Gitternetz auf Papier und füllt drei der Waben mit je einem Pinselstrich in pastelligem Rosé, Gelb und Grün. Eine lapidare Geste des Künstlers im Elfenbeinturm, den die Wogen der gesellschaftlichen Auseinandersetzungen unberührt lassen? Im Gegenteil: Schon in den frühen sechziger Jahren, als er mit Gerhard Richter den „Kapitalistischen Realismus“ als deutsche Spielart der Pop-Art begründete, hatte Polke sich eine subtile, oft humorige Kritik am bürgerlichen Mief der Nachkriegsgesellschaft auf die Fahnen geschrieben. Die drei Waben entwickelte er, wie er bei einem Atelierbesuch erläuterte, als Kompositionsmuster, das sich in feiner Ironie auf zeitgemäße Dekorationsstoffe, etwa Gardinen oder Tischdecken bezieht. Dieselben Stoffe nutzte er übrigens – immer mit dem Schalk im Nacken – als Malgrund für viele seiner großformatigen Gemälde. Die Zeichnung von 1968 bildet somit ein Konzentrat des ironischen Spiels mit kleinbürgerlicher Ästhetik.


1967
Uwe Lausen (1941-1970), Ich bin´s nur, Euer Sohn, 1967
Farbstift auf Papier 43 x 61 cm K19850262 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Uwe Lausen – ein Genie, das am Leben zerbricht. In Gemälden und Zeichnungen, aber auch in Texten und Musik setzte er sich immer wieder mit seinen Ängsten und Depressionen auseinander: „beim malen verwandelte sich meine depression in aggression, nur so konnte sie sich äußern.“ Nie sah er sich als Individuum vom Kontext der Gesellschaft gelöst, vielmehr erlebte er die politischen und sozialen Bewegungen und Umbrüche der sechziger Jahre intensiv mit. Als Lausen 1970 den Freitod als letzten Ausweg aus seiner manisch-depressiven, vom Drogenkonsum gezeichneten Existenz wählt, hinterlässt er ein künstlerisches OEuvre, das sowohl seinen täglichen inneren Kampf als auch die gesellschaftlichen und künstlerischen Phänomene seiner Zeit spiegelt. „Ich bin’s nur, Euer Sohn“ – eine traumatische Szene dokumentiert dies eindrucksvoll. An der Schwelle zur Erwachsenenwelt eröffnet sich Gespenstisches: Eine übermächtige Vaterfigur, die mit entblößtem Genital den unerwünschten Besucher aus dem Raum weist. Die Mutter dagegen als liegende, gesichtslose Körpermasse umgibt nur die durch Gerinnsel und Tropfen unterbrochene Leere. Für seine zeichnerische Vergangenheitsbewältigung bedient sich Lausen der drastischen Formensprache Francis Bacons, um zugleich eine von der Pop-Art inspirierte Comic-Szene zu schaffen. Sein individueller, malerischer Impetus scheint dabei subtil die „Wilde Malerei“ der späten siebziger Jahre vorwegzunehmen und lässt ihn so – auch in dieser Hinsicht – zur Ausnahmeerscheinung werden.


1966
Peter Roehr (1944-1968), OB-57, 1966
Collage; Lochkarten auf Papier 74 x 75 cm K19850591 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Gestapelte Monitore, über die das gleiche Programm flimmert – heute Realität in Fußgängerzonen, wo in Schaufenstern auf allen Bildschirmen der gleiche Musiksender läuft. 1965 blieb dies für den jungen Künstler Peter Roehr nur ein Traum, den er aus Geldmangel nie künstlerisch realisieren konnte. Die heute alltägliche Umsetzung seiner Idee erlebte der Künstler nicht mehr, verstarb er doch 1968 nach schwerer Krankheit mit nur 24 Jahren. Roehr war seit seiner Ausbildung zum Leuchtreklame- und Schilderhersteller mit der visuellen Sprache der Werbung vertraut. Ein Studium der Malerei an der Wiesbadener Werkkunstschule beendete er zwar als Meisterschüler, jedoch ohne großen Enthusiasmus. Schlüsselerlebnis seiner sich alltäglicher Materialien bedienenden Kunst sollte ein regelmäßig mit gleichen Plakaten beklebter Bauzaun in Mailand liefern, den er 1963 bei einer Italienreise entdeckte. Die Idee, in Montagen Dinge seriell zu reihen, setzte er zuerst in der künstlerischen Handschrift entbehrenden „Typomontagen” ein: Mit der Schreib- oder Rechenmaschine tippte Roehr in endloser Wiederholung einen Buchstaben, ein Wort oder eine Zahl neben- und untereinander. Ab 1964 konzentrierte er sich auf „Objektmontagen”, für die er Streichholzschachteln, Paketaufkleber oder Lochkarten zu seriellen Bildern komponierte. Auch Ton-und Filmmontagen entstanden in der Folgezeit, doch blieb Roehr unter seinen Zeitgenossen weithin verkannt. Eine einzige den Künstler befriedigende Ausstellung fand 1967 bei Adam Seide in Frankfurt statt.


1965
Gerhard Richter (*1932), Kahnfahrt, 1965
Öl auf Leinwand 150 x 190 cm K19810056 © Gerhard Richter, Köln

Als Fotolaborant, Plakat- und Bühnenmaler begann er. Später wechselte er an die Düsseldorfer Akademie. Doch ein Neuanfang war Gerhard Richter nur durch die Vernichtung seines gesamten bisherigen Werks möglich. Nach dem Studium begann er zunächst so genannte „Fotobilder” zu malen. Raffiniert manipulierte der Dresdner fotografische Vorlagen aus Zeitschriften, Werbung und eigene Amateuraufnahmen. In der Abbildung trivialer Alltagsobjekte und der täglichen Bilderflut faszinierte Richter vor allem das vorgegebene Motiv. „Malen zu können, was Spaß macht”, bedeutete ihm neue künstlerische Freiheit. Auch für die historisch anmutende „Kahnfahrt” projizierte er die ausgewählte Fotovorlage auf die Leinwand und verschleierte sie anschließend mit lasierender Ölfarbe. Das verschwommene Bild irritiert, denn die fotografische Sehkonvention ist von der Nähe zur Realität geprägt. Doch Unschärfe hinterfragt auch die Wahrnehmung, denn „was wir als Unschärfe bezeichnen, ist Ungenauigkeit, und das heißt Anderssein im Vergleich zum dargestellten Gegenstand. Wie sollte zum Beispiel Farbe auf Leinwand unscharf sein können?” Dass Fotografie mehr als ein unverfälschtes Abbild der Wirklichkeit und Malerei nicht allein Bedeutungsträger ist, hatte Richter damit zumindest glaubhaft belegt.


1964
Marcel Broodthaers (1924-1976), La faute d´orthographe (mea culpa), 1964
Offset auf Papier 45 x 60,5 cm K19922317 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Seine literarischen Vorbilder waren Charles Baudelaire, Edgar Allan Poe und Stephane Mallarmé. Durch das Eindringen des Wortes in die Welt des Bildes forderte Marcel Broodthaers Freiheit und Unabhängigkeit. Anregungen von Duchamp, Magritte und dem kritisch bewunderten Joseph Beuys verarbeitend, formulierte er bildnerische Einheiten, die trotz ihrer Provokation immer Bezug zur Realität, zum gesellschaftlichen Leben und aktuellen Zeitgeschehen behielten. Als Broodthaers 1964 nach zwanzigjähriger sprachlicher Periode sein Debüt als plastischer Künstler in einer ersten Ausstellung gab, wurde schnell deutlich, dass er Poet und das Wort sein Instrument geblieben war. Den nie wirklich vollzogenen Abschied von der Literatur und den Beginn seiner Arbeit als bildender Künstler markiert auch die erste druckgrafische Edition, der „Rechtschreibefehler (La Faute d’orthographe)“ von 1964, die auf dem Bestellformular der Brüsseler Galerie Smith basierte. Mit dem Formular verpflichtete sich ein fiktiver Käufer, die Edition von Broodthaers zu kaufen. Doch was passiert, wenn ein solcher Vertrag einen Fehler beinhaltet, einen Fehler, der die Identität des Künstlers in Frage stellt? Wer haftet? Künstler, Galerist, Besucher oder der Leser? Der Dichter in der Rolle des bildenden Künstlers stellte dem Irrationalen auch hier in scheinbar aussichtsloser Lage seine bildnerischen Zeichen entgegen und betrieb Erziehung durch Vorbild. Denn Kunst war ihm Moral und eine praktische Dimension der Philosophie der Tat.


1963
Eva Hesse (1936-1970), Ohne Titel, 1963
Gouache, Aquarell und Bleistift auf Papier 55,8 x 76,2 cm K19961587 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

1963, im Jahr ihrer ersten Einzelausstellung in der New Yorker Allan Stone Gallery, arbeitet Eva Hesse an nervösen, spannungsgeladenen Zeichnungen. Wohin die Energie strömt, bleibt offen. Das intensiv malerische und zeichnerische Werk formuliert bereits früh, was zur herausragenden Qualität der Arbeit wird: das Aufbrechen ästhetischer Einheit. „Sie hatten wilden Raum”, schrieb Hesse etwa Sol LeWitt über ihre Zeichnungen von 1963, „die formalen Prinzipien sind verständlich und verstanden. Es ist die unbekannte Größe, von der ich ausgehen und zu der ich gelangen will.” 1964 begleitet die Künstlerin ihren Mann, den Bildhauer Tom Doyle, in ihr Herkunftsland Deutschland. Dort hatte der Textilfabrikant F. Arnhard Scheidt Doyle Atelierräume zur Verfügung gestellt, doch für Hesse führt die Reise zur Krise. Ihre Empfindungen angesichts der Rückkehr in die Heimat sind gemischt, die Probleme im persönlichen und künstlerischen Bereich verstärken sich. Erst 1965 entdeckt Hesse, noch in Deutschland, für ihre Kunst neue Materialien: Mit Latex, Fiberglas, Kunststoff und Gummi erlangt sie in raumgreifenden Installationen den künstlerischen Durchbruch. Daran mag auch die tragische, später mystisch verklärte Lebensgeschichte der Künstlerin ihren Anteil haben, denn Hesse, die mit ihrer jüdischen Familie als Dreijährige von Hamburg über Amsterdam nach New York emigrierte, erlebte als Zehnjährige den Selbstmord der Mutter. Erst 34 Jahre alt, starb sie 1970 an einem Gehirntumor.


1962
Eugen Schönebeck (*1936), Ohne Titel, 1962
Tusche auf Papier 29,5 x 21 cm K19891296 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000
Kurz und heftig erscheint die Zeit, in der der Dresdner Eugen Schönebeck etwa 27 Gemälde und 500 Zeichnungen in die Welt setzte. Eine Zahl, um die sich bis heute Geschichten ranken – wie um das ganze Leben Schönebecks. In einem Abrisshaus in Berlin stellte er 1961 gemeinsam mit seinem damaligen Künstler-Freund Georg Baselitz erstmals öffentlich aus. Die beiden hatten sich als Studenten in Berlin kennengelernt und fühlten sich vor allem durch einen revolutionären Geist verbunden. In einer Zeit, in der das Informel die Kunstszene beherrschte, entwickelten beide figurative Elemente und die gemeinsame Streitschrift „1. Pandämonisches Manifest”. Auch an die aufkommende Pop-Art gab Schönebeck seine Absage und ließ gnomenhafte Figuren, hässliche Fratzen sowie Ekel erregende Kreaturen in seine Zeichnungen einschleichen. Der flüchtig-spontane wie auch düster-depressive Charakter seiner grotesken Formen wurde durch Tinte und Tusche noch verstärkt. Selbst die 68er-Revolution schien er vorzufühlen, denn Mitte der sechziger Jahre malte Schönebeck großflächige Porträts von Lenin, Trotzki und Mao. 1966 endete die Künstlerkarriere abrupt. Schönebeck hörte auf zu malen und zu zeichnen und ging als Briefsortierer zur Post. Nie äußerte er sich über die wirklichen Gründe und entrückte sich damit in verklärende, geheimnisumwitterte Sphären.

1961
Horst Antes (*1936), Ohne Titel, 1961
Acryl, Kreide, Kohle und Tusche auf Papier 30 x 21,5 cm K19931648 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Er zählt zu den ersten Vertretern der neuen Figuration. Selbstbewusst läutete er mit dem 1961 geborenen „Kopffüßler“ die Rückkehr zur künstlerischen Gegenständlichkeit ein: Nach fast zwei Jahrzehnten nationaler Sprachlosigkeit fand „Figur“ durch Horst Antes in Deutschland wieder eine Heimat. Wie es dazu kam? Anfang der sechziger Jahre begann der Künstler rituelle und alltägliche Objekte der nordamerikanischen Navaho und Hopi-Indianerstämme zu sammeln. Diese zu den Bedeutendsten in Europa zählende Kollektion inspirierte auch seine künstlerische Arbeit. Antes übernahm Ornamente, Artefakte und rhythmische Reihungen, doch die entscheidendste Einwirkung war wohl die Konzentration auf den Menschen als den Bewahrer der Erde. „Der Raum der abstrakten Malerei war für mich ein unlebendiger, unmenschlicher, unbewohnbarer Raum. Mir schwebte vor, einen wirklichen Raum zu machen, in dem man sich bewegen und existieren kann.” Ab den sechziger Jahren manifestierte sich diese Überzeugung im immer wiederkehrenden „Kopffüßler”. Eine Kunstfigur, nur aus Kopf und Fuß bestehend, aus Anfang und Ende, aus Oben und Unten. Auch wenn die frühen Bilder des HAP Grieshaber-Schülers noch deutlich durch den Einfluss des Informel gekennzeichnet waren – unscharfe, unruhige Konturen; das Gesicht ein fast undurchdringliches Farbfeld –, das wiederkehrende Kopf-Motiv im seitlichen Profil wurde bald zu seinem Markenzeichen.


1960
Gerhard Hoehme (1920-1989), Das Börsenblatt, 1960
Mischtechnik, Collage auf Papier 65 x 99,5 cm K19942343 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Der Markt steigt. Die Aktien fallen. Schicksal der Aktionäre und Tagesgeschäft der Bank. Doch den 31 Jahre alten Gerhard Hoehme interessierte dies kaum, als er aus der damaligen DDR nach Düsseldorf kam – im Gepäck einen Koffer und eine Rolle Gouachen. Mit neugierigem Blick beobachtete er die Konsumgesellschaft im westlichen Nachkriegsdeutschland. Die kritische Reflexion des Kapitalismus und seiner Auswirkungen drängen Parallelen zu Joseph Beuys auf. Auch Hoehme war im Zweiten Weltkrieg als Jagdflieger eingesetzt und bis 1946 Kriegsgefangener. Diese Zeit, die er mehr in der Luft als auf dem Boden verbrachte, prägte seinen Sinn für Perspektive. Mit dem Ziel, die innere Struktur der Gesellschaft zu durchdringen, überzog Hoehme Papier und Leinwand mit einer haptischen und collageähnlichen Malweise. Sie öffnete den Raum für Assoziationen und ließ ein Werk erst als vollständig gelten, wenn auch der Eindruck des Betrachters integriert war. Geistige Flexibilität bildete für Hoehme die Grundlage, um den Wechsel von Form, Farbe und Material zu erfassen. Auch für die Händler an der Börse sind Schnelligkeit und Reaktionsfähigkeit unentbehrlich.


1959
Bernd und Hilla Becher (*1931/*1934), Fachwerkhäuser, 1959
Fotografie, neunteilig 40 x 30,5 cm K19850192 © Bernd und Hilla Becher, Düsseldorf

Die Suche nach vergessenen, nicht beachteten Industriebauten führte das Paar durch Europa und Amerika. Monate-, wenn nicht jahrelang arbeitete es an Projekten, und begonnen hat all dies im Siegener Industriegebiet, etwa 100 km östlich von Köln zwischen Sauerland und Westerwald. Bernd und Hilla Becher sind seit mehr als dreißig Jahren ein Team; nicht nur ein weltberühmtes Fotografenpaar, sondern auch ein Ehepaar. Gemeinsam begannen die Bechers mit der Dokumentation der Ende des 19. Jahrhunderts gebauten Fachwerkhäuser im Siegerland und präsentierten diese in vergleichenden Typologien wie im Bilderrätsel. Unter Einhaltung gleich bleibender Bedingungen fixierten sie Frontalansichten in unverzerrter Perspektive und immer in Schwarzweiß. Bei möglichst wolkenlosem Himmel, ohne Schatten und in diffusem Licht stört weder Vegetation noch eine menschliche Figur das Sujet. Distanziert und zeitlos fokussiert das Künstlerpaar kulturelle und gesellschaftliche Strukturen, denn, das wusste auch schon Goethe: „Am schwersten fällt es uns, das zu sehen, was wir vor Augen haben.“


1958
Hans Uhlmann (1900-1975), Ohne Titel, 1958
Kohle und Kreide auf Karton 62,7 x 88 cm K19900644 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000
Ursprünglich Diplomingenieur im Elektromaschinenbau wechselte Hans Uhlmann 1926 als Dozent an die Berliner Technische Hochschule. Ausgehend von konstruktivistisch beeinflussten Draht- und Eisenblechplastiken schuf er dort bald Zeichnungen sowie bewegte und elastische Skulpturen. Uhlmanns Werk brachte eine in Deutschland stilbildende Formensprache hervor. Doch der Künstler, der nicht nur mit Flugblattaktionen für seine sozialistische Überzeugung kämpfte, wurde im Zweiten Weltkrieg von der Gestapo verhaftet und wegen Hochverrats zu anderthalb Jahren Gefängnis verurteilt. In der Berliner Haft begann er, auf kleinen Blättern Serien zu zeichnen und diese etwa im „Kleinen Verbrecher-Album, Ganoven und Schwerenöter, Hundert Tegeler Köpfe” zusammenzufassen. Erst ein Jahrzehnt nach seiner Entlassung sah er sich wieder in der Lage, seine Werke öffentlich zu präsentieren. 1947 zeigte unter noch provisorischen Umständen die inmitten der Trümmer des Kurfürstendamms neu gegründete Galerie Rosen eine erste Schau. 1958, im Entstehungsjahr der abgebildeten Zeichnung, erhielt Uhlmann den Auftrag für eine Messingskulptur des Technischen Überwachungsamts in Frankfurt am Main und für eine Skulptur auf dem Hansaplatz in Berlin. Das beide kennzeichnende Spiel mit Faltungen und Verschachtelungen entwickelte der Künstler zuvor in „Kreidezeichnungen geometrisch-konstruktiver Art“, die er als „freie Grafik“ und nicht als die üblichen so genannten „Bildhauerzeichnungen“ verstanden wissen wollte.

1957
Emil Schumacher (1912-1999), Für Berlin, 1957
Mischtechnik auf Leinwand 169 x 137 cm K19810031 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Ein Bild mit Geschichte. Schumacher hat das Gemälde für die 7. Ausstellung des Deutschen Künstlerbunds in Berlin von 1958 geschaffen. Ein Jahr später wurde es als Beitrag des Hagener Künstlers zur documenta II in Kassel ausgewählt. 1964 repräsentierte „Für Berlin” die sich dynamisch wiederbelebende deutsche Kunstszene in der Ausstellung „Deutsche Malerei heute” im Museum Boymans in Rotterdam. Mehrere Ausstellungen, darunter auch im Frankfurter Städel, folgten bis heute. Die Nachfrage ist begründet. „Für Berlin” ist ein typisches Beispiel für den Stil des Informel, der in den fünfziger Jahren vorherrschenden Kunstrichtung in Europa.
Emil Schumachers Gemälde weckt Assoziationen zu geografischen Strukturen und verwitterten Oberflächen. Pastose, wenig strahlende Farben überwiegen. Schraffuren und Strichkürzel bedecken ohne jede figürliche Assoziation, zufällig erscheinend wie Spuren der Zeit, die Leinwand. Im Jahr der Entstehung des Gemäldes schrieb Emil Schumacher: „Ich nehme eine Farbe wie ich in einen Apfel beiße oder einem Freund die Hand gebe. Ich reiße eine Linie zur Abwehr oder zum Angriff. Farben und durch die Farben innere Zustände – seit meiner Kindheit hat es mich nicht mehr losgelassen. Immer wieder male ich mein Bild. Das ist meine Aufgabe und meine Freude."


1956
Hermann Glöckner (1889-1987), Ohne Titel (Schwarze Dreiecke), 1956
Tempera auf Japanpapier 37,6 x 49,7 cm K19931417 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Die Kunst in den ehemals sozialistischen Staaten hatte der politischen Doktrin zu folgen. So auch in der früheren DDR, wo die Kulturpolitik den so genannten Sozialistischen Realismus propagierte und damit den gegenständlichen Stilrichtungen einen politisch motivierten Vorsprung verschaffte.
Als Hermann Glöckner nach dem Krieg als abstrakter Maler im sozialistischen Teil Deutschlands blieb, war seine Position fast aussichtslos. Seine erste größere Ausstellung, 1969 im Kupferstich-Kabinett in Dresden, war heftigen Angriffen seitens der Kunstdogmatiker des Sozialistischen Realismus ausgesetzt. Nur Glöckners hohes Alter schützte ihn vor massiven Attacken. Damals begann der Künstler, mehrere Komplexe parallel voranzutreiben. Collagen gewannen neue Bedeutung, desgleichen Monotypien und grafische Arbeiten – wie die Handdrucke und Faltungen der Siebdrucke. Seine durchgängig abstrakten Werke tendierten zur konkreten Kunst, wie auch die „Schwarzen Dreiecke“, die in Form und Farbe auf jede Üppigkeit verzichteten.


1955
Gerhard Altenbourg (1926-1989), Budenangst, 1955
Chinesische Tusche, Kreide und Aquarell auf Bütten 41,5 x 58,5 cm K19920990 © Nachlass Altenbourg, Galerie Brusberg, Berlin

Den Künstler Gerhard Ströch kannte kaum jemand – unter dem Pseudonym Gerhard Altenbourg aber, das er 1955 annahm, war er einer der eigenwilligsten und bedeutendsten Zeichner, Grafiker und Objektkünstler Deutschlands. Der bis zu seinem tragischen Unfalltod im thüringischen Altenburg lebende Künstler, der den Namen der Stadt zu seinem eigenen machte, war ein Meister der verhaltenen, nahezu in sich gekehrten Form. In seinem Haus, in dem er mit seiner Schwester lebte, stapelten sich Zeichnungen, Holzschnitte, Radierungen und Lithografien. 1986 gelang es, erste Werke aus diesem Konvolut zu erwerben. Heute ist der Sammlungsbestand der Bank auf über einhundert Arbeiten angewachsen: Szenen, Köpfe und Landschaften, die Verborgenes und vage Geahntes thematisieren. Altenbourgs „Budenangst“ wird jedoch deutlicher: Mit Beklemmung, Klaustrophobie und Erstarrung demonstrierte der Künstler ungewohnt deutlich die eigene Situation. Selbst der Blumentopf auf dem Tisch und der Hase an der Wand können nicht helfen. Das Zimmer bleibt eng und sein Bewohner seltsam unbelebt.


1954
Dieter Roth (1930-1998), Flugzeug, 1954
Fettkreide auf Papier 35,2 x 24,8 cm K19900393 © Galerie Hauser & Wirth & Presenhuber, Zürich

Er war ein Mensch voller Widersprüche. Wer mit ihm zu tun hatte, war meist schnell mit ihm zerstritten. Wer einem Streit entging, fürchtete sich doch vor dem nächsten. Dass sich hinter dem polternden Muskelspiel ein sensibler, humorvoller und von Zweifeln zerfressener Geist verbarg, offenbart nicht zuletzt auch das „Flugzeug“ von Dieter Roth. Innerlich getrieben arbeitete der gebürtige Hannoveraner auf dem schmalen Grat zwischen Schaffen und Zerstören. Wie oft verschwanden seine Werke vor ihm, sie schimmelten und verfaulten, sie rochen und etablierten als eine der Ersten international die temporäre Kunst. Roths Ausstellungen glichen Werkstätten und Labors, sie okkupierten Räume ganzheitlich mit dem persönlichen Weltentwurf des ständig forschenden Künstlers. Roths Universum faszinierte nicht nur seine Künstlerkollegen, sondern früh auch die Banker. Bereits Ende der siebziger Jahre erwarb die Ankaufskommission der Deutschen Bank wichtige Werke des zuletzt in der Schweiz lebenden Künstlers. Aufbruch und Dynamik kennzeichneten sein Werk. Stetige Veränderung war ihm Bedürfnis und der Bank Gebot. Angesichts seiner Arbeiten wurde in der Deutschen Bank Genf auf eine Präsentation mehrerer Künstler verzichtet. Vielmehr entschied man sich für die Einzelschau Dieter Roths und feierte 2000 gebührend den zwanzigsten Geburtstag dieser zu den Ersten zählenden Filial-Ausstattungen.


1953
Lee Krasner (1908-1984), Untitled, 1953/54
Collage; Öl, Papier und Leinwand auf Leinen 140 x 120 cm K19800073 © Pollock-Krasner Foundation, Inc. Courtesy Robert Miller Gallery, New York

Sie gilt als die einzig bedeutende Vertreterin der Abstraktion. Doch bekannt wurde sie als Frau des legendären, bei einem Autounfall tödlich verunglückten Jackson Pollock. Jener stand zu Beginn der fünfziger Jahre, als die Bewegung des Abstrakten Expressionismus Europa erreichte, auf dem Zenit seines Erfolgs. Seine leidenschaftlichen und impulsiven Arbeiten lenkten das Interesse von Paris, dem bisherigen Zentrum der künstlerischen Avantgarde, auf die bis dahin eher als provinziell geltende amerikanische Kunstszene. Seiner Frau Lee Krasner wurde die Betrachtung seiner „Action Paintings“ zum Schlüsselreiz. Denn nachdem sie Pollocks Werke voll Spontaneität und physischer Inspiration gesehen hatte, begann sie abstrakt zu arbeiten. Sie nutzte Versatzstücke eigener Werke und Fragmente der Arbeiten ihres Mannes und entwickelte über bildfüllende „All-over“-Konfigurationen ein über den Rahmen hinausgehendes Kontinuum. Krasners Lieblingsthemen waren biografische Anspielungen auf die Metropole New York und die als Balsam empfundene Natur. 1953 bis 1955 schuf sie fast zwanzig Versionen zum Thema „Forest“ (Wald), die die New Yorker Martha Jackson Gallery 1958 präsentierte. Die vertikal dicht konzentrierte Szene ihrer Arbeit „Untitled“ zeigte dabei keine kultivierte Landschaft, sondern ursprüngliche und menschenleere Natur.


1952
Bernard Schultze (*1915), Rhythmus Weiß Gelb Schwarz, 1952
Öl auf Hartfaserplatte 80 x 108 cm K19820075 © Bernard Schultze, Köln

Sie ist legendär und dennoch an ihrem Einfluss auf die deutsche Kunstszene gemessen immer noch wenig beachtet. Die „Quadriga”: Karl Otto Götz, Otto Greis, Heinz Kreutz und natürlich Bernard Schultze. Mit ihrer ersten gemeinsamen Ausstellung 1952 in der Frankfurter Zimmergalerie ebneten die Künstler dem deutschen Informel den Weg und verliehen der Bankenstadt auch kunsthistorisch einen Namen. Doch blickt man zurück, entdeckt man ein von der ersten Resonanz enttäuschtes Quartett, das nach und nach die Stadt wieder verließ. Nur einer kam später zum Ausgangspunkt seiner Karriere zurück: Bernard Schultze. In Paris hatte er die internationale Kunstszene erkundet und traf auf Werke von Sam Francis und Jackson Pollock. Jener „war für uns der entscheidende Mann. Wenig später stießen wir auf Wols, und der wurde unser Heiliger.” „Jünger“ Schultze arbeitete nun an versponnenen und chaotischen Bildwelten. Das Wuchernde, Drängende der frühen Gemälde und Zeichnungen aus der „Quadriga”- Zeit entwickelte sich zu vitalen Wandplastiken, den so genannten „Migofs”. Netzwerke und Liniengeflechte breiteten sich in die dritte Dimension aus. Bis heute blieb Schultze so dem Geist des Informel treu und etablierte sich über die Frankfurter Museen und Galerien hinaus.


1951
Arnulf Rainer (*1929), Zentrale Kruzifikation, 1951
Blei- und Farbstift auf Papier 36,4 x 40 cm K19951630 © Arnulf Rainer, Wien
„Das kann mein Kind auch!” Arnulf Rainers Zeichnung provoziert diese oft gehörte Kritik geradezu. Doch bei allem Vor-Urteil, das aus diesem Satz spricht, es steckt auch ein Ansatz zum Verständnis des Werks darin: Selbsterfahrung ist für Rainers Kunst ebenso kennzeichnend wie für frühkindliche Kreativität. Wer genauer hinschaut, entdeckt auf einem weitgehend leeren Blatt eine unregelmäßige, strahlenförmige Anordnung von Strichen, ausgehend oder zulaufend auf eine Mitte. Die Linien sind heftig gesetzt. Ihr seismografisch anmutender Duktus offenbart zugleich Anspannung und Spontaneität. Die Zeichnung ist mit geschlossenen Augen entstanden. „Durch die blinde Gestik”, so Arnulf Rainer, „die Motorik der Hand in einer Spur aufgezeichnet, fand ich eine spezifische Zentralisation, die sich mir immer wieder aufdrängte. Je schneller und reflexionsloser so ein Kürzel hingesetzt wird, umso besser und umso unerwarteter werden sie! Nicht nur Zentrierungen, sondern eine Reihe anderer Symbolisationen stellten sich ein. Die angeführten Titel sind nur als eine Benennung im Nachhinein zu verstehen.“

1950
Joseph Beuys (1921-1986), Die Geheimnisse, 1950
Bleistift auf Makulatur 14,9 x 17,1 cm K19800042 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Den Spiritus Rector des Kunstkonzepts „Kunst am Arbeitsplatz“ nannte er freundschaftlich „alten Kapitalisten”. Doch den weltberühmten Joseph Beuys und das ehemalige Vorstandsmitglied Herbert Zapp verband mehr als nur feine Ironie, sie einte vielmehr eine Beziehung voller Respekt und Humor. Als beide nach Mannheim zu einer Ausstellungseröffnung des Künstlers fuhren, überließ etwa Zapp dem Künstler großzügig seine Limousine mit Fahrer. Er selbst begnügte sich mit dem Platz am Steuer des begleitenden Sicherheitsfahrzeugs. Initiiert hatte die langjährige Beziehung von Beuys zur Bank jedoch ein anderer. Lange vor Zapps Wirken ließ der ehemalige Vorsitzende des Vorstands Hermann J. Abs seine Verbindungen für den faszinierenden Künstler spielen. Abs und Zapp, deren kulturelles Engagement die Zeit Ende der Siebziger prägte, initiierten schließlich gemeinsam den spektakulären Ankauf der umfangreichen Serie von Beuys-Zeichnungen, zu der auch das Blatt „Die Geheimnisse“ zählt. Unumstritten ist bis heute der außerordentliche Einfluss von Beuys, der sich weit über Kunst und Kultur erstreckt. Die besondere Qualität in der Auseinandersetzung mit seinem Werk liegt jedoch in der Bewusstwerdung und Überprüfung eigenen Handelns.


1949
Maria Lassnig (*1919), Porträt Arnulf Rainer, 1949
Bleistift auf Papier 31,5 x 45 cm K19923040 © Maria Lassnig, Wien

Ziemlich dandylike lässt die Österreicherin Maria Lassnig ihren Landsmann und ehemaligen Lebensgefährten Arnulf Rainer aus der Zeichnung blicken. Verglichen mit ihrem Künstlerkollegen führte sie das eher unspektakuläre Leben einer Einzelgängerin. Ausgangspunkt für ihre Arbeit war immer ihr Körperbewusstsein: „Das Tageserlebnis legt sich dann wie eine Schicht darüber. Nur wenn die Welt stärker wird als ich, weiß ich im Voraus, was ich malen will. Lassnigs Konzentration auf sich selbst lebte sie in langen Auslandsaufenthalten aus. So arbeitete sie 1961 bis 1968 in Paris und im Anschluss zwölf Jahre in New York. Zahlreiche Porträts voller Emotion und Empfindung von „Bodyawareness“ entstanden in dieser Zeit. Auf der Suche nach Authentizität diente der Körper der Malerin „als Erkenntnisquelle, Instrument und Objekt zur Selbsterkenntnis und als Modell für Welterfahrung überhaupt.“
1980 erhielt die aus New York zurückgekehrte Lassnig eine Professur an der Hochschule für Angewandte Kunst in Wien. Mit ihrem Einzelgängertum war es nun vorbei, die Künstlerin wurde international bekannt und durch zahlreiche Ausstellungen geehrt. Ihre erste Ausstellung im Amsterdamer Stedelijk 1994 kommentierte sie in ihrer typisch zurückhaltenden Art „schon als Auszeichnung, denn eine Frau kommt ja nur selten in diese heiligen Hallen hinein.“


1948
Hans Hartung (1904-1989), Ohne Titel, 1948
Tusche auf Bütten 22 x 28,8 cm K19932394 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000
Schwer verwundet überlebte er den Zweiten Weltkrieg. Später ebnete er gemeinsam mit Wols und Jean Fautrier jungen Künstlern nach der verheerenden Zeit des Naziregimes den Weg für eine neue Ausdrucksebene: das Informel. Mit der auch „Psychische Improvisation“ oder „Abstrakte Lyrik“ genannten Kunstrichtung fand Hans Hartung zu dem für ihn charakteristischen abstrakten Vokabular. In Deutschland folgten viele Künstlergruppen dem von ihm skizzierten Weg, darunter der „Junge Westen” in Recklinghausen, „Zen” in München, die „Quadriga” in Frankfurt und in Düsseldorf die „Gruppe 53”. Hartung allerdings war bereits 1935 nach Paris gegangen. Dort baute er als „Wahlfranzose” eine geistige Brücke nach Deutschland. Der Tagespolitik eine Nasenlänge voraus, arbeitete er als impulsgebender Vermittler zwischen Ländern und Generationen. Bewegung und Energie sprechen auch aus seinen Gemälden und Zeichnungen. Spontan und intuitiv setzte der Künstler die kalligrafischen Notizen auf die Leinwand. Hartung hatte die Fähigkeit, auf einer begrenzten Fläche einen universalen Raum zu eröffnen.

1947
Julius Bissier (1893-1965), Ohne Titel, 1947
Monotypie auf Papier 15,6 x 23 cm K19860021 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Herbert Zapp, damaliges Vorstandsmitglied der Deutschen Bank, machte seinen Mitarbeitern ein verspätetes Neujahrsgeschenk, als er am 7. Januar 1986 die kleine, fast zerbrechlich wirkende Arbeit von Julius Bissier für die bankeigene Sammlung ankaufte. Daten sind in diesem Fall eigentlich nicht wichtig. Doch besaßen sie für Bissier große Präsenz. Der in Freiburg im Breisgau geborene Künstler führte über Jahre hinweg ein ausführliches Tagebuch, dessen Lektüre einen spannenden Einblick in die künstlerische Arbeit bietet. Schon in den zwanziger Jahren hatte die Freundschaft mit dem Sinologen Ernst Grosse Bissier zu einer intensiven Auseinandersetzung mit der Kunst und Philosophie Ostasiens geführt, die sich besonders in kalligrafisch geprägten Tuschezeichnungen niederschlug: „Jede Tusche zeugt von Leben; von seinem Leben. Darum ist ihm das als Bildelement beigefügte Tagesdatum so wichtig, das den Augenblick des Lebens bezeichnet, von dem das Blatt Zeugnis abgibt”, hieß es in einer Rezension. Dank der anregenden Freundschaften mit Willi Baumeister, Oskar Schlemmer oder Hans Arp fand Bissier in den fünfziger Jahren zum charakteristischen Stil der Monotypie, immer deutlich versehen mit dem jeweiligen Entstehungsdatum.


1946
Ernst Wilhelm Nay (1902-1968), Uhrturm II, 1946
Gouache auf Papier 41 x 21 cm K19810050 © Nay-Scheibler, Köln
Ob es sich um das malerische Frankfurter Uhrtürmchen handelt, das man am Anlagering, Ecke Sandweg passiert? Zeitlich würde es passen, denn 1946 hielt sich Ernst Wilhelm Nay vorübergehend im damals stark zerstörten Frankfurt auf. 1945 aus dem Krieg zurückgekehrt, fand er seine Wohnung ausgebombt. Berlin lag in Schutt und Asche. Auf Drängen seiner Frau Elly hatte er zuvor noch zahlreiche Kisten gebaut, um seine Arbeiten aus der Stadt zu bringen. Die als „entartet“ verfemten Ölbilder, Aquarelle und Zeichnungen, darunter die Lofoten- und Fischerbilder der dreißiger Jahre, überstanden so die Bombardierung Berlins. Dorthin kehrte Nay zunächst nicht zurück. Denn nach seiner Entlassung aus einem amerikanischen Sammellager fand er Unterkunft bei der Hofheimer Sammlerin und Kunstförderin Hanna Bekker vom Rath. Abseits des sich nach dem Zweiten Weltkrieg neu formierenden Kunstbetriebs begann hier für ihn eine äußerst produktive Schaffensphase. Nays Ziel war die Aktivierung des Bildraums durch Farbe, denn, so der Künstler: „Ein Kolorist ist ein Maler, der durch die Farbe denkt und die Anschauung durch die Farbe vollzieht.” Auch der „Uhrturm II“ von 1946 spiegelt in zunehmender Kleinteiligkeit die angestrebte Form- und Farbrhythmisierung und schildert den eigentlichen Bildgegenstand nur mehr als mögliche Frankfurter Erinnerung und inspirierende Stimulans.

1945
Werner Drewes (1899-1984), Komposition, 1945
Aquarell auf Papier 25 x 39 cm K20000421 © Galerie Schweinsteiger, München

„Ich freue mich sehr über den Fortschritt. Ich finde, dass Sie auch in der abstrakten Form so gut vorwärts kommen”, schrieb Wassily Kandinsky 1933 an Werner Drewes, den er am Bauhaus kennengelernt hatte. Jener erinnerte sich: „In Stuttgart sah ich meine erste abstrakte Ausstellung von dem Franzosen Laurent. Er erzählte mir vom Bauhaus. Die Idee, dass Künstler aus unterschiedlichen Bereichen zusammenarbeiten, gefiel mir sehr. Meine Gedanken waren ähnlich: Man sollte nicht nur ein Handwerk erlernen, sondern verschiedene, die sich ergänzen. Ich bewarb mich am Bauhaus in Weimar. Nachdem Walter Gropius meine Arbeiten gesehen hatte, wurde ich aufgenommen.” 1930 ging Drewes in die US A, wo er zunächst an der Columbia University in New York und anschließend bis 1945 als Lehrer am Brooklyn College arbeitete. Dort entstand auch seine „Komposition”, die trotz aller Abstraktion an einen mondbeschienenen See mit leicht bewegten Booten erinnert. „In jedem Fall”, so Drewes, „ist der Wunsch, schöpferisch tätig zu sein und persönliche Eindrücke, wie Freude, Liebe, Hoffnungslosigkeit oder die Suche nach den unbekannten Welten sichtbar zu machen, die Motivation für den Künstler. Denn die Kunst ist eine Welt mit eigenen Gesetzen, ganz gleich, ob ihr realistische oder abstrakte Formen zugrunde liegen. Neue Welten mit unserer Erfahrung zu füllen, ist unsere Aufgabe und wenn sie die Weisheit und den Kampf der Seele überzeugend widerspiegeln, ist ein Kunstwerk geboren.”


1944
Piet Mondrian (1872-1944), Kompositon in Gelb, 1936-1944
Öl und Kohle auf Leinwand 55,5 x 54,5 cm K19780006 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000
Seine Bilder gelten als Grundlage der Moderne. Geradlinigkeit bedeutete dem Holländer Piet Mondrian geistige Haltung und ästhetisches Programm. Die „Komposition in Gelb“ mag den Besucher der ehemaligen Deutsche-Bank-Zentrale an der Düsseldorfer Kö überraschen. Denn dem gediegenen Ambiente des holzgetäfelten, mit Brunnen und Mosaiken geschmückten Jugendstil-Interieurs verleiht Mondrians Gemälde neue Orientierung.
Dass nur eine Entwicklung zu solch künstlerischer Konzentration führt, liegt auf der Hand. Selbst Mondrian begann in der Tradition der Haager Schule und malte zunächst die weite niederländische Landschaft mit niedrigen Horizonten, aufragenden Bäumen, Kirchen, Leuchttürmen und Windmühlen. Mit Mitte dreißig arbeitete er an einer leuchtend expressiven Malerei, zehn Jahre darauf an der kubistischen Verwandlung von Stillleben und Baum. Mit Ende vierzig war die Metamorphose perfekt: Mondrian hatte den Stil gefunden, der ihn weltberühmt machte: Kein Gegenstand erschien nunmehr in der geometrisch geordneten Malerei, denn „wenn das Motiv nichts weiter ist als ein Vorwand, die reine Farbe hervorzuheben, warum nicht auch auf das Motiv an sich verzichten?“ Die Linie bestimmte als tragendes, rechtwinkliges Element die Ausdehnungen der weißen Flächen. Als vollendet galt jede Komposition erst, wenn die Farbfelder aus Gelb, Rot oder Blau Gleichgewicht erzeugten und die Menschheit zu „erleuchten“ vermochten.

1943
Willi Baumeister (1889-1955), Gilgamesch und Enkidu, 1943
Fettkreide, Aquarell und Kohle auf Papier 50 x 62,2 cm K19934275 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Ein Schwabe in Hessen. Ob man es glaubt oder nicht, es hat funktioniert. Nicht nur viele Werke Willi Baumeisters haben ihren Platz in Frankfurt gefunden, auch der Stuttgarter selbst verbrachte einige Jahre seines Lebens in der Mainmetropole. Von 1928 bis 1933 war er Lehrer für Typografie am Städelschen Kunstinstitut in Frankfurt und lernte Julius Bissier kennen, der Baumeisters Atelier am Institut beschieb: „Ein schneeweißer Raum, wie das Laboratorium eines Chemikers wirkend.” Der Schwabe war für seine Akribie bekannt. Seit den dreißiger Jahren bewahrte er alles penibel auf, vom Foto bis zum Fahrschein. Zu Beginn des Zweiten Weltkriegs kehrte Baumeister in seine Heimatstadt zurück. Es begann die Zeit des Rückzugs, die „innere Emigration“ und das Buch „Das Unbekannte in der Kunst”, das 1947 verlegt wurde und mit dem Baumeister zu einem der wichtigsten Kunsttheoretiker der Nachkriegszeit avancierte. Außerdem beschäftigte den Künstler damals intensiv das alttestamentarisch-babylonische Epos des Gilgamesch. Das Schicksal des Königs und dessen Adoptiv-Bruders Enkidu wurde zum zentralen Motiv des aus 64 Zeichnungen bestehenden Zyklus „Gilgamesch”. Die künstlerische Arbeit half über die schreckliche Zeit des Kriegs hinweg: „Die Kunst vermittelt den Begriff der Freiheit. Grenzen werden aufgebrochen und der Strom des Lebens quillt hervor in neu eröffneten Zonen.”


1942
Hans Arp (1889-1966), Three Constellations of the Same Form, 1942
Öl auf Holzrelief, dreiteilig je 91 x 71 cm K19780007 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

„Bilden statt ab-bilden“ – formuliert Hans Arp bereits 1915 sein künstlerisches Credo. Zum Vorbild wurde ihm dabei die Natur: In Analogie zu ihren Wachstumsprozessen wollte der Schweizer Künstler auch seine künstlerischen Schöpfungen verstanden wissen. So sind es biomorphe Formen, die der Künstler zu abstrakten, poetischen, teils ironischen Kompositionen zusammenfügt. Die Grenzen zwischen Mensch, Tier und Natur scheinen zu verschwimmen in einem Bildvokabular, das Arps Wunsch, Mensch und Natur auszusöhnen, widerspiegelt. Die „Kosmischen Formen“, wie er die Grundelemente seiner Kunst nennt, variiert der Künstler in zarten, filigranen Zeichnungen, aber auch massiven, dabei nicht an Leichtigkeit verlierenden Skulpturen. „Ptolemäus III“, eine dieser Bronzen, befindet sich in der Sammlung Deutsche Bank. Platziert in der Eingangshalle der Frankfurter Zwillingstürme der Bank schlägt sie eine Brücke zu einer in der gleichen künstlerischen Tradition wurzelnden Skulptur eines anderen Schweizers: der in Blickweite vor dem Gebäude stehenden Endlosschleife „Kontinuität“ Max Bills. Dass Hans Arp als Mitbegründer der Dada-Bewegung in Zürich 1916 vehement gegen jede akademische Kunst und bürgerliche Ästhetik rebellierte, erscheint im Rückblick als Ironie der Geschichte und als Paradebeispiel für das Schicksal jeder Avantgarde: Arps Formenwelt eroberte in den fünfziger Jahren als sinnentleertes Dekor den Mainstream und hielt mit Nierentisch und Mustertapete Einzug in das bürgerliche Interieur.


1941
Andreas Feininger (*1906), Brooklyn Bridge, 1941
Fotografie 28 x 34 cm K19790034 © Künstler und berechtigte Erben
New York – eine Stadt der Superlative. Die Metropole avancierte nach dem Zweiten Weltkrieg zum internationalen Treffpunkt der Avantgarde und ist es bis heute fast geblieben. Bereits 1978 bezog die Deutsche Bank hier neue Geschäftsräume und präsentiert seither im ungewöhnlichen Rahmen eines Bürogebäudes den wechselseitigen Dialog zwischen nordamerikanischer und deutscher Gegenwartskunst. Eine Etage des Hochhauses in der 9 West 57th Street ist dabei allein der Schwarzweißfotografie gewidmet und präsentiert den Beginn des Mediums als eigenständige Kunstform. Das Motiv des industriell gestalteten Lebensraums beschäftigte Fotografen und Maler seiner Zeit gleichermaßen. Ein beliebtes Motiv bildete die „Brooklyn Bridge”, die auch Andreas Feininger für seine Arbeit entdeckte. Er fixierte den Gang über den erhöhten Boulevard als Ausdruck eines genuinen, die ausgefeilte und verbindende Technik feiernden Lebensgefühls. Feininger, der nach der Übersiedlung nach New York, wo er seine aus Deutschland emigrierten Eltern wiedertraf, immer betonte hatte, an Malerei nie wirklich interessiert gewesen zu sein, organisierte seine Aufnahmen im strengen Aufbau und der kalkulierten Bildorganisation jedoch ähnlich der Gemälde seines Vaters Lyonel. Klarheit, Einfachheit und das Interesse am Motiv waren ihm wesentliche Voraussetzungen für eine gelungene Aufnahme, die im optimalen Fall dem Betrachter mehr offenbare, als es die unmittelbare Anschauung vor dem Originalschauplatz selbst leisten könne.


1940
Alfred Lörcher (1875-1962), Zwei stehende Frauen, 1940
Holz, rotbraun gefasst 109,5 x 50 x 20 cm K19830095 © Staatsgalerie Stuttgart
Ein durch Geraden und Parallelen gefestigter Aufbau kennzeichnet seine Figuren. Strenge Frontalität, konstruktive Klarheit und Ruhe erinnern an antike Skulpturen. Alles Sinnliche, Vitale aber auch alles Individuelle tritt zugunsten der statischen Blockhaftigkeit zurück, und Alfred Lörcher eröffnete mit seinen „Stehenden Frauen“ 1940 den Schwebezustand zwischen Stagnation und Fortschritt.
Öffentlich Partei ergriff er nie, doch das Miteinander seiner Frauen stand für die Hoffnung auf den Menschen als handlungs- und kommunikationsfähiges Wesen. Dass dies in einer Bank ungeahnte Konsequenzen nach sich ziehen würde, konnte 1983 bei der Aufstellung im Vorstandsbereich kaum jemand ahnen. Denn die körpersprachliche Kommunikation der nackten Damen interpretierten Besucher und Kollegen höchst eindeutig: Sie spendeten, meist Pfennigbeträge – und trugen damit der Geste der bittenden Hände Rechnung. Ob zum Wohle der Frauen oder der Bank bleibt dabei wohl zweitrangig.

1939
Wols (1913-1951), Ohne Titel, um 1939/40
Aquarell und Tusche auf Bütten 24,6 x 31,8 cm K19910108 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Wols, 1913 als Otto Wolfgang Schulze in Berlin geboren, gilt als Vorläufer der „Art Informel”, jener von Frankreich ausgehenden Malerei, die in ihrer subjektiven und sensiblen Abstraktion der verzweifelten Sprachlosigkeit der Nachkriegszeit entgegenzutreten vermochte. Wols hatte Deutschland bereits Ende 1932 nach einem Zusammentreffen mit dem ungarischen Künstler László Moholy-Nagy in Berlin verlassen. Er ging nach Paris, um dort ein wenig zu malen, zu schreiben und vor allem zu fotografieren. Während eines längeren Spanienaufenthalts wurde er 1935 in Barcelona wegen seiner kritischen politischen Haltung erstmals inhaftiert. Nach seiner Entlassung kehrte Wols nach Paris zurück und arbeitete dort sehr erfolgreich als Fotograf: 1936 eröffnete eine erste Ausstellung seiner Arbeiten, 1937 war er als offizieller Fotograf der „Exposition internationale“ in Paris tätig. Doch wurden diese ersten Erfolge mit dem Ausbruch des Zweiten Weltkriegs im Keim erstickt: 1939 in Frankreich interniert, lebte Wols nach seiner Flucht bis zum Kriegsende im französischen Untergrund. Zerstört vom Alkohol, dem er seit dem Internierungslager verfallen war, starb er 1951 im Alter von nur 38 Jahren. Das zarte Aquarell aus der Sammlung Deutsche Bank ist, wie Motiv, Komposition und Strichführung belegen während der Gefangenschaft in Frankreich entstanden – eine poetische, zugleich morbide Traumlandschaft unter Wasser, die wenigstens auf dem Papier eine, wenn auch trügerische Leichtigkeit des Seins suggeriert.


1938
Ubac, Raoul (1910–1985), Photo-relief, aus: "Ein tachistischer Photograph avant la lettre", 1938/ 2008

Raoul Ubacs Fotoarbeit nahm bereits 1938 vieles von dem vorweg, was der Tachismus erst nach dem 2. Weltkrieg postulieren würde – die spontane Umsetzung innerer Empfindungen in abstrakte, malerische Gesten. Bereits Anfang der 1930er Jahre hatte der belgische Künstler enge Kontakte zum inneren Zirkel der Pariser Surrealisten geknüpft, die eine ähnliche Affinität zum Unterbewussten pflegten. Um Phänomene jenseits der sichtbaren Realität zu visualisieren, setzte Ubac bei seinen experimentellen Fotoarbeiten auf Techniken wie Verzerrungen, Solarisation oder Montage. Mit großem Erfolg: Regelmäßig waren seine Arbeiten im Magazin „Minotaure“ zu sehen, dem bedeutendsten Forum der „surrealistischen Revolution“. Mitte der 1940er Jahre verabschiedete sich Ubac vom Surrealismus und von der Fotografie. Stattdessen widmete er sich der abstrakten Malerei und entwarf Wandmosaike und Kirchenfenster.


1937
Berenice Abbott (1898-1991), Wall Street Area, um 1937
Fotografie 23,5 x 19 cm K19790030 © Commerce Graphic Limited, New York
Während amerikanische Aktienkurse nach einer Phase tiefer Depression Anfang der dreißiger Jahre wieder in die Höhe stiegen, beschäftigte Berenice Abbott die Unabhängigkeit der Fotografie. Die Zeit des allgemeinen Aufschwungs fing sie mit ihrer Kamera ein und erkundete von 1935 bis 1939 New York mit sich wandelnden Stadtvierteln, Häuserzügen, Brücken und Hinterhöfen. Ihren Blick und das Gespür für den richtigen Ausschnitt hatte sie in Paris im Labor Man Rays geschult. Die zeitlose Qualität ihrer Aufnahmen wurde auch von Künstlerkollegen hoch geschätzt. Der Architekt Le Corbusier bezeichnete die Fotografien der pulsierenden Weltstadt als „Hot-Jazz-Stücke aus Stein und Stahl”. 1937 wurden die ersten Fotografien dieser Serie unter dem Titel „Changing New York” im dortigen Museum of the City gezeigt. In ihrer New Yorker Zeit konnte Abbott auf die finanzielle Unterstützung des Federal Art Project zählen. Dieses Projekt hatte Roosevelt im Rahmen seiner neuen politischen Ansätze ins Leben gerufen, um Künstlern den finanziellen Freiraum für ihre Arbeit zu ermöglichen. Denn bildende Kunst könne ebenso zum Allgemeinwohl der Gesellschaft beitragen wie etwa der Bau von Kindergärten oder Straßen. Roosevelt war demnach einer der ersten Verfechter des „weichen Standortfaktors”, der sich heute in der Kunstförderung von Politik und Wirtschaft längst als Schlagwort etabliert hat.

1936
Fritz Winter (1905-1976), Ohne Titel, 1936
Öl und Wachs auf Bütten 63,5 x 48,4 cm K19820067 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Noch 1933 notierte er, „je dunkler es draußen wird, um so heller werde ich in den Farben”. Doch wurden die Werke Fritz Winters für Ausstellungen schon lange nicht mehr berücksichtigt. Bis zu seiner Einberufung als Soldat 1939 arbeitete der Künstler als Holzschnitzer getarnt und schuf im Drießener Haus am Ammersee nahezu unbehelligt eine große Zahl abstrakter Kompositionen.
Heute steht Winters Werk für die Qualitäten und Gefährdungen einer Künstlergeneration, die den künstlerischen Neuanfang nach 1945 mitgestaltete, die das Potenzial der Stunde Null ausschöpfte und den Anschluss an die internationale Avantgarde wieder herstellte. Sein von Klee, Kandinsky und den naturmythischen Ideen des „Blauen Reiter” inspiriertes Bemühen galt früh der Sichtbarmachung seelischer Schwingungen und inneren Klangs. 1931 schuf Winter erste, an organische Zellstrukturen erinnernde Stillleben, die er, angeregt durch einen Besuch bei Naum Gabo, später durch Kristall- und Lichtbündel erweiterte. Die Gestaltung des Geistigen in der Malerei formulierte er in der Serie der „Triebkräfte der Erde”, um die Geheimnisse der hinter der sichtbaren Realität liegenden Natur zu entdecken. Denn es „kommt nicht darauf an zu zeigen, was da ist, sondern zu offenbaren, was auch da ist, denn es ist weit mehr sichtbar, als wir sehen können, und weit mehr hörbar, als wir hören können, und weit mehr da, als wir selbst sind”.


1935
Emil Nolde (1867-1956), Fantasie, 1931-1934/35
Verso: Aquarell und Tusche 21,8 x 30,4 cm K19934269 © Nolde-Stiftung Seebüll

„Eine Anzahl ganz merkwürdiger fantastischer Aquarelle konnte ich im letzten Herbst malen“, schreibt Emil Nolde 1931 an einen Freund. Bis 1935 vollendet er die umfangreiche Serie der „Fantasien“, für die er 1901 in Lidstrand und 1919 auf der Hallig Hooge entsprechende Entwürfe skizziert hatte. Trotz seiner engen „nordischen“ Bindung und der offenen Befürwortung des nationalsozialistischen Systems war Nolde bereits 1933 aus der Preußischen Akademie ausgeschlossen worden. Die von ihm abgebildeten unförmigen weiblichen Physiognomien würden einen besiegelten Rassenverfall offen zutage treten lassen, hieß es in der Mitteldeutschen Nationalzeitung, während andere gängige Deutungen die Aquarelle als skurrile und dämonische Ausgeburten eines nordischen „Spökenkiekers” bezeichneten. Nolde wehrte sich und schrieb zurück, es sei merkwürdig, „sie vermuten unheimlich Dämonisches, wo es gerade humorvoll lebenssprühend ist”. Trotzdem wurden 1937 über 1000 seiner Werke konfisziert, 1941 erhielt Nolde Malverbot. In Seebüll arbeitete er heimlich in der weniger verräterischen Aquarelltechnik weiter und ließ den „Fantasien“ die Serie der „Ungemalten Bilder“ folgen.


1934
Karl Hofer (1878-1955), Stilleben mit weißem Krug, Schale und Früchten, um 1934
Öl auf Leinwand 43 x 68 cm B19900573 © Gerd Köhrmann, Nachlass Hofer, Köln

Mit Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee, August Macke und Karl Schmidt-Rottluff zählte Karl Hofer zu einer um 1880 geborenen Künstlergeneration, deren Werk die Überwindung gängiger Konventionen kennzeichnete. Nach dem Karlsruher Studium ging Hofer an die Akademie der Bildenden Künste nach Stuttgart. Ein Romaufenthalt beeinflusste seine Farbskala und die klassisch-idealistische Figurenauffassung, Paris machte ihn mit dem Impressionismus und der Kunst Paul Cézannes bekannt. 1913 übersiedelte Hofer nach Berlin, wurde Mitglied der „Neuen Künstlervereinigung” und lehrte bis 1936 an der Preußischen Akademie der Künste. Er kultivierte Elemente des Expressionismus und unterschied sich doch von den Künstlern des „Blauen Reiter” und der „Brücke” vor allem durch die Bewahrung klassischen Formenguts. Trotzdem wurde der erfolgreiche und einflussreiche Akademielehrer 1934 durch die Nationalsozialisten entlassen und seine Bilder als „entartet” aus den Museen entfernt. 1943 zerstörte ein Bombenangriff Hofers Atelier und fast das gesamte Werk. Karge Versachlichung reflektierte spröde und trocken nun Hofers Empfindungen dunkler Hoffnungslosigkeit.


1933
Anton Stankowski (1906-1998), Antitechnik, 1933
Fotografie aus zehnteiliger Mappe 22,2 x 16,2 cm K19970263 © Stankowski Stiftung, Stuttgart

Kunst, Kommerz und Kirche. Anton Stankowski brachte auf ungewöhnliche und brillante Weise diese meist gegensätzlichen Bereiche in seinem Leben unter einen Hut – doch dies ganz anders als etwa der gesellschaftskritische Joseph Beuys. Stankowskis Karriere begann mit einer Lehre als Kirchenmaler in seiner Heimatstadt Gelsenkirchen. Dass er außergewöhnliches künstlerisches Talent hatte, wurde früh entdeckt. Der Grafiker und Zeichner selbst erzählte, dass ihn der Dorfschullehrer bat: „Den Unterricht machst du, denn du kannst besser zeichnen als ich.” Das spätere Studium an der Essener Folkwangschule bei Max Burchartz begeisterte den umtriebigen und als „Malocher” bekannten Künstler für die Fotografie. „Die Begierigkeit, etwas festzuhalten, um es wieder neu zu interpretieren, ließ mich immer mit der Kamera verwachsen sein.” Seine Leica hatte er seitdem fast immer dabei. Als zu Beginn der dreißiger Jahre Fotografie zunehmend für die Werbung genutzt wurde, war Stankowski in einer Züricher Werbeagentur mit Typografie und Grafikdesign beschäftigt. Gemeinsam mit seinen Freunden, später als die „Züricher Konkreten” bekannt, diskutierte er Fragen der Symmetrie und Spiegelung. Das Quadrat und vor allem die Schräge waren Elemente, mit denen Stankowski experimentierte und die zu Prototypen in seiner Arbeit wurden. Sein heute weltweit bekanntes Logo für die Deutsche Bank, den aufsteigenden Schrägstrich im stabilen Quadrat, lobte er 1974 stolz: „Das Firmenzeichen ist ein Markenzeichen mit Signalwirkung.”


1932
Oskar Schlemmer (1888-1943), Sitzende nach links, 1932
Aquarell über Bleistift auf Bütten 46,4 x 30,2 cm K19850878 © 2000 Oskar Schlemmer, Oggebbio

"In Oskar Schlemmers Malerei lebt eine neue Raumenergie. Sie erweckt im Geist des Betrachters die Ahnung einer künftigen Kultur, die alle Künste wieder vereinen wird" - so Walter Gropius, der Schlemmer 1920 ans Bauhaus berief. Tatsächlich strebte Schlemmer eine Verschmelzung der verschiedenen Kunstgattungen an: Seine Kunst sollte organische Formen und geometrische Abstraktion zusammenführen, ein visuelles Spiegelbild des menschlichen Geistes bilden und gleichermaßen rationalen wie auch emotionalen Funktionen folgen. Schlemmer experimentierte vor allem mit der Darstellung der menschlichen Figur. Die Beschäftigung mit Tanz und Theater führte ihn zu einer neuen Vorstellung von Raum als notwendigem Lebensradius des Menschen. 1929 erhielt er eine Professur an der Breslauer Akademie. Aus dieser Zeit stammt auch die oben vorgestellte Zeichnung: Zu sehen ist eine blonde Frau in der Seitenansicht. Ihr Blick ist starr und geradezu emotionslos in die Ferne gerichtet. Stirn und Nase bilden im Profil eine strenge Linie, und auch ihre Haltung ist kerzengerade. Sogar der Unterarm ist in exakten 45° abgewinkelt, so dass die Hand genau mit der Armlehne abschließt. Die menschliche Figur wird in dieser nahezu geometrischen Darstellung auf ihre Körperlichkeit reduziert. Alles Individuelle erlischt: Der Mensch wird zum Typus.


1931
Elfriede Lohse-Wächtler (1899-1940), Selbstporträt (in fantastischer Gesellschaft), 1931
Aquarell auf Papier 90 x 60 cm K19910396 © Marianne Rosowski, Hamburg

Oben im Vorstandsbereich der Frankfurter Zwillingstürme blickt sie misstrauisch und verbirgt ihre Identität hinter einem Rätsel. „ElohsW” auf dem Schild ihres blauen Kleides stehen für den Namen der Dresdnerin Elfriede Lohse-Wächtler. Ihr Werk betitelte sie „Selbstporträt (in fantastischer Gesellschaft)” und tatsächlich erscheint die Umgebung surreal und albtraumhaft. Doch Realität und Leben Elfriede Lohse-Wächtlers zu beschreiben, heißt noch weit Beunruhigenderes zu schildern, gesundheitliche Probleme, materielle Not und partnerschaftliche Enttäuschungen. Das Künstlerleben ging einher mit schweren psychischen Krisen, der Unterbringung in psychiatrischen Kliniken, der Zwangssterilisation und endete mit der durch die Nationalsozialisten verordneten Tötung. 1931 lebte die Künstlerin zunächst noch in der Nähe ihres ehemaligen Mannes in Altona. Doch mit Verschlechterung ihrer materiellen und seelischen Situation nächtigte sie des Öfteren in Bahnhofshallen oder „bei Zigeunern“ und zog schließlich völlig entmutigt erneut zu den Eltern nach Dresden. Ihr „Selbstporträt” schildert den anschließenden Aufenthalt in einer Klinik, wo die Künstlerin in einer Reihe schonungsloser Selbstbildnisse ihre Angst reflektierte. Ihre Leidensgenossen charakterisierte sie dabei als hilflose Zeugen und willenlose Opfer und schrieb an ihren Bruder: „Ich bin blöde genug, trotz aller Erfahrungen immer noch zu glauben, dass es doch noch Menschen gibt.”


1930
Renée Sintenis (1888-1965), Daphne, 1930
Bronze 144,2 x 15 x 15 cm K19720010 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Diskretion ist in dieser Branche alles. Und so zeigt ein Foto den ehemaligen Vorstandssprecher der Bank Hilmar Kopper taktvoll aus dem Fenster schauend, während sich Daphne hinter seinem Rücken verwandelt. Daphne, das ist in diesem Fall die Bronzeskulptur Renée Sintenis‘, die ihren Platz im 35. Stock der Frankfurter Zwillingstürme gefunden hat. Das Motiv der Nymphe, die bedrängt von Apoll, sich in einen Lorbeerbaum verwandelte, griff Sintenis’ 1918 erstmals für eine Kleinplastik auf. Zwölf Jahre später gewann das Sujet neue Aktualität. Entsetzt vom Tagesgeschehen und den Vorahnungen des kommenden Krieges, entsprach die Neuauflage ihres Werks Sintenis’ Suche nach Menschlichkeit. Die Themen Natur und Ursprünglichkeit verarbeitete sie nun vorwiegend in Tierskulpturen, nach ihrem Entwurf entstand unter anderem der Berlinale-Bär und 1926 der bronzene „Läufer Nurmi“.


1929
László Moholy-Nagy (1895-1946), Ohne Titel (La Sarraz), um 1929
Fotografie 40 x 30 cm A19941546 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Le Corbusier, Alfred Roth und Max Ernst waren ihre Gäste. Hélène de Mandrot, die Schlossherrin von La Sarraz, gründete 1922 auf ihrem mittelalterlichen Gut am Genfer See ein Künstlerhaus, das die wichtigsten Vertreter der internationalen Avantgarde zusammenführte. 1928 fand vor der imposanten Kulisse des Schlosses ein erster Kongress für moderne Architektur statt. Ein Jahr später folgte der Kongress des unabhängigen Films. Vermutlich zog es auch László Moholy-Nagy, der in diesen Jahren revolutionäre Erfolge als Architekt, Filmemacher und Fotograf feierte, 1929 zum Schloss. Denn seine Schwarzweißfotografie „Ohne Titel” zeigt La Sarraz. So ist schemenhaft ein Kreuz zu erkennen, bei dem es sich um einen Teil der aus dem 14. Jahrhundert stammenden Schlosskapelle handeln könnte. Die Verhältnisse von Hell und Dunkel, von Licht und Schatten charakterisierte Moholy-Nagy auch in seinem schemenhaften Selbstporträt neben dem Kreuz. 1937 wanderte der Künstler, getrieben von den politischen Verhältnissen in Deutschland, nach Chicago aus. Dort wurde er der erste Direktor von „The new Bauhaus” und brachte seine Theorien in die USA. So solle der Künstler eine Kunst für die Menschen entwickeln, denn „Kunst lebt für die Gemeinschaft. Sie ist die intensivste und innerste Sprache der Sinne und kein Individuum in der Gesellschaft kann auf sie verzichten”.


1928
Albert Renger-Patzsch (1897-1966), Kauper Hochofenwerk (Herrenwick bei Lübeck), 1928
Schwarzweiß-Fotografie 24 x 30 cm K19972240 © Albert Renger-Patzsch Archiv / Ann und Jürgen Wilde / VG Bild-Kunst, Bonn 2000

„Einem Gegenstand gerecht werden” und weniger Individualität ausdrücken – das war es, was er wollte. Die kühle Schönheit von Objekt, Natur und Architektur favorisierend legte Albert Renger-Patzsch mit Halbton, Flächenaufteilung und Linienverlauf die medienspezifischen Reize der Schwarzweißfotografie frei. Nüchtern und klar addierte der Fotograf die Realität in seinem epochalen, 1928 erschienenen Fotoband „Die Welt ist schön“. Da es sich um grundlegende Strukturen der Wirklichkeit handelte, wäre ihm jedoch der Titel „Die Dinge“ erheblich lieber gewesen. Renger-Patzsch entdeckte das Niemandsland „zwischen Industrie und Wohnsiedlung, zwischen Abraumhalde und Kohlenlager“ für die Fotografie. Seine Aufnahmen wurden als fotografisches Gegenstück zur Neuen Sachlichkeit in der Malerei gefeiert und Thomas Mann definierte: „Das Einzelne, Objektive, aus dem Gewoge der Erscheinungswelt erschaut, isoliert, erhoben, verschärft, bedeutsam gemacht und beseelt.“ Auch das „Kauper Hochofenwerk“ vereinte wissenschaftliche Analyse und meditative Ruhe des Fotografen. Renger-Patzsch spürte dem Kern der Dinge nach, indem er seine Motive ausschnitthaft konzentrierte und sie dem übergeordneten Grundmuster der Natur gegenüberstellte. Die sachliche Ästhetik führte zu einer mechanischen Fotostruktur, denn nur sie vermochte, so der Fotograf, den der Natur zugrunde liegenden Bauplan sichtbar zu machen.


1927
Adolf Hölzel (1853-1934), Große Komposition, lila-grün-blau, 1927
Pastell auf Bütten 49,7 x 64,6 cm K19800053 © Dieckmann-Hölzel, Stuttgart

 Der große Durchbruch ließ auf sich warten. Adolf Hölzel war 52 Jahre alt, als er in Paris den Eigenwert von Farbe und ihre Bedeutung als gestalterisches Prinzip entdeckte. Der Spätzünder gelangte vom Impressionismus zur Abstraktion, er entwickelte aus der Auseinandersetzung mit musikalischen Formen eine theoretische Farb-Definition und die Begriffe der Harmonie und des Kontrapunkts in der Kunst. 1905 wurde seine „Komposition in Rot“ als Inkunabel der „absoluten“, abstrakten Malerei bezeichnet. Noch im selben Jahr erhielt Hölzel die Berufung an die Stuttgarter Akademie als Nachfolger des Grafen Kalckreuth. Doch die Stuttgarter wurden enttäuscht, denn der als Traditionalist bekannte, war keiner mehr und Willi Baumeister erinnerte sich: „Im Laufe seiner Amtszeit seinen Schafpelz langsam aufknöpfend, war er ein Wolf geworden; als solcher wäre er nicht berufen worden.“ Ob Sie das Raubtier im Künstler in der „Großen Komposition“ erkennen? 1919 hatte Hölzel Paul Klee an der Akademie weichen müssen und sich der künstlerischen Tätigkeit des „Dilettierens“ gewidmet. Der Tag begann früh mit gymnastischen Übungen, denen sich zur Lockerung und Stärkung der Hand die „täglichen 1000 Striche“ anschlossen. Nahezu spielerisch entstanden daraus die vielen Pastelle und 1927 die abgebildete, kleinteilig gegliederte flächenhafte Zeichnung, die durch ihre Farbräume materiell und immateriell zugleich erscheint.


1926
Erika Giovanna Klien (1900-1957), Vogelflug, 1926
Öl auf Leinwand 102 x 63 cm K19912730 © Künstler und berechtigte Erben

Aus Österreich wanderte sie 1929 in die USA aus und starb siebenundfünfzigjährig fast vergessen in New York. 1900 in Südtirol geboren, war die achtzehnjährige Klien an die Kunstgewerbeschule in Wien gegangen. Dort teilte sie bald als Lieblingsschülerin und herausragende Studentin der ornamentalen Formenlehre des Kunstpädagogen Franz Cizek dessen Begeisterung für den von ihm gegründeten Kinetismus. Dieser österreichischen Variante des italienischen Futurismus blieb sie treu, denn die reine Gestaltung nach der Natur galt ihr als gänzlich unschöpferische Tätigkeit. Klien war Malerin, eine versierte Zeichnerin, betätigte sich in der Gebrauchsgrafik und ließ sich immer wieder von Kinderzeichnungen inspirieren. Ihre Suche nach einem Ornament der Gegenwart führte zur bewegten Natur und den technischen Errungenschaften der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Flugzeuge, Subways oder Brücken bearbeitete sie mit derselben Faszination wie wogende Gräser, Pflanzenstrukturen und subtile Vogelflugstudien. Klien nutzte das Motiv einer aus Natur und Technik gewonnenen Dynamik als synthetisierende ästhetische Kraft und vereinte die „Schwingungen der Zeit“ zu vielschichtigen Momentaufnahmen: Arkadische Natur und futuristischer Technologieoptimismus, Ursprünglichkeit sinnlicher Erfahrung und Geschwindigkeit als Zeichen ungebrochenen Zukunftsglaubens. Auch der „Vogelflug“ dokumentierte so Kliens Forderung nach gesellschaftlicher Reform und Modernität.


1925
Heinrich Hoerle (1895-1936), Begegnung, 1925
Gouache und Collage auf Papier 27 x 16,2 cm K19910397 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Heinrich Hoerles Werk kennzeichnete keine geradlinige Entwicklung. Der Kölner experimentierte zeitlebens und bekannte sich vorübergehend zum Expressionismus, Konstruktivismus wie auch zum Surrealismus. Er arbeitete mit Dada und mit Politkunst und ließ sich in der Wahl seiner Materialien nicht festlegen. Den Ersten Weltkrieg, den Hoerle an der Front als Telefonist erlebte, verarbeitete er in düsteren, expressiven Bildern, die Hoffnungslosigkeit und körperliche wie seelische Verstümmelungen der Kriegsopfer veranschaulichten. Während seiner Arbeit für die Zeitschrift „Die Aktion”, für die er Titelblätter zeichnete, lernte er den Maler Franz Wilhelm Seiwert kennen. Zunächst engagierten sich die beiden im Kölner Dada-Klub um Max Ernst, doch als sie dort ästhetische Interessen über politische und soziale gestellt sahen, verließen sie die Künstlervereinigung und gründeten die „Gruppe progressiver Künstler”. „Wir wollten keine Bilderchen malen, die sich der Satte über sein Sofa hängt, dass sie ihm den Mittagsschlaf versüßen”, lautete es im Programm der Gruppe. Ziel war die Arbeit mit allgemein verständlichen Bildchiffren. Inspiriert von den russischen Konstruktivisten begann Hoerle mit Zirkel und Lineal Figuren und religiöse Motive auf geometrische Grundformen wie Kreis, Zylinder oder Quadrat zurückzuführen. Doch die Machtübernahme der Nationalsozialisten zwang Hoerle bald in die innere Emigration, seine Bilder wurden beschlagnahmt und gelten heute vielfach als verschollen.


1924
Karl Hubbuch (1891-1979), Eine Ecke in der Kammer, 1924
Aquarell über Kreide auf Papier 33,1 x 50,5 cm K19910395 © Nachlass Hubbuch, Freiburg

Hat der Maler seinen Mantel desillusioniert in die Ecke geworfen? Wohl kaum. Denn Karl Hubbuchs Kritik war meist human und sozial. Seine Arbeiten standen im Dienst einer solidarischen und zugleich auch oft liebevollen Verbundenheit mit der arbeitenden Klasse, mit den kleinen unterdrückten Leuten. Ironisch parodierte er die Auswüchse des Tourismus oder das Amüsement der Oberschicht, während seine Aversion den Ausbeutern und später den nationalistischen Kriegshetzern galt. Mit Otto Dix und dem zwei Jahre jüngeren George Grosz zählt er zu den bedeutendsten Vertretern der „Neuen Sachlichkeit”. Doch zurück in das Jahr 1924. Hubbuch lebte in Berlin und entwickelte in der Großstadt erste Hauptwerke des neusachlichen Stils. Die Anstellung an der Akademie verschaffte ihm existenzielle Sicherheit und ging zugleich mit einer Phase relativer politischer und wirtschaftlicher Konsolidierung einher: „Ein kühler Beobachter, ein philosophischer Kopf voller Einfälle, ein entschiedenes zeitsatirisches Talent und schließlich ein Zeichner von ganz hervorragenden Qualitäten”, hieß es einerseits in einer Ausstellungskritik der Deutschen Allgemeinen Zeitung und andererseits: „Ein wenig erbaulicher Fall ist Hubbuch, der kalte Cyniker einer peinlich exakt arbeitenden Radiernadel ...”


1923
Kurt Schwitters (1887-1948), Contramerk, 1923
Papier-Collage 25,8 x 18,8 cm K19931776 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000
Anfangs vom deutschen Expressionismus beeinflusst, später von den Erkenntnissen der französischen Kubisten, schuf Kurt Schwitters Assemblagen, die durch die Einbindung von alltäglichem Altmaterial traditionelle Beziehungen zwischen Formen und Farben sichtbar werden ließen. Während einer „dadaistischen“ Tournee durch die Niederlande entstand die Collage „Contramerk“, in der Schwitters verschiedene Papiere und zwei Tickets kombinierte: „Aus Sparsamkeit nahm ich dazu, was ich fand, denn wir waren ein verarmtes Land. Man kann auch mit Müllabfällen schreien, und das tat ich, indem ich sie zusammenleimte und nagelte. Ich nannte es Merz, es war aber mein Gebet über den siegreichen Ausgang des Kriegs, denn noch einmal hatte der Frieden wieder gesiegt. Kaputt war sowieso alles, und es galt, aus den Scherben etwas Neues zu bauen. Das aber ist Merz.“ Und noch mehr bedeutete „Merz”, denn es bezog sich auf ein der Deutschen Bank verwandtes Unternehmen. Das Wortfragment „MERZ“ stammte von einem Briefkopf der Commerzbank und bezeichnete ab 1919 die gesamte künstlerische Produktion von Schwitters, seine Bilder, Skulpturen, Lithografien, Gedichte, Zeitschriften und Architektur-Entwürfe. Ob Schwitters auch auf den Kommerz anspielte, blieb offen, wir jedoch meinen: Glückwunsch, liebe Kollegen!

1922
Otto Freundlich (1878-1943), Maske, um 1922
Gouache und Bleistift auf Papier 34,8 x 28,8 cm K19910394 © Künstler und berechtigte Erben

Kurz vor Ausbruch des Ersten Weltkriegs bezog Otto Freundlich ein Atelier im Nordturm der reich mit mittelalterlichen Glasfenstern ausgestatteten Kathedrale von Chartres: „Ich war circa fünf Monate der Welt Chartres verfallen und bin für mein Leben lang gezeichnet daraus hervorgegangen...”, erinnerte sich der Künstler an jenes Schlüsselerlebnis. Unberührt von den damals aktuellen konstruktivistischen, neusachlichen oder surrealen Bewegungen verarbeitete er seine Erkenntnisse aus der Glasmalerei in kontrastreichen Farben und meist geometrisch aufgebauten Flächenkompositionen. Sein Kompositionsprinzip entsprach dem Bestreben, Transparenz und harmonische Architektonik als Synthese von Freiheit und Bindung in einer kosmischen Ordnung zusammenzufügen.
Dem Kopf als Symbol der Erkenntnis galt sowohl im plastischen wie auch im zeichnerischen Werk Freundlichs besonderes Augenmerk. Die frühen Skulpturen dominierte das Sujet des Kopfes nahezu, während die zeichnerische Bearbeitung immer wieder Bezüge zum Selbstbildnis aufwies. Auch die „Maske” von 1922 zeigte mit den geschlossenen Augen und ausgesparten Ohren einen konzentrierten verinnerlichten Ausdruck und introspektive Versunkenheit, denn „die Aufgabe der Kunst ist, Lebensformen zu entdecken, das heißt ihr Leben, das bisher nicht gesehen wurde, unsichtbar war, also ein Geheimnis, sichtbar zu machen.”


1921
Paul Klee (1879-1940), Töpferei, 1921
Aquarell auf Papier, auf Karton montiert 22,9 x 30,9 cm K19930415 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

„Das Bild hat keinen besonderen Zweck“, erklärte Paul Klee seinen Studenten am Bauhaus. „Es hat nur den einen Zweck, uns glücklich zu machen. Das ist etwas ganz anderes als die Beziehung zum äußeren Leben, also muss es auch anders organisiert sein. Wir wollen eine Leistung darin sehen, wir wollen eine besondere Leistung. Es soll etwas sein, das uns zu schaffen gibt, was wir gerne öfter sehen, was wir zum Schluss gerne besitzen möchten. Erst da sehen wir, ob es uns glücklich macht.” Doch über diese Ziele hinaus arbeitete der Künstler auch an der Visualisierung musischer und bildnerischer Beziehungen. Als Anschauungsmaterial für seine Schüler übertrug er musikalische Strukturen und Rhythmen in bildnerische Formen und konzentrierte sich dabei auf die Gestalt von Krug, Niere, Kreis und Rechteck. Gemäß einer Fuge setzte er dann deren wechselnde „Tonart” kontrapunktisch in einer Reihe von Aquarellen zusammen. Die Tongefäße erschienen dabei als hellster Punkt inmitten einer Schichtung dunkler Schatten, die den Höhenlinien einer Landkarte ähnelten. „Das für Strukturen charakteristische, repetierende Moment ist der Begriff der Steigerung”, erklärte Klee jene Staffelung. Sie verband Musik und Kunst in individueller Handschrift, denn: „Kunst gibt nicht das Sichtbare wieder, sondern macht sichtbar.”


1920
Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976), Signalstation, 1920
Öl auf Leinwand 100 x 87 cm K19700013 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

„Die Deutschen brauchen immer erst fünfzig Jahre, ehe sie merken, was ihnen verloren gegangen ist”, stellte Karl Schmidt-Rottluff einmal ironisch fest. 1970, genau fünfzig Jahre nach seiner Fertigstellung, erwarb die Deutsche Bank Schmidt-Rottluffs Gemälde „Signalstation“ für ihre Sammlung. Es war einer der frühesten Ankäufe, man wollte Signal setzen, für eine der größten Firmensammlungen zeitgenössischer Kunst weltweit.
Schmidt-Rottluff war bereits zu Beginn des Jahrhunderts legendär: Gemeinsam mit seinem Schulfreund Erich Heckel, mit Ernst Ludwig Kirchner und Franz Bleyl gründete er 1905 in Dresden die Künstlergruppe „Die Brücke”. Diese jungen Wilden – keiner älter als 25 Jahre – sprachen sich emotional und durch die kraftvolle Direktheit der Farben in ihren Werken sichtbar gegen die steife, wilhelminische Zeit aus. Erst der Erste Weltkrieg dämpfte die revolutionären Gefühle und Schmidt-Rottluff selbst vermerkte 1919: „Die ganze Qual der Kriegsjahre wirkte so sehr nach. Etwas Vertrauen zur Farbe habe ich jedoch wiedergewonnen.” Tatsächlich trat 1920 eine deutliche Kehrtwende ein: Von Mai bis September lebte Schmidt-Rottluff erstmals im pommerschen Fischerdorf Jershöft, wohin er bis 1931 jedes Jahr zurückkehrte. Angeregt durch die vermeintlich heile Welt der dortigen Fischer und Bauern fand er kurzzeitig – ehe der Nationalsozialismus ihn zum künstlerischen Rückzug und Stillstand verdammte – zu neuer Schaffenskraft und Lebensfreude.


1919
Lovis Corinth (1858-1925), Selbstbildnis, 1919
Aquarell und Deckfarben auf Bütten 31,4 x 25 cm K19934941 © Künstler und berechtigte Erben

Als Kraftprotz und Draufgänger war Lovis Corinth in seiner Jugend bekannt. Polizeiberichte von übermütigen Raufereien und Trinkgelagen waren keine Seltenheit. Mutig ging der Ostpreuße auch gegen die künstlerischen Konventionen seiner Zeit vor, und statt dem akademischen Impressionismus zu folgen, fand er seine Motive auf Schlachthöfen und in der rauen Natur. Urplötzlich wird Corinth, der schon zu Lebzeiten als Künstlerfürst gefeiert wurde, aus dem Rausch der Lebenslust gerissen. Ein Schlaganfall vergegenwärtigte dem Künstler 1911, wie erschreckend nahe der eigene Tod sein kann: „Das ganze Leben strich an mir vorbei, ein Leben, welches noch wertvoller schien jetzt im alleinigen Ringen, als in Jugend und Kraft.“ Doch auch die halbseitige Lähmung, die er durch diesen Vorfall davontrug, und die schwindende Körperkraft hielten den impulsiven Corinth nicht davon ab, sich 1914 als euphorischer Nationalist zu profilieren. Fünf Jahre später: Der Krieg war verloren, Ernüchterung machte sich breit. Ein ermatteter Patriot blickt mit hohlen Wangen dem Betrachter aus dem „Selbstbildnis“ entgegen. Kein inneres Feuer lenkt von existenziellen Ängsten mehr ab. Es scheint als habe Corinth in diesem Bild den „Ecce Homo“, den Schmerzensmann, den er kurz vor seinem Tod malte, vorweggenommen.


1918
George Grosz (1893-1959), Menschen im Kaffeehaus, 1918
Aquarell und Tusche auf Zeichenpapier 58,8 x 46 cm K19910764 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Ende des Ersten Weltkriegs zählte er zu den führenden Vertretern des Berliner Dada: George Grosz, deutsch-amerikanischer Zeichner, Karikaturist und Maler, der durch sozialkritische, politische und ätzende Satire vor allem die großstädtische Nachkriegswelt der Kriegsgewinnler, Huren und Ganoven porträtierte.
„Meine Nerven gingen entzwei, ehe ich dieses Mal nah der Front verweste Leichen und stechenden Draht sah – vorerst hat man mich unschädlich gemacht, interniert, zur speziellen Begutachtung meiner immer noch in Frage kommenden Dienstunfähigkeit. Die Lage ist die: entweder man schickt mich d. u. at home, oder aber wieder retour zur Landesstürmegruppe nach Groß-Brensen bei Guben! Das bedeutet dann abermals den Zusammenbruch! ... Die Nerven, jede kleinste Faser, Abscheu, Widerwillen – nun meinetwegen krankhaft – jedenfalls totales Versagen, selbst allmächtigstem Paragraphenzwang gegenüber”, schrieb Grosz 1917 an einen Freund. Nach einer ärztlichen „Idiotenprüfung” endgültig als dauernd kriegsuntauglich entlassen, arbeitete der Künstler zunächst an Propagandafilmen für die Militärische Bildstelle und die Ufa. Die Welt war aus den Fugen geraten, doch, zurück in Berlin, gelang es Grosz erneut, seine Umgebung im blanken Zynismus, selbstzerstörerisch und gesellschaftskritisch zu schildern. Berlin erschien als urbane Metropole mit Hotels, Passanten, Cafés und Bars im Rotlicht von Kriegs- und Todesangst.


1917
Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938), Bahnhof Königstein, 1917
Öl auf Leinwand 94 x 94 cm K19860016 © Dr. Wolfgang und Ingeborg Henze-Ketterer, Witrach/Bern

„Bahnhof Königstein“ oder „Rhätische Bahn, Davos“ rätselte seit den neunziger Jahren die Kunstgeschichte. Zeigte Ernst Ludwig Kirchner hier noch den Ort seines Aufenthaltes nahe Frankfurt oder bereits die Ankunft in Davos?Von den Kriegseindrücken zerrüttet war der Künstler im Dezember 1915 drogen- und medikamentenabhängig erstmals in das Königsteiner Sanatorium im Taunus gekommen. Getrieben von extremer Lebensangst reiste der Maler bald weiter nach Berlin und Jena und entschloss sich 1917, vor dem persönlichen Albdruck in die Davoser Berge zu fliehen. Nur zwei Wochen trotzte er dort dem eisigen Winter, dann türmte er erneut, und seine Gastgeberin schrieb besorgt: „Kirchner reiste zurück, er dachte sich, Davos liege im Süden unter Palmen! Wirklich.“
Auf seinem Gemälde, das 1986 unter dem Titel „Bahnhof Königstein“ für die Sammlung Deutsche Bank erworben wurde, ist jedoch weder ein Bahnhof noch eine Stadt zu sehen. Und ob Kirchner mit der Dampflokomotive und den rötlichbraunen Wagen die hessische oder die rhätische Bahn darstellte, erscheint angesichts des Bildinhalts völlig unerheblich. Denn dem isoliert, von überbordender Natur ausgegrenzten, gesichtslosen Mann half keine Topografie. Vielmehr versuchte Kirchner, in der atmosphärischen Aufzeichnung seiner Situation Halt zu finden.


1916
Max Liebermann (1847-1935), Strassenszene am Brandenburger Tor in Berlin, 1916
Öl auf Leinwand 58 x 86 cm K19580002 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000
In den Besitz der Deutschen Bank gelangte das Bild 1958. In der damals erstellten Karteikarte ist notiert: „Es wird ohne Berechnung ein handvergoldeter Louis-XIV- Rahmen, der weißlich patiniert ist, nachgeliefert.” Jahrzehntelang hing es im Frankfurter Besprechungszimmer eines Bank-Vorstandes. Doch in den neunziger Jahren kehrte es ganz in die Nähe seines Entstehungsortes zurück: Im frisch bezogenen Hauptsitz der Deutschen Bank, mitten im alten und neuen Herzen Berlins, „Unter den Linden“, fand auch die Szene vom Brandenburger Tor ihre Heimat. Und seit einiger Zeit ist nun auch das Liebermann-Haus am Pariser Platz, das im Zweiten Weltkrieg zerstört worden war, wieder aufgebaut. Die Berliner Straßenszene, geprägt von der düsteren Stimmung des Ersten Weltkriegs, zeigt den Blick herab von Max Liebermanns Atelier. Das noble Wohnhaus am Pariser Platz 7 grenzte direkt an das Brandenburger Tor und lag am Beginn des Boulevards „Unter den Linden.“ Liebermann lebte hier seit 1892 gemeinsam mit seinem verwitweten Vater, erbte nach dessen Tod das von einem Schinkel-Schüler erbaute Haus und ließ es mit wertvollen antiken Möbeln und dunklen Holzvertäfelungen aufwendig umgestalten. Viele Besucher waren von der schweren Pracht tief beeindruckt, manche gar verschüchtert. Ein Gast beschrieb die Ausstrahlung des Hauses mit einem Duft „von altmodischer Vornehmheit, ein Duft, der in seltsamem Gegensatz steht zu der Kunst des Mannes, der in dieser ererbten Atmosphäre groß ward und doch so erstaunlich hoch darüber hinauswuchs.”

1915
Erich Heckel (1883-1970), Toter Soldat III (Flandern), 1915
Kreide auf Papier 30,2 x 24,5 cm K20000239 © Nachlass Erich Heckel, Hemmenhofen

Freiwillig meldete er sich 1914 beim Roten Kreuz. Als Angehöriger eines Zuges, den der Berliner Kunsthistoriker Walter Kaesbach nach seinen eigenen Wünschen zusammenstellen konnte, versuchte Erich Heckel während des gesamten Krieges von kunstverständigen Menschen umgeben zu sein. So lernte er den Maler Max Beckmann und später in Ostende, wo er fast den ganzen Krieg über stationiert war, auch James Ensor kennen. Heckel nutzte jede freie Minute für die Arbeit an seinen Bildern und Zeichnungen, in denen etwa kranke, verwundete, aber auch nackt badende Soldaten die bedrohliche Landschaft und das tragische Lebensgefühl spiegelten. „Er geht nur auf das Psychologische, das Menschliche”, notierte Heckels Kriegskamerad Anton Kerschbaumer, „er ist Gotiker”. Vielleicht half ihm das, nicht aus der Bahn geworfen zu werden, denn Heckel bedeutete Krieg nicht Eroberung und Sieg, sondern leidvolle Erfahrung, die er als Künstler zu lindern versuchte. 1915, im Jahr des „Toten Soldaten”, entstand außerdem für die Weihnachtsfeier der Matrosen auf zusammengenähten Zeltplanen die großen Anklang findende „Madonna von Ostende”. „Wie gern ich das für die Soldaten gemalt habe”, schrieb Heckel nach Hause, „es ist sehr schön, wieviel Achtung und auch Liebe zu künstlerischen Dingen doch im Menschen steckt, und wer hätte gedacht, dass meine Mittel, die in den verdorbenen Ausstellungen so modern, unverständlich den Kritikern und dem Großstadtpublikum erschienen, nun doch reden dürfen und sprechen zu denen, denen es geschenkt wird.”


1914
August Macke (1887-1914), Auf dem alten Friedhof in Thun, 1914
Aquarell über Bleistift auf Bütten 24,6 x 31,2 cm K19890115 © Künstler und berechtigte Erben

„Der Spießer erklärt vor der schönen Aussicht: ‚Das ist schön, das ist schön, das ist schön.‘ Reaktionen durch billigste Art überlieferter Ausdrucksformen“, wetterte August Macke, denn „ein Kunstwerk muss gut gelogene Natur sein, eine gut getroffene Auswahl, ein Spiegel der Empfindungen.” Doch angesichts seiner idyllischen Friedhof-Szene wirkt dieser Anspruch geradezu paradox. Denn Mackes Spaziergänger, die harmonische lichterfüllte Farbigkeit seiner flanierenden Damen empfindet die Mehrzahl der Betrachter einfach als: „schön”. Heiter und gelöst dokumentieren die französisch inspirierten Bilder den Sommer des Jahres 1914, der mit dem Tod des berühmten „Rheinischen Expressionisten“ im September ein jähes Ende erfuhr. Mit nur 27 Jahren fiel Macke an der Westfront in der Champagne.
Wie weit entfernt erschien die Zeit, die er zuvor mit seiner Familie in Hilterfingen am Thuner See verbracht hatte. Im „Haus Rosengarten“ schuf er seine bekanntesten Werke und genoss die Monate am See mit Freunden, seinen Söhnen und seiner Frau Elisabeth, die sich erinnerte: „Hilterfingen – welch sorglose, glückliche, erfüllte Zeit sollte uns beiden und den Kindern dort beschert werden, paradiesisch schön, fast unwirklich – ehe die furchtbare Weltkatastrophe über Europa hereinbrach!“


1913
Franz Marc (1880-1916), Fabeltiere I (Tierkomposition I), 1913
Tempera auf Papier 25,4 x 31,6 cm K19820085 © Künstler und berechtigte Erben

Er fahndete nach Erlösung und Ursprünglichkeit. Einengende Rationalität war ihm zuwider und seine Fabeltiere dokumentieren über die bloße Abbildung weit hinausreichend den Ausdruck tiefer Sehnsucht. Im Zeitalter von Industrialisierung, gesellschaftlicher Verwerfungen und eines nahenden Weltkriegs suchte Franz Marc sein Seelenheil im Bild des Animalischen und der Beziehung von Mensch und Natur: „Man hängt nicht mehr am Naturbild, sondern vernichtet es, um die mächtigen Gesetze, die hinter dem schönen Scheine walten, zu zeigen“, erklärte er und fand in der Darstellung von Tieren die Sinnbilder existenzieller Reinheit und geistiger Transzendenz.
Seinen Fabelwesen, einer Mischung aus Pferd, Reh, Gazelle und Kuh assoziierte Marc männliche und weibliche Prinzipien, und auch den Primärfarben ordnete er charakteristische Eigenschaften zu. So stand das Blau für das „männliche Prinzip, herb und geistig“, das Gelb für eine heitere, sanfte und zugleich sinnliche Ausstrahlung, während das Rot allein weibliche Aspekte verkörperte.
Marc gelang es so, über die Farbgebung zu abstrahieren, das Geschlechterverhältnis spannungsreich zu interpretieren und sein Naturverständnis zu formulieren: „Gibt es für den Künstler eine geheimnisvollere Idee als die Vorstellung, wie sich wohl Natur in dem Auge eines Tieres spiegelt?“


1912
Christian Rohlfs (1849-1938), Haus mit rotem Dach (Soester Haus), 1912
Öl auf Leinwand 80 x 100 cm K19901913 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Der Dichter Theodor Storm war es, der dem jungen Christian Rohlfs durch seine Empfehlung das Studium an der Weimarer Großherzoglichen Kunstakademie vermittelte. Doch für Rohlfs galten erschwerte Bedingungen: Als Kind war der Sohn eines Holsteiner Bauern vom Baum gefallen und 1873 wurde ihm nach mehrjährigem Krankenlager das verletzte Bein amputiert.
Erste Gemälde nach dem Studium zeigten vor der Natur gemalte, lichte Landschaften. „Was ich suche sind: Vordergründe. Vordergründe machen das Bild. Das ist eine alte malerische Regel. Mit Aussichten, Gegend und Alpen ist nicht viel anzufangen“, begründete der Künstler auch nach der Berufung an die Hagener Folkwang-Schule seine Sicht auf die Landschaft. In Hagen lernte Rohlfs Emil Nolde kennen, mit dem er zeitlebens freundschaftlich verbunden blieb und häufig zusammenarbeitete. Nolde, der den Künstlerfreund schätzte, staunte über dessen Begeisterung für das westfälische Soest und die seit 1905 wiederkehrenden Arbeitsaufenthalte in der mittelalterlichen und malerischen Stadt. Rohlfs fuhr im Sommer nun nicht mehr nach Weimar, sondern nach Soest. Eine große Zahl dort entstandener Gemälde, Zeichnungen und Aquarelle belegen die Affinität für das westfälische Ambiente, das Rohlfs lange Jahre variierte und später auch aus der Erinnerung bearbeitete. Sein Freund Nolde hatte ihn nur ein einziges Mal dorthin begleitet.


1911
Wassily Kandinsky (1866-1944), Aquarell mit rotem Fleck, 1911
Aquarell und Bleistift auf Papier 49,8 x 63,3 cm K19870152 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Es war der 2. Januar 1911. Ein Winterabend wie viele andere. Doch für die Kunstgeschichte würde es ein herausragender werden. Wassily Kandinsky hatte mit seinen Freunden Franz Marc und August Macke ein Konzert im Münchner Jahreszeitensaal besucht und dort erstmals die Musik des Komponisten Arnold Schönberg gehört: „Das ist das, was man ‚Anarchie‘ nennt“, schrieb er an Schönberg, „worunter man eine Gesetzlosigkeit versteht.“ Die ungewohnte Zwölftonmusik faszinierte und bestärkte ihn in seinem Bemühen um die „absolute“ Malerei. 1910 war in der Abenddämmerung seines Ateliers aus der schemenhaften Wahrnehmung eines seiner Bilder das erste abstrakte Werk entstanden. Kandinsky hatte im Halbdunkel die Kraft der Flächen und abstrakten Formen erkannt und diese begeistert wie zögernd bildhaft umzusetzen begonnen. Seinen revolutionären Schritt zur Abstraktion zeigt auch das nach dem Schlüsselerlebnis des Konzerts entstandene und oft nur „Mit rotem Fleck“ bezeichnete Aquarell. Formal wegweisend erinnerte es inhaltlich an Kandinskys Anfänge: die Jugend in Russland, das Jura-Studium in Moskau und vor allem an den Roten Platz.


1910
Wilhelm Lehmbruck (1881-1919), Weiblicher Torso, 1910
Farbig gefasster englischer Zement 115 x 50 x 36 cm K19810027 © Künstler und berechtigte Erben

„Ich möchte meinem Lehrer Wilhelm Lehmbruck danken”, begann Joseph Beuys 1986 seine Dankesrede zur Verleihung des Lehmbruck-Preises. „Seine Skulpturen”, fuhr er fort, „sind eigentlich gar nicht visuell zu erfassen. Man kann sie nur erfassen mit einer Intuition, wobei einem ganz andere Sinnesorgane ihr intuitives Tor offen machen, und das ist vor allen Dingen das Hörende – das Hörende, das Sinnende, das Wollende. Das heißt, es sind Kategorien in seiner Skulptur vorhanden, die niemals vorher vorhanden waren.”
Der in Paris entstandene „Weibliche Torso” von Lehmbruck zählt zu den Hauptwerken des Künstlers. Schon früh genoss er internationale Wertschätzung. 1913 nahm er als einziger deutscher Künstler an der New Yorker „Armory Show” teil. Der Erste Weltkrieg, in dem Lehmbruck als Sanitäter Dienst leistete, unterbrach diese hoffnungsvolle Entwicklung und ließ den Künstler verzweifelt zurück. 1919 nahm sich Lehmbruck das Leben. Der Sturz von der „träumerischen Klassizität in den Krieg”– hieß es in einer Würdigung – „war für Lehmbruck nicht zu bewältigen”.


1909
Gabriele Münter (1877-1962), Allee vor Berg, 1909
Öl auf Malpappe auf Holz 49 x 59 cm K19850016 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

„An das Bild ‚Der blaue Berg‘ habe ich eine Erinnerung, als sei es ein ganz besonderes Erlebnis”, notierte Gabriele Münter 1957 im Tagebuch. „Ich war mit Jawlensky zusammen ausgegangen, um Landschaft zu malen... Da sah ich von oben das Gasthaus Berggeist liegen und wie der Weg aufsteigt und dahinter den blauen Berg und rote Abendwölkchen am Himmel. Ich schrieb das Bild, das sich mir bot, schnell hin. Dann war es mir wie ein Erwachen, und ich hatte das Gefühl, als wenn ich ein Vogel wär, der sein Lied gesungen hat.”
Münter arbeitete damals mit ihrem Lebensgefährten Wassily Kandinsky und dem befreundeten Künstlerpaar Alexej von Jawlensky und Marianne von Werefkin in Murnau, wo sie ein Landhaus gekauft hatte. Während der Sommermonate entstanden hier intensive und harmonische Landschaftsbilder und erste abstrakte Werke Kandinskys. Heute ist das ehemalige Wohnhaus der Künstlerin für Besucher geöffnet. Nach alten Fotografien und Bauplänen rekonstruiert, erscheinen Haus und Garten jetzt wieder wie zwischen 1909 und 1914, als die Malerin und Kandinsky hier ihre Sommer gemeinsam verbrachten. Etliche der von beiden verzierten Schichtholzmöbel, die von Kandinsky bemalte Treppe sowie Bilder und Wand-Ornamente zeugen von einer glücklichen und anregenden Zeit. Seit den dreißiger Jahren nutzte Münter das so genannte „Russenhaus“ als festen Wohnsitz und wünschte sich, dort eine Gedächtnisstätte einzurichten.


1908
Egon Schiele (1890-1918), Liegendes Mädchen mit roter Bluse, 1908
Aquarell, Bleistift und Goldfarbe auf Papier 26,5 x 22 cm K19900512 © Künstler und berechtigte Erben

Die Frau sei „die eigentlich große Mutter von allem, allen ähnlich, doch vereinzelt“, schrieb Egon Schiele einem seiner Sammler. Mädchen, Frauen und der Typus der Mutter spielten in seinem Werk wie im Leben eine wesentliche Rolle. Nach dem frühen Tod des Vaters war seine Mutter Marie Schiele einer der wichtigsten Bezugspunkte des damals Vierzehnjährigen. Sie erkannte früh das Talent des Sohnes und ermöglichte ihm 1906 das Studium an der Wiener Akademie der bildenden Künste. Mit siebzehn zeichnete der Künstler das Aquarell der Mutter, das später unter dem Titel „Liegendes Mädchen mit roter Bluse“ in die Sammlung Deutsche Bank gelangte. Entstanden war es für Schieles erste Ausstellungsbeteiligung im Kaisersaal des Wiener Stiftes Klosterneuburg. Auch in der Folgezeit erschien das Motiv der Mutter häufig durch einen roten Mantel oder eine rote Bluse charakterisiert. Die Farbe Rot: Sinnbild für Wärme, Leidenschaft, Sexualität und Erotik, aber auch für Tod und Gewalt. All diese expressiven Sujets kennzeichnen das gleichsam sensibel-intime wie subversive Schaffen Schieles. Tragisches Ende der Allianz von Kunst und Leben bildete schließlich der frühe Tod seiner Frau Edith, die im sechsten Monat ihrer Schwangerschaft an der Spanischen Grippe starb, der auch Schiele kurz darauf zum Opfer fiel.


1907
Karl Blossfeldt (1865-1932), Orchidaceae, 1907/1984
Fotografie 30 x 24 cm K19972325 © Karl Blossfeldt-Archiv / Ann und Jürgen Wilde / VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Der Ruhm kam spät, aber gewaltig. Seine 1928 erschienene monumentale Publikation „Urformen der Kunst“ machte Karl Blossfeldt mit einem Schlag weltberühmt. Festgehalten hatte er fast 6000 Pflanzendetails, deren Fotonegative später teilweise als verschollen galten. 1984 wurden im Archiv der Berliner Hochschule der Künste 500 dieser verloren geglaubten autorisierten Fotoabzüge, so genannte Vintage Prints, wieder aufgefunden. Sie zählten wie die plastischen Modelle zum Lehrmaterial des Bildhauers und Hochschullehrers Blossfeldt, der an der kunstgewerblichen Lehranstalt in Berlin „Modellieren nach lebenden Pflanzen“ unterrichtete.
Als pädagogische Bildkonserve gefertigt, brachten jene Fotos nun ihrem Erzeuger die Anerkennung seiner Zeitgenossen, die ihn als fotografischen Meister und Entdecker einer neuen Weltsicht feierten. Die bis dahin ungekannte Ästhetik speiste sich aus einer naturalistischen Interpretation, die das Motiv nicht als Kunst-, sondern als Naturform deutete. Zwischen Neuer Sachlichkeit und Surrealismus entstanden so Projektionen pflanzlichen Lebens analog technischer Formen, die wie in der abgebildeten Orchidee gleichermaßen archaische und elementare Urkräfte sowie das Talent zum Ornament fixierten.


1906
Ernst Barlach (1870-1938), Betrunkene Bettlerin, 1906
Kohle auf Zeichenpapier 45,8 x 58,7 cm K19880610 © Ernst Barlach Lizenzverwaltung Ratzeburg
„Russland gab mir seine Gestalten ...”, notierte Ernst Barlach nach der Reise zu seinem Bruder. Autobiografisch schilderte er die Begegnung mit Bauern, Bettlern und Unterdrückten sowie der tief melancholisch empfundenen Landschaft. Die Menschenbilder des zaristischen Russland prägten nach der Rückkehr seine ausdrucksstarke Figurenwelt. Die erbärmlichen Lebensbedingungen der bäuerlichen Bevölkerung inspirierten Barlachs Werk dabei genauso wie russische Volkskunst, mittelalterliche Mystik und die Welt Dostojewskijs.1910 zog der Künstler nach Güstrow in Mecklenburg-Vorpommern, wo er abgeschieden und ungestört die gedemütigte Kreatur, inmitten von Hunger und Elend thematisierte. In der Holzskulptur verhalf sie ihm zum internationalen Durchbruch. „Staunend versteh’ ich dich nicht”, würdigte ihn etwa Thomas Mann 1924 in einem New Yorker Report, doch zählte er Barlach zum überhaupt „Stärksten” und „Eigentümlichsten”, was Drama und Plastik jener Jahre hervorgebracht hatten. Bertolt Brecht bestätigte Barlach gar als einen der größten Bildhauer, den die Deutschen je gehabt hätten. Mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten wurden die Arbeiten Barlachs jedoch als „entartet“ aus Kirchen, Museen und von öffentlichen Plätzen entfernt, private Ankäufe mit Drohungen weitgehend unterbunden, sein Austritt aus der Preußischen Akademie der Künste 1938 erzwungen. Noch im selben Jahr starb der Künstler fast vergessen in einer Rostocker Klinik.


1905
Käthe Kollwitz (1867-1945), Frau auf einer Bank sitzend, 1905
Kohle und Kreide auf braunem Bütten 49,9 x 65 cm K19934806 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Angeregt durch eines ihrer Modelle skizzierte Käthe Kollwitz die in einer Arbeitspause auf der Bank sitzende Frau. Besondere Aufmerksamkeit widmete sie den Händen, die groß und grob den Stand der Arbeiterin nicht verbargen. Sozialkritische bis anklagende Züge prägten das Werk von Käthe Kollwitz. Immer wieder porträtierte sie das Leben der Armen und Arbeiter um die Jahrhundertwende. Ihr Interesse galt besonders dem Schicksal der Frauen, den Arbeiterinnen, die um ihr Recht kämpften, den Müttern, die ihre Kinder verloren hatten oder den trauernden Witwen. Sensibel und einfühlsam dokumentierte die Künstlerin, die als erste Frau ein Lehramt an der Preußischen Akademie der Künste erhielt, Menschenschicksale, soziale Not und Krieg.
In Berlin, wo sie mit ihrem Mann, einem Arzt, am Prenzlauer Berg lebte, engagierte sie sich in der Arbeiterbewegung und entwarf Plakate, die das Schicksal niedergeschlagener und verzweifelter Menschen aus dem Großstadtproletariat schilderten: „Ich bin einverstanden damit, dass meine Kunst Zweck hat. Ich will wirken in dieser Zeit, in der die Menschen so ratlos und hilfsbedürftig sind.“


1904
Alexej von Jawlensky (1864-1941), Stillleben mit Tasse, 1904
Öl auf Karton 37,5 x 47,5 cm K19820176 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

„Genießen Sie im Geiste anregende Düfte oder lassen Sie sich das Wasser im Munde zusammenlaufen. Wählen Sie zwischen den Topetagen der Frankfurter Zwillingstürme oder einer gediegenen Gründerzeitvilla, dem Gästehaus der Bank. In Letzterem finden Sie das Original und nur wenige Schritte entfernt, in den Zwillingstürmen, die Abbildung desselben auf einer feinen Menükarte: Alexej von Jawlenskys „Stillleben mit Tasse“ lockt so nicht nur Ihr Auge, sondern fordert auf diese Weise all Ihre Geschmacksnerven heraus.Jawlensky schuf das Ölgemälde im Sommer 1904 im oberbayerischen Reichertshausen. Seit acht Jahren lebte er mit seiner ebenfalls russischen Freundin und Förderin, der Malerin Marianne von Werefkin, in Deutschland. Hier hatte er auch seinen Landsmann Wassily Kandinsky kennen gelernt, mit dem er 1909 die Künstlergruppe „Blauer Reiter” gründete. Als Farblyriker mit einer nahezu religiösen Affinität zur Farbe betrachtete Jawlensky seine Kunst als „Meditation oder Gebet in Farben“: „Ich verstand, dass ich nicht das malen musste, was ich sah, sondern nur das, was in meiner Seele lebte.“ So erinnert auch sein „Stillleben mit Tasse“ in seiner Ernsthaftigkeit und Kontemplation an russische Andachtsbilder. Einer meditativen Ikone gleich bleibt darin das rote Kreissegment im Vordergrund als autonome, geradezu rätselhafte Form bestehen.


1903
Alfred Kubin (1877-1959), Ungeheuer auf dem Hügel, around 1903
Aquarell, Tusche, laviert und gespritzt, Blei- und Farbstift auf Papier 21,4 x 22,5 cm K19910398 © VG Bild-Kunst, Bonn 2000

Die Luft der Alpen” sei „die Welt seiner Kindheit gewesen“, schrieb Alfred Kubin in einem Brief. Doch was zunächst optimistische Naturverbundenheit vermuten lässt, erweist sich in Wirklichkeit als melancholische und deprimierende Erinnerung. Als Kind von Nordböhmen über Salzburg nach Zell am See gekommen, erlebte Kubin bereits als Zehnjähriger die lange, schwere Krankheit und den Tod der Mutter. Zunehmende Spannungen zwischen Vater und Sohn sowie sein Selbstmordversuch am mütterlichen Grab erschwerten die Situation zusehends. Neunzehnjährig verpflichtete sich Kubin als Soldat, doch schon nach drei Wochen erlitt er einen Nervenzusammenbruch. Einigermaßen genesen, beschloss er nun Maler zu werden und begann 1898 das Studium in München. 1902 stellte er unter großer Anerkennung bei Paul Cassirer in Berlin aus und publizierte mit Erfolg seine erste druckgrafische Mappe. Doch kurz darauf holte Kubin das Schicksal erneut ein, denn seine junge Frau starb. Trost und Halt bot ihm jetzt die künstlerische Arbeit: „Es handelt sich bei mir lediglich darum, rein innerlich geschaute Formen, Gestalten und Geschehnisse bildmäßig einzufangen, deren drängende Flut von jeher mein eigentliches Seelenleben ausmachte. So halb traumhaft durch diese inneren Gesichte gereizt, versuche ich mit meinen Mitteln durch künstlerisches Festhalten mich gleichsam von diesen Gespenstern zu befreien.”


1902
Frederick George Cotman (1850-1920), An Evening on the Estuary, 1902
Öl auf Leinwand 114,3 x 172,7 cm MG000110 © Künstler und berechtigte Erben

Der eigentlich Berühmtere war sein Onkel John Sell Cotman. Doch auch Frederick George Cotman, 1850 in Ipswich, Suffolk geboren, errang mit seinen vorzugsweise ländlichen Genre-Interieurs und Stimmungslandschaften unter anderem 1874 eine Goldmedaille an der Royal Academy in London. Debütiert hatte er dort zwar mit einem Porträt seines Vaters Henry Edmund Cotman, doch bestimmten die Ansichten der englischen Heimat weitgehend sein Werk.
Auch in seinem Gemälde „An Evening on the Estuary“ (Abend an der Flussmündung) eröffnet er das weite Panorama mit dem Blick auf die Landschaft und den natürlichen Kreislauf. Worüber der junge Naturbursche im schattigen Vordergrund sinniert, bleibt offen. Doch nicht nur ihm vermittelt der sonnenüberflutete, abendliche Horizont im Hintergrund eine friedlich und heiter gelöste Atmosphäre. Der Sehnsucht nach Ursprünglich- und Natürlichkeit – schon um die Jahrhundertwende eine charakteristische europäische Erscheinung – kam Cotman mit seinen feintonigen Landschaften breit entgegen. Die detailreich komponierten Ansichten kennzeichneten dabei weniger einen bestimmten Ort, als Atmosphäre und Stimmung selbst.


1901
Paula Modersohn-Becker (1876-1907), Mädchenakt, around 1901
Verso: Feder über Bleistift 37,6 x 24,3 cm K19960597 © Künstler und berechtigte Erben

„So studiere ich auf meinem Weg mit riesigem Vergnügen Physiognomien und versuche, das ihnen Charakteristische schnell zu finden“, notierte sie und kennzeichnete ihren „Mädchenakt“ auf der Vorderseite leicht und bewegt, während die Rückseite einen gedrückt ruhenden Akt dokumentierte. Unterschiedlicher hätte die Darstellung der Figuren nicht sein können. Als Paula Modersohn-Becker 1907 einem Herzschlag erlag, hinterließ sie ein Werk, das sie als eine der bedeutendsten Malerinnen der Moderne ausweist. Darstellungen von Frauen jeden Alters und zahlreiche Selbstbildnisse charakterisieren ihr OEuvre. Mit ausdrucksstarken Bildern aus dem norddeutschen Worpswede wurde sie zur großen Vorläuferin des Expressionismus. Kaum eine Künstlerin der Moderne ist der Öffentlichkeit so vertraut wie sie: Eine junge Frau, die es wagte, aus den Konventionen ihrer bürgerlichen Herkunft herauszutreten, die seit 1898 vorwiegend in der Künstlerkolonie Worpswede lebte, dort ihre künstlerische Berufung entdeckte und den damals berühmten Landschaftsmaler Otto Modersohn heiratete; Modersohn-Becker, der es im Kreis der Heimatmaler immer wieder zu eng und provinziell wurde, die sich von ihrem Mann trennte, dann wieder zu ihm zurückkehrte und bald nach der Geburt der ersehnten Tochter Mathilde starb. Eine Künstlerin, die früh einen individuellen, über konventionelle Formen hinausgehenden Stil verwirklichte.


1900
Albert Hertel (1843-1912), Tiergarten, 1900
Öl auf Leinwand 91 x 130 cm K19600005 © Künstler und berechtigte Erben

Im Spiel des Sonnenlichts versunken steht sie mitten im Tiergarten Berlins. Ein steinerner Löwe wacht, während die junge Frau mit den großen Sträußen in den Händen den Ort gefunden zu haben scheint, der ihr Ruhe und Geborgenheit vermittelt.
Den Maler des Bildes, den Berliner Albert Hertel, der zunächst Historienmaler werden wollte, hatte ein Lungenleiden zum Landaufenthalt nach Schlesien geführt. Dort begann er mit Leidenschaft in der freien Natur zu malen. Da die erhoffte gesundheitliche Besserung jedoch ausblieb, wandte sich der Künstler nach Süden. In Rom wurde aus dem unbefangenen Naturbeobachter bald ein Maler heroischer Landschaften. Parallel entstanden Studien, die ungeachtet akademischer Regeln ein unmittelbares Verhältnis zur Natur formulierten.
1887 verließ Hertel Italien, um sich nach einem Aufenthalt in Hamburg endgültig in Berlin niederzulassen. Dort übernahm er die Leitung der Landschaftsklasse der akademischen Hochschule und erhielt besondere Anerkennung als vortrefflicher Naturbeobachter durch seinen Freund Adolph von Menzel.


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Letzte Aktualisierung: 4.7.2016
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